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民间音乐一般是指在民间形成并流传于民间的各种音乐体裁,例如我国的民间歌曲、民间歌舞音乐、民间器乐、民间戏曲和说唱音乐等。它与专业音乐的不同,主要在于创作方式,即民间音乐的口头创作方式和专业音乐的笔头创作方式的不同,以及由于不同的创作方式而生发出的不同的创作手法、创作风格、创作特征等。
由于我国文化传统的源远流长,而专业音乐创作又起始甚晚(本世纪初期),因此除了民间音乐与专业音乐外,我国音乐中还有一个“传统音乐”的概念。所谓传统音乐,是指具有一定流传时间的、不是当代创作的音乐。在我国,常常把清代以前即已形成的音乐划为传统音乐的范畴。传统音乐中包括历史上流传下来的民间音乐,也包括宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐。
具体到民间音乐来说,传统音乐中包括传统的民间音乐,但不包括新兴的民间音乐。
传统音乐中民间音乐与非民间音乐的区分,要比民间音乐与专业音乐的区分复杂得多。首先,许多宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐,与民间音乐有着亲源关系。它们或者发源、取材于民间音乐,在进入其他社会阶层后产生了音乐气质和风格上的种种变化;或者并未经过许多加工改造,显示出浓重的民间音乐的印记。其次,许多文人音乐、宫廷音乐和宗教音乐的创作方式,还保留着作为其源头的民间音乐的口头创作方式的种种特征。例如在书面乐谱的基础上,保留着作较大即兴变化的余地,地域性流派的产生,以及一曲多用的创作方式,等等。
以古琴音乐为例。在我国古代文化生活中,古琴是占有重要地位的乐器。孔子、司马相如、蔡邕、嵇康等,都以擅弹古琴著称。在长达3000年的艺术发展过程中,许多文人琴师为之付出了心血,创造了辉煌成就,形成了一系列从传谱、师承到演奏风格都各成体系的琴派,并有专用乐谱,这乐谱叫“减字谱”,唐代即已创立,一直沿用至今。而且,与古琴音乐的创作和演奏技艺一同发展的,还有古琴音乐的理论。汉代蔡邕的《琴操》一书,是关于琴曲题解的著作。书中分类著录琴曲47首,记述其作者、命意、创作背景以及与作品有关的故事。宋代朱长文撰有《琴史》。全书6卷,为历代琴家的述评和专题评论。
明代蒋克谦在几代人不断积累的基础上,编辑成《琴书大全》。全书22卷,前20卷为历代有关琴学的记载,后2卷收录琴曲62首……也就是说,发展至今的古琴音乐艺术,不仅有历代相传和累积的琴谱,有不同传承关系、不同演奏风格的流派,还有收集、总结并推动古琴艺术进一步发展的理论建树。
这些都与民间音乐很不相同。在很长一段历史发展进程中,没有专用乐谱,更没有刊集曲谱的书籍。在由宫廷主持、文人编撰的音乐史籍文献中,民间音乐没有专门的地位,有关记载微乎其微,因此很难从古代文献中看清它的发展脉络;由于口传心授的流传方式,民间音乐不断产生新的创作,又不断随着历史的动乱而散失,缺乏像古琴音乐那样历代坚实的积累和推陈出新;由于民间音乐在宫廷和文人的心中没有应有的地位,很少有人对它进行理论研究,历代伟大的民间艺人对音乐艺术的创建也就在历史的长河中随波逐流了。可以想见,历史上民间音乐因灾难或后继无人而形成断层的现象是经常发生的。
这些情况,都与古琴艺术的发展有很大的不同。然而,尽管古琴音乐有传谱、有理论,演奏者主要是文人,但它又有演奏的即兴性和流派的乡土性等特点。比如古人所形容的:“吴声清婉,若长江广流,绵延徐逝,有国土之风;蜀声躁急,若激流奔雷,亦一时之俊快。”([宋]朱长文《琴史》载[唐]琴师赵耶利语)这些特点,与口传心授,并囿于某一地域范围发展之中的民间音乐有相似之处。
再比如昆曲。昆曲起源于我国南宋以来流传于南方各地的南戏的音乐——南曲,而南曲则起源于浙江温州一带的民间歌舞。南曲是我国最早的戏民声腔之一。作为一种戏曲声腔,仅仅使用民歌小曲是不够的,因此南曲又在民间歌舞的基础上,吸收了大量的宋词和传统音乐。在宋词与传统音乐中,既包含文人音乐成份,又包含民间音乐的成份。南曲在民间流传的过程中,每到一地,便与当地的民间音乐相结合,繁衍出多种戏曲声腔。例如号称“明代四大声腔”的海盐腔,余姚腔、弋阳腔、昆山腔、均出于此。
元代后期,南戏流经江苏东南部的昆山一带,与当地语言和音乐结合,经当地音乐家的歌唱和推进,至明初遂有昆山腔之称。后来又经居住在太仓的魏良辅以及其他一些艺术家的改革,并吸收其他地区音乐的长处,总结出一系列唱曲理论,形成了委婉细腻的昆腔歌唱体系。万历年间,昆腔由吴中扩展到江浙各地,并传入北京和湖南,迅速取代了当时盛行于北京的弋阳腔。明末清初,昆腔又流传到四川、贵州和广东等地。昆腔传入各地后,与当地方言和民间音乐相结合,衍化出众多流派,构成了丰富多彩的昆腔腔系。清代中叶以后,各地昆腔逐渐衰落,至今尚存者还有江南的南昆、北京的北昆、温州的永(嘉)昆和湖南的湘昆等。
昆腔在发展、兴盛阶段,从剧本的创作者到音乐的改进者,多为文人学士。例如对昆曲音乐风格的形成起到举足轻重作用的魏良辅,以及创作《浣沙记》的梁辰鱼等一批剧作家,都是有才学而无功名的布衣之士。加上昆曲的唱词温文尔雅,有些甚至晦涩冷僻,昆曲的音乐低回婉转,细腻缠绵,严格地说,它应该算作文人的音乐。但是,从昆曲的形成过程中,可以看到它与许多地区民间音乐之间有着千丝万缕的联系。而且,发展至今的昆曲音乐也还有着一曲多用和地方性的特征。在某些远离大城市的区县,那里的昆腔戏曲呈着比较朴实的、更接近于民间音乐的风貌。另外,与昆腔同为明代四大声腔之一的弋阳腔,即发展至今的高腔,虽然产生和流传的年代同样久远,并且也采用昆曲等传奇剧本,但在音乐上则保留了更多的民间传统。
除了文人音乐与民间音乐的复杂关系外,宫廷音乐和宗教音乐也与民间音乐有着错综复杂的联系。从西周到唐代,朝廷官府搜集民间音乐的工作形成传统,并设立专门的音乐机构。民间音乐进入宫廷后,被官府中的官员和艺人进行了不同程度的改编,作为宫廷内外的仪礼音乐。南宋以后,宫廷撤消了专门搜集、整理、训练并表演音乐的机构,基本上采用招集民间艺人进宫表演的办法。宫廷使用民间音乐,一方面改变了民间音乐的本来面貌,另一方面,又通过官府的力量对民间音乐的发展起到了推动作用。
宗教音乐中也存在大量的民间音乐成份。例如北京佛教寺院的管乐和云南许多民族中流传的道教洞经音乐,其中就有明清的时调小曲、多种戏曲曲牌及民间流传的器乐曲牌。
我国著名文学理论家郑振铎先生说过:“正统文学的发展和‘俗文学’的发展息息相关。……像五言诗,汉乐府,六朝的新乐府,唐五代的词,元、明的曲、宋、金的诸宫调,哪一个新文体不是从民间发生出来的?”“当民间的歌声渐渐消歇了的时候,而这种民间的歌曲却成了文人学士们之所有了。”(《中国俗文学史》,作家出版社1954年2月版)
另外,民间音乐本身也存在成份不同、发展阶段不同的情况。例如,民歌中的劳动号子、山歌和农村小调,其主要创作者和歌唱者基本上是农民。这些歌曲多作为歌唱者自娱的方式,曲调上加工较少,情感真挚而质朴。而同属于民歌范畴的城市小调,其演唱者常为职业艺人或务农、从事手工业劳动的半职业艺人。这些歌曲多用作街头巷尾、酒楼茶馆卖唱的内容,听众多为一般市民或有钱人。为了换取报酬,迎合听众的趣味,这些曲调被艺人进行了较多的加工,形式上艺术性较强,商业性也较强,从内容到形式都变得世俗化和复杂化:既有诚挚坦率,突破旧礼教束缚、追求个性解放的一面,又表现出小生产者的狭隘、软弱、消极甚至低级趣味。
在戏曲和曲艺(说唱)中也有这种情况。据统计,我国近代曲艺曲种和戏曲剧种均各有300余种之多。在众多的曲种和剧种中,都有经常或主要在大城市演出的、具有较高的文化和艺术水准的品种,也有很少或基本上不在大城市上演的、文化和艺术水准相对较低、较粗糙的品种。那些经常在大城市上演的品种,例如京剧、京韵大鼓等,在历史上都有文人参与创作和表演,并且在大城市有更多的机会观摩和学习其他姊妹艺术,使之得以兼收并蓄,融会贯通,从内容到形式都有更多的发展。但另一方面,相对来说也较多地表现和传播了统治阶级、文人和市民的艺术情趣、道德观念与行为准则。
在现代音乐生活的发展中,有更多的专业文艺工作者参与民间音乐品种的表演、改编和一定意义上的创作。而在中华人民共和国成立后得到发展、兴盛的民间音乐、就更与专业文艺工作者的创造性劳动分不开了。但是,这种创造性劳动,并没有脱离开民间音乐的基础、性质和传统的积淀,没有背离我国民间音乐长期以来所形成的特点。因此,这种创造,与专业音乐创作有本质上的不同。
复调音乐约在9世纪左右产生于西欧,它的发展经历了很漫长的时间。下面百文网小编给大家带来复调音乐发展简史的介绍,欢迎阅读!
17世纪欧洲已跨入近代的历史,几个世纪的商业革命已摧毁了停滞的中世纪行会经济。国家规模扩展,国王权力的增大,欧洲政治专制主义时代正向着鼎盛发展。宗教改革与反宗教改革运动,使欧洲的教会处于分裂的复杂对立状态,导致了宗教派别间及专制君主间的大规模战争。
这也是科学振兴的时代,培根、笛卡尔、伽利略和牛顿等科学之父们为人类翻开了科学思维的新篇页。
巴洛克时期的音乐与其他艺术交相辉映,呈现出比往昔更加繁荣的艺术景象。当莎士比亚的戏剧创作已达到最后巅峰,法国古典主义戏剧流派勃勃兴起的时候,意大利的音乐家显示出令人瞩目的音乐戏剧才能,蒙特威尔第1607年写出了杰出的歌剧《奥菲欧》。英国文学家弥尔顿的长诗《失乐园》综合了新时代宗教信仰观念,被称为新教信仰的庄严诗篇。而亨德尔宏伟、蓬勃的清唱剧《弥赛亚》和巴赫深刻、压抑的《圣·马太受难乐》则以他们对宗教的新的解释而震撼人心。当贝尼尼雕刻艺术和卢本斯的绘画以动态和起伏表现出巴洛克新风格的时候,巴洛克的音乐家们则在古代修辞学的启发下,探寻着音乐对激情的表现。
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声乐艺术是以声乐歌唱技法的延伸革变为其主要发展标志的。回望历史,民族声乐技法的历史变迁大约经历了三个阶段,从远古至隋唐,声乐以乐舞、诗歌为主要表现形式,技法上还未揭示歌唱的本质特征,总体上属于启蒙时期;宋元明清,声乐以戏曲、说唱为主要表现形式,技法上追求“气、字、声、腔”的合理操控,在认识程度上处于技术开发期;民国至现代,声乐以歌曲演唱为主要表现形式,技法上借鉴了西方的技术理论,继承了民族声乐的优秀传统,步入了技术飞跃期。
至今,民族声乐已基本形成了自己的技术体系。此前,声乐界对民族声乐技法的局部研究较多。百文网小编用现代声乐技术观念审视民族声乐技法的历史变迁,给民族声乐技术系统的发展、形成以客观、综合的评述,目的是继承、发扬民族声乐的优秀传统,树立民族声乐的科学发展观。
民族声乐技法的发展、提高,经历了一个漫长的过程,回顾这个过程,会给我们许多有益的启示。
首先,中国是声乐技术理论开发较早的国家之一。早在远古时代,我们就产生了朴素的声乐技术理论,在宋代就已形成了比较完整的技术体系。应该说,我国古代的声乐技术水平是处于世界领先地位的,那种认为“中国声乐无历史”、“中国声乐无技术”的观点是完全错误的。
第二,对于一个民族来说,声乐技术的发展状况和这个国家的政治、经济、文化背景有着直接的联系。中国在两千多年的封建社会中,由于以戏曲、说唱为主要演唱形式,所以形成了具有中国特色的以表情达意为主要目的的声乐技术理论。而在近三百年的历史上,由于西方社会制度的先进带来了自然科学的发展,自然科学知识运用于声乐技术开发后,使西方在如何塑造声音美好方面另树起一座高峰。中西声乐文化的基本原则是一致的,对于它们的差异,我们应该从社会政治、经济、文化的领域中进行思考和分析。
第三,异域文化交流是促进声乐技术发展的重要条件。早在明代万历年间,西方的教堂音乐就已传人中国。当时,欧洲正处于文艺复兴时期,世俗音乐已进入了教堂合唱,并且出现了多声部合唱。如果当时能把西方的声乐技法引入国内,必定会对中国的声乐技术发展起到积极的作用。但那时,中国还处于封建社会,中国人并没有完全接受西方的音乐文化,直至20世纪初,才有了正式的中西方声乐文化交流。历史的经验告诉我们,要善于学习其他国家的先进技术和先进理念,只有广取博收,才能丰富完善自己。
第四,应该重视声乐艺术基础理论的研究。声乐艺术是一门综合艺术,包含生理学、声学、心理学、神经学以及文学、美学、表演技艺等多学科的知识。历史已经证明,有了自然科学知识的支持,声乐技术才能有长足的发展。因此,在声乐技术的研究上,要重视边缘学科知识的应用,不断加深对声乐艺术的理性认识,从而开发出更加系统、规范、实用的声乐技术。
第五,民族化的道路是声乐技术的发展方向。每个民族都有自己的审美倾向,中华民族在声乐方面的审美倾向是在数千年的历史积淀中形成的。戏曲艺术的形式脱胎于古代的乐舞,戏曲艺术的演唱源自于古代的诗歌与诗词,现代声乐的风格来自于戏曲与说唱的美学倾向。这种生生不息、代代相传的文化信息铸造了一个民族的审美意识。因此,对民族声乐技术的研究与应用,要走“古为今用,洋为中用”的道路,既要反对只要技术不要风格的“纯技术倾向”,也要反对只要风格不要技术的“无技术倾向”。只有让先进的声乐技术服务于民族风格,才能拥有广大的欣赏者,才能最大效能地发挥声乐艺术的社会功能。
欧洲古典音乐发展迅速,有着悠久的历史,那么你知道欧洲古典音乐的四个历史时期吗?以下是百文网小编分享的欧洲古典音乐的四个时期 ,赶紧快和小编来看看吧。
官能欣赏
最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏,即满足于音乐的直觉感受,也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的震撼力,给人以力量,振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响,你就更爱听,听得轻松听得舒服,时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。
情感欣赏
情感欣赏是进一步的古典音乐欣赏,也就是通过感受音乐的各要素,体验、理解音乐的情感,在欣赏过程中,对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析,节奏常被比喻为音乐的骨架,节奏是音乐中重拍弱拍的周期性,有规律的重复进行,基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解,如慢三、慢四一般表现抒情、优美,圆舞(快三)表活泼,进行曲表现有力量等;旋律也称曲调,高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来,我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走,基本的感觉一定要找到,如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮,下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用,一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐,如果说旋律是横向进行,和声就是纵向进行的,如此以来,音乐就丰满起来,也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握,欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的,我们可以运用这些知识去体验理解,再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。
理智欣赏
欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏,也就是说不仅体验、理解音乐的情感,还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次,我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素,即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。
1840年中国进入半封建半殖民地社会之前的音乐,通称中国古代音乐,它的发展经历了一个漫长的过程。下面就跟随百文网小编的步伐一起来了解一下中国古代音乐发展史的相关内容吧!
一、弦乐器的起源传说
墨丘利(Mercury)是希腊神话中诸神的使神。据说他在尼罗河畔散步时,脚触一物发出美妙的声音,他拾起一看,发现原是一个空龟壳内侧附有一条干枯的筋所发出的声响。墨丘利从此得到启发,而发明了弦乐器。虽说后人考证在墨丘利以前就已经有了弦乐器,但也可能是由此得到了启发。
二、管乐器的起源传说
中国古代历史记述了距今五千年前的黄帝时代,有一位名叫做伶伦的音乐家,他进入西方昆化山内采竹为笛。当时恰有五只凤凰在空中飞鸣,他便合其音而定律。虽然这一故事也不能完全相信,但是,可将其看做是有关管乐器起源的带有神秘色彩的传说。
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古典音乐历史悠久,涌现出了很多的著名人物,下面是百文网小编给大家带来的古典音乐代表人物的相关内容,欢迎阅读!
CLASSICAL MUSIC,中文翻译成“古典音乐”,有人认为“古典”给人的感觉有古董、古板的味道,故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义,in traditional and serious style,而称其为“严肃音乐”。于是,“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子,让人更不敢靠近。但下此定义的人一定没有好好查字典,因为serious的第二条义项是这样给出定义的:(指书、音乐等)启发思考的,不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻,能发人深思,更能使人高尚,免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见,古典音乐是历经岁月考验,久盛不衰,为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派,艺术手法讲求洗练,追求理性地表达情感。
古典音乐是一个含义广泛的术语,广义的西洋古典音乐是指那些从西方中世纪开始至今、并在欧洲主流文化背景下创作的音乐,或者指植根于西方传统礼拜式音乐和世俗音乐,其范围涵盖了约公元9世纪至今的全部时期。主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。在地理上,这些音乐主要创作于欧洲和美洲,这是相对于非西方音乐而言的。另外,西洋古典音乐主要以乐谱记录和传播,和大多数民间音乐口传心授的模式不同。
亦有人认为“古典”是对应于“流行”而言的,因为这些音乐经得起时间的考验,能够引起不同时代听众的共鸣。
但如果细究古典一词,本意可以理解为古代留传下来堪称经典的音乐作品(古代+经典),但是一般来说,古典音乐是具有规则性本质的音乐,具有平衡、明晰的特点,注重形式的美感,被认为具有持久的价值,而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”(classical)与“经典”(classic)的不同。
古典音乐(classical music)本来是专指德奥在1750—1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐,即所谓“维也纳古典乐派”的音乐(或翻译为“维也纳古典主义音乐”)。这就是狭义的古典音乐。
从这个狭义的古典音乐概念出发,我们可以向前追溯到巴赫、亨德尔,乃至更早的宗教音乐(含天主教即罗马公教,东正教,基督新教),向后延伸到浪漫主义、民族乐派,以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐,也就是基于这个传统的,无论是继承和发扬这个传统,还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试,都可以归入古典音乐之内。而在这个传统外独立发展的音乐,虽然有借鉴和影响古典音乐创作的,但是一般也不归入古典音乐之内,比如爵士乐、摇滚乐,以及东方一些民族的音乐。
因此对于广义的“古典音乐”这个词来说,欧洲艺术音乐的定义更加准确。
欧洲艺术音乐与其他的非欧洲音乐和流行音乐体系的主要区别是记谱法有所不同,其规则大约源自于16世纪便开始使用的记谱法。在西方记谱法中,作曲者给演奏者规定了音调、格律、速度,独特的节奏和对于同一段音乐准确的演奏方式。这种即兴演奏发挥空间很小的记谱法模式,极大的不同于非欧洲艺术音乐(相对于传统的日本音乐和印度音乐)和流行音乐。
古典音乐作为音乐中类别的称呼,是相对于轻音乐、通俗音乐等类别而存在,它本身并没有严格明确的解释或者定义。在轻音乐范围里,有时也采用“古典”的概念来指某些经过时间检验,被人们奉为楷模的轻音乐作品,如古典轻歌剧、古典爵士乐等,这里的classical理解为“古代+经典”,似乎更为合适一些。
当人们听到贝多芬、莫扎特、舒伯特等古典音乐家的音乐作品时,它带给人们的不仅仅是优美的旋律,充满意趣的乐思,还有真挚的情感,或宁静、典雅,或震撼、鼓舞,或欢喜、快乐,或悲伤、惆怅。
聊到音乐不就得不提到西方音乐。西方音乐的两千年历史悠远而古雅,今天百文网小编就为大家稍作介绍。
15-吕利时代的法国音乐
以佛兰芒乐派闻名的法国,在巴洛克初期因意大利歌剧的巨大影响而陷入音乐创作的低谷,此状况一直持续到17世纪下半叶。非常有趣的是,使法国人摆脱意大利歌剧束缚的,竟是一位叫吕利(Lully,1632-1687)的意大利人。
吕利摒弃了风行的那不勒斯乐派歌剧形式,不刻意强调咏叹调,而是采用适合法语发音的宣叙风格,并发展了正规的“法国序曲”,开创了法国“矫饰风格”。他最著名的歌剧有《阿尔米德》、《法厄同》、《阿蒂斯》等。
完成于1686年的《阿尔米德》,是吕利最后的歌剧,出自塔索的史诗《被解放的耶路撒冷》,讲述异教女巫师阿尔米德爱上十字军骑士雷纳多,并施魔法使他爱上自己,最后以悲剧告终的故事。歌剧序曲气势巍峨,是典型的法国风格,全剧戏剧性和表现力很强,最著名段落是雷纳多在河边睡去的场景,使用了加弱音器的小提琴,音乐如低语一般,气氛把握极佳。
另一歌剧《法厄同》在音乐方面十分讨人喜爱,故事取材自奥维德的《变形记》。讲述太阳神福玻斯的儿子法厄同,驾着父亲的带翼的太阳车,在天空飞行逐日,最后被烈焰吞噬。吕利还与戏剧家莫里哀是好友,二人合作了八部喜剧芭蕾,最著名的是《贵人迷》。
弗朗索瓦•库泊兰(F.Couperin,1668-1733)作有《器乐音乐会曲——纪念不朽的吕利》和两架羽管键琴的《向吕利致敬》,向这位对法国音乐贡献巨大的意大利人表示敬意。而身为羽管键琴演奏家的弗朗索瓦,也是库泊兰家族中在作曲方面成就最高的,所作器乐组曲《国民》和为管风琴独奏的《管风琴弥撒曲》均为法国巴洛克名作。
当时另一作曲家夏庞蒂埃(Charpentier,1645-1704),一生都生活在吕利的阴影下,直到吕利去世后,才有机会施展自己的才华,但是不幸得很,当他完成著名歌剧《美狄亚》之后不久便离开了人世。现在,他最流行的作品是《感恩赞》。
16-法国巴洛克音乐的繁盛——拉摩
在吕利去世近半个世纪后,法国巴洛克风格——特别是“矫饰风格”,终被一位本民族作曲家发扬光大,此人即伟大的拉摩(Rameau,1683-1764)。
拉摩的音乐,不论歌剧还是羽管键琴作品,都散发着斑斓的色彩,与吕利相比,更加多变、丰满、大气。其歌剧尤为宏伟、豪华、精致,有着起伏跌宕的戏剧性,和活灵活现的表现力,注重歌剧的整体感,及管弦乐的描绘性,特别是对地震、电闪雷鸣和暴风雨的传神描绘,给人以身临其境的震撼。
拉摩是一位大器晚成的大师,50岁时才诞生第一部歌剧《希波吕托斯与阿里奇埃》,截止到完成最后的歌剧《北方人》,其间仅31年,竟写下近30部歌剧。
《殷勤的印地人》是其中一部动听的芭蕾歌剧,含四个有趣的小故事。《慷慨的土耳其人》:讲述一土耳其人将自己抓到的美丽_女奴的情郎交还给了她;《秘鲁的印加人》:讲述印加王国公主法尼,在得知其情郎是个无赖后,仍决定跟随他;《鲜花,波斯的节日》:讲述两对波斯情侣在历经许多误解后重修旧好;《蛮子》:讲述印第安公主奇玛,面对异国的众多追求者无动于衷,对爱人忠心如一。
另一歌剧名作《双子星座卡斯托尔与波琉刻斯》不论剧情还是音乐,都显得凝重而富有诗意。故事出自古希腊神话,讲的是天神朱庇特被卡斯托尔和波琉刻斯的兄弟之情所感动,将他们升到天上成为双子星座的故事。
拉摩的羽管键琴小曲也十分出众,包含各种巴洛克舞曲形式,标题新颖独特,例如:《冷漠》、《鸟语》、《温柔的呻吟》、《索洛涅的傻瓜》、《缪斯的谈话》、《漩涡》、《独眼巨人》、《三只手》、《腼腆》、《冒失》等等。在音乐理论方面,拉摩还作有著名的《和声学》一书。
法国音乐在拉摩之后又出现断代,直到柏辽兹(Berlioz,1803-1869)诞生,才再得以延续。
(注:“拉摩”现通常也译作“拉莫”)
17-约翰•塞巴斯蒂安•巴赫(上)
巴洛克时期最伟大的作曲家是约翰•塞巴斯蒂安•巴赫(Johann Sebastian Bach,1685-1750),他的贡献在于将巴洛克风格发展到极致,对三百年来的复调音乐进行了总结,因而被公认为最伟大的复调音乐大师,甚至被奉为欧洲音乐之父。
巴赫生性倔强,一生风风雨雨,曾先后在慕尔豪森、魏玛、克滕和莱比锡供职,然而每到一地,必会因创作理念和行为处事与当局或雇主之间不合而引发冲突,以至不断陷入重重矛盾之中。
管风琴音乐和康塔塔的创作贯穿巴赫一生的创作,其中尤其是管风琴音乐,可谓前无古人后无来者。最著名的《d小调托卡塔与赋格》,狂放激扬,华丽辉煌,气势非凡,抒发了高贵的情愫;《C大调托卡塔、柔板与赋格》、《c小调帕萨卡利亚》、《d小调“多里亚调式”托卡塔与赋格》、《g小调赋格》等,也皆为杰出之作。
《平均律钢琴曲集》代表了巴赫键盘乐作品的顶峰,被称为钢琴音乐的《旧约全书》和“复调技巧百科全书”,它将十二平均律的理论付诸实践,并奠定了现代的钢琴演奏技术。曲集包含48首“前奏曲与赋格”,在形式特点上变化无穷,极大地拓展了音乐的表现力,其艺术价值极高。巴赫其它著名键盘乐作品还包括《d小调半音阶幻想曲与赋格》、《意大利协奏曲》、《哥德堡变奏曲》、《英国组曲》、《法国组曲》、《帕蒂塔》以及二声部和三声部《创意曲》等。
《独奏小提琴奏鸣曲与组曲》和《独奏大提琴组曲》,是充分显示巴赫精湛的复调作曲技艺的作品。在这两套曲集中,巴赫在一把小提琴或大提琴上做出多声部,这即使不是音乐历史上的唯一,可以肯定也是无人可以超越的。
巴赫的重要器乐作品还有两首小提琴协奏曲、几首羽管键琴协奏曲、一些室内乐作品,以及《勃兰登堡协奏曲》和包含著名的“G弦咏叹调”的《乐队组曲》。
18-约翰•塞巴斯蒂安•巴赫(下)
康塔塔是巴赫为数最多的声乐作品,总共二百多首。巴赫的康塔塔类似于小型清唱剧,往往由宣叙调、咏叹调、二重唱和合唱构成,也有个别的全部是独唱。
其中宗教康塔塔最著名的有《上帝是我们唯一坚固的堡垒》、《我厌倦了》、《醒来吧,一个声音在高喊》、《心与口》等,世俗康塔塔最著名的有《婚礼康塔塔》、《咖啡康塔塔》、《农民康塔塔》等。其中《心与口》含著名合唱《耶稣,人类企望的喜悦》。
《圣诞节清唱剧》和《D大调圣母颂歌》是巴赫两部欢快的声乐作品,前者中的女高音独唱“我的救世主”,有着奇妙回声效果,仿佛是尘世同天堂之间的对话;后者中的著名合唱“荣耀归于圣父、圣子、圣灵”,其壮伟、璀璨、激越,是语言所无法形容的。
“受难乐”是巴赫清唱剧作品的最重要形式,《马太受难乐》和《约翰受难乐》是他此类作品中最杰出的,分别取材自《约翰福音书》和《马太福音书》,表现耶稣受难的故事。《马太受难乐》在感情的表达上异乎寻常地平静和深沉,整体上具有史诗般的气质,被认为是巴赫的巅峰之作。而《约翰受难乐》在感情表达上近乎狂暴,表达了几近疯狂的悲愤之情。
晚年创作的《b小调弥撒曲》,几乎包含了巴赫之前的所有重要声乐和器乐作曲技巧,其规模庞大,显然并不适合弥撒仪式的使用。
《音乐的奉献》和《赋格的艺术》是巴赫最后的伟大创作,对于许多人来说它们过于深奥。《音乐的奉献》是以一个主题所作的一系列乐曲;《赋格的艺术》包含了巴赫最宏伟、最复杂、最精妙的“赋格曲”,但没有最终完成,也没有指定演奏乐器。
巴赫在生前和去世后近80年时间里,主要是以杰出管风琴演奏家闻名的,直到门德尔松在1829年指挥演出了《马太受难乐》,他作为伟大作曲家的地位才开始得到确立。
19-亨德尔时代的英国音乐
在珀塞尔身后,音乐创作在英国本土开始走下坡路,当时比较重要的作曲家有克拉克(Clarke,约1670-1707)和博伊斯(Boyce,1711-1779)等人。然而他们并没有能力超越前人,倒是来自德国的亨德尔(Handel,1685-1759)在英国声誉渐隆,并逐渐成为英国乐坛的霸主。
亨德尔的音乐是“享乐型”的,充满了愉悦的情绪,他最流行的作品是《皇家焰火音乐》和《水上音乐》。不过从对音乐历史的贡献来看,亨德尔最杰出的器乐作品是Op.6的12首大协奏曲,有着极高的艺术价值,堪称当时此类作品的典范,而且有些曲目不乏情感的起伏,例如第12首《b小调大协奏曲》的第2乐章“快板”,感情表达具有爆发性,为巴洛克音乐中所少有。
清唱剧《弥赛亚》以及其中的“哈里路亚”大合唱,是亨德尔的标志性作品,也是令他蜚声世界的杰作。在一生的创作中,亨德尔写下了大量的清唱剧和歌剧,其清唱剧在同类作品中为最佳者。包括以壮丽的双合唱队而闻名的《以色列人在埃及》,具有丰富戏剧性的《约书亚》,抒情性的田园剧《阿喀斯与伽拉忒亚》,以及《参孙》、《犹大•马加比》、《所罗门》等。亨德尔最后一部清唱剧是具有象征意义的《时间与真理的胜利》,他最著名的一部歌剧是根据古罗马历史演绎的《朱利奥•凯撒》。
亨德尔的宗教音乐虽不乏应时之作,但却成就斐然。《乌德勒支感恩赞与欢乐颂》为庆祝荷兰中部的乌德勒支省建立和平而谱写;《德廷根感恩赞与赞美诗》为庆祝英国在法兰克福附近的德廷根打败法国而创作;《钱多斯赞美诗》是亨德尔在钱多斯公爵府任音乐指导时创作的,这三部作品包含了他无可争议的合唱杰作。
在亨德尔之后,又一位异乡人占领了英国乐坛,此人就是来自奥地利的海顿(Haydn,1732-1809)。
20-晚期巴洛克作曲家
大约从1600年开始至1750年J.S.巴赫去世,巴洛克时期经历了150余年,洛可可风格出现时,巴洛克风格依旧与这一新的音乐风格并存。晚期巴洛克作曲家人数众多,让我们主要看一看德国的情况。
尽管以今天的观点,泰勒曼(Telemann,1681-1767)的艺术成就比J.S.巴赫稍逊,但在当时却是独领风骚的大师级人物,他非常多产,作有600首意大利序曲、44部受难乐、40部歌剧、12首全套礼拜音乐等。泰勒曼的音乐风格优雅而华丽,或许未必很深刻,但却令人愉悦,独具风采。所作7个乐章的《a小调组曲》使用一种被称为“柔美笛”的次中音竖笛来演奏,全曲情感丰富,变化多端。为乐队的10乐章组曲《汉堡的潮汐》,是一部难得的天才之作,包含了庞大的序曲和9首舞曲,每一乐章被刻意安排了古代神话中的人物和故事,而序曲所给人的开阔感觉令人惊讶,很难想象那时的音乐能有如此的气魄。
另两位德国作曲家,海尼兴(Heinichen,1683 -1729),以一套《德累斯顿大协奏曲》闻名,协奏曲的乐器组使用了圆号、横笛、双簧管等管乐器。匡茨(Quantz,1697-1773)作有大量长笛作品,是一位重要的长笛演奏家,他对长笛进行了改进,著有长笛演奏法一书。
法国作曲家(大)勒克莱尔(Leclair,1697-1764)的音乐秉承了法兰西民族所特有的矫饰风格,有着优雅的气质。意大利作曲家杰米尼亚尼(Geminiani,1687-1762)和维拉契尼(Veracini,1690-1768)都是著名小提琴家,其中杰米尼亚尼是科雷利的弟子,所著《小提琴的艺术》是最早关于小提琴演奏技法的著作,重要作品有18首大协奏曲和24首小提琴奏鸣曲。
波希米亚地区在巴洛克时期也出现了自己的作曲家,稍早的比贝尔(Biber,1644-1704),他的《玄秘奏鸣曲》(或译《玫瑰经》)十分著名,而稍后的泽林卡(Zelenka,1679-1745),则更具波里米亚民族特色,他最著名的作品是一些乐队序曲、随想曲以及三重奏鸣曲。
21-洛可可风格——巴洛克向古典风格的过渡
不论巴洛克还是洛可可,其概念都源自于建筑学。“巴洛克”源于葡萄牙语“baroco”,后演变为法语“baroque”,意为一颗不规则的、鳞茎状的珍珠,是在对一位罗马建筑师进行评论时首次被提出的。“洛可可”(Rccoco)源于法文“rocaille”,意思是贝壳制品,原指一种法国建筑装饰艺术风格。
洛可可风格的音乐摒弃了晚期巴洛克音乐繁复的形式、复杂的复调织体和宏伟壮观的风格,倾向于小巧精致、自然简朴、轻松愉悦。
意大利人多美尼科•斯卡拉蒂(D. Scarlatti,1685-1757)是洛可可风格最负盛名的作曲家之一,他为羽管键琴创作的550多首意大利式的奏鸣曲,被看作是古典奏鸣曲的前身。这些奏鸣曲均为单乐章,由两部分构成,被称为“二部曲式”。它们短小精炼,情趣各异,五彩缤纷,既具有装饰性,又富于情感,充分显示了曲作者的丰富想象力。
J.S.巴赫的长子W.F.巴赫(1710-1784)和三子C.P.E.巴赫(1714-1788)等人在巴洛克时期出现的“华丽风格”中注入新的表现内容,更为极端地强调真实与自然的情感,追求内在的、多感的和主观的表达,这一被称作“充满忧郁泪花”的“感伤风格”的新风格,与文学领域中的“狂飙运动”有着直接的联系。
C.P.E.巴赫还是确立古典奏鸣曲形式的重要作曲家之一,他在多美尼科•斯卡拉蒂的意大利式的单乐章奏鸣曲后面成功地加上了一个慢乐章,和一个快速的末乐章,而这也正是古典奏鸣曲的模式。
其时,交响曲也开始出现,不过当时是三乐章的意大利式交响曲。J.S.巴赫的小儿子J.C.巴赫(1735-1782)是这一形式交响曲的重要作曲家,对莫扎特曾产生了很大的影响。作品6号的第6首《g小调交响曲》,是其最有表现力的一部交响曲。
22-歌剧艺术的革新者格鲁克
在18世纪下半叶,德国作曲家格鲁克(Gluck,1714-1787)是一个特别值得关注的人物,他虽然一生中大部分时间都生活在洛可可时期,但他的音乐已经超出了洛可可式的短小结构,他的戏剧在刻画人物方面也远远超越了早期古典时期的局限。
格鲁克是一位歌剧艺术的革新者,其创作思想在歌剧发展史上有着重要地位,对后世的瓦格纳歌剧尤其有着突出的影响,他的《阿尔刻提斯》甚至被认为是瓦格纳“乐剧”的先兆。这两位作曲家在创作思想上的不谋而合之处,主要体现在他们都注重器乐在歌剧中的作用,并不偏重于人声,将器乐和声乐处于平等的地位。
基于这样的创作思想,格鲁克极力反对当时意大利歌剧卖弄美声技巧的风气,认为歌剧应该符合戏剧表现原则,同时要表现真实的情感和时代的精神。他在创作于1762年的《奥菲欧与尤丽狄茜》中,第一次实践了自己的创作思想,这部歌剧有着质朴而崇高的旋律和生动的戏剧性,格鲁克采用了与佩里和蒙特威尔第相同的题材,但却谱写出不同风格的音乐,其中最著名的唱段是奥菲欧的不朽哀歌《我失去了尤丽狄茜》。
格鲁克一生共创作了20余部歌剧,最著名的还有取材自《荷马史诗》的、以伊菲格涅亚为主角的两部歌剧《伊菲格涅亚在奥利德》和《伊菲格涅亚在陶利德》,富于异域风情的《中国女人》,改编自塔索的史诗《被解放的耶路撒冷》的《阿尔米德》等。前面提到的《阿尔刻提斯》,剧情出自古希腊神话,讲述古埃及王阿德墨托斯的妻子阿尔刻提斯,甘愿牺牲自己的生命,来挽救垂死的丈夫的故事。
从题材来看,格鲁克的歌剧与神话故事有着不解之缘,他之后的德国歌剧也保持了这一传统,不论韦伯的《自由射手》,还是瓦格纳的《尼伯龙根的指环》,都散发着浓厚的神话色彩,前者具有民间传说的特点,后者则衍生自北欧神话。
23-曼海姆乐派与交响曲形式的确立
古典风格早期是与洛可可风格同步发展的,在德国,柏林乐派是最早的古典乐派,风格上还具有很强的洛可可风格,这一乐派的代表人物是匡茨和C.P.E.巴赫等。
曼海姆乐派是早期古典时期最重要的音乐流派,由当时聚集在德国曼海姆(Mannheim)地区的艺术家们构成,他们成立了最早的交响乐团“曼海姆管弦乐队”,并在J.W.斯塔米茨(J.W.Stamitz,1717-1757)指导下,成为技术高超、素质优良、闻名全欧的交响乐团。J.W.斯塔米茨还使用渐强的方法,加强并丰富了音乐的表现力,因此“曼海姆管弦乐队”从客观上为交响曲的进一步发展奠定了不可或缺的基础。
曼海姆乐派对于交响曲形式的最后确立也起到了决定性作用,J.W.斯塔米茨和他的弟子将意大利式交响曲的第二和第三乐章之间增加了一个小步舞曲乐章,将交响曲规范为四个乐章,并发展了奏鸣曲式的原则,最终确定了古典交响曲的形式。
作为曼海姆乐派最重要作曲家之一的J.W.斯塔米茨,同时也是一位著名的小提琴家,主要作品包括50部交响曲和12首小提琴协奏曲等,其音乐风格在总体上体现出一种和谐之美,并已经明显脱离了洛可可风格,是较纯粹的古典风格。曼海姆乐派其他重要成员还包括:F.X.里希特(Richter,1709-1789)、卡纳比希(Cannabich,1731-1798)、J.A.斯塔米茨(1754-约1809)和K.斯塔米茨(1745-1801)等。
到曼海姆乐派为止,音乐的古典主义风格已经得到确立,一个新的时代到来了。1757年,海顿完成了他的《D大调第一交响曲》,1764年,年仅8岁的莫扎特写下了他的《降E大调第一交响曲》,也许在今天的人看来,这两部作品不能算是成熟之作,但它们却代表了新时代的起点。
24-古典主义大师海顿(上)
尽管交响曲和弦乐四重奏在海顿(Haydn,1732-1809)之前就已出现,但他在今天仍被冠之以“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”,因为这两种形式到了海顿的手中,才逐渐从带有洛可可味道的早期古典风格发展为成熟的古典风格。
海顿可以说是最纯粹的古典主义大师了,他的音乐洋溢着对生命的热爱,充满了纯净而高贵的情愫,呈现出富于幽默感的睿智,而且海顿的作曲技艺无可挑剔,他将古典主义所强调的和谐的形式发展到了完美之境。
在创作上,海顿并不固守一定之规,总是不断尝试管弦乐队的各种新颖的运用方式,比如在《第82交响曲“熊”》中对笨熊缓慢步态的模仿,在《第83号交响曲“母鸡”》中对母鸡咯咯叫声的表现,在《第94交响曲“惊愕”》中那个著名的能把人从瞌睡中惊醒的力度爆发,都是富于实验精神的创作。
《升f小调第45交响曲“告别”》是海顿最有意思的作品之一,标题源于以作为末乐章的柔板。据说海顿的雇主尼古劳斯亲王非常迷恋埃斯特黑扎城堡的宏伟宫殿和美丽花园,总是带着自己的乐师们去那里常住不归,令大家无法忍受,于是有一次海顿便创作了这首交响曲,在为亲王演出时,乐师们在最后的乐章一个接一个演完自己的声部,然后吹熄蜡烛离去,后来亲王似乎感觉到某种暗示,便带着他们返回了维也纳。
海顿一生创作了一百多首交响曲,和八十多首弦乐四重奏。他的弦乐四重奏是古典室内乐中最重要的部分之一,尤其是《皇帝四重奏》、《五度四重奏》、《云雀四重奏》和篇幅浩大的《临终七言》等,堪称珍贵之作。
其中《皇帝四重奏》第二乐章“如歌的柔板”即著名的《上帝保佑弗朗克皇帝》,曾经被奥地利和德国不约而同用作了自己的国歌,它的旋律深情而高贵,抒发了流淌自心底的广博之爱,是古典室内乐最令人感动的乐章之一。
25-古典主义大师海顿(下)
海顿的器乐作品,除交响曲和弦乐四重奏,还有钢琴奏鸣曲、钢琴三重奏、小号协奏曲和大提琴协奏曲等;而在声乐领域,他也同样成就辉煌,作有清唱剧《创世纪》和《四季》、大量的歌剧、十几部弥撒曲等作品。
伟大的《创世纪》深受亨德尔《弥赛亚》的启发,当年海顿在英国观看此剧时,《哈利路亚》合唱令他感动万分,因此决定创作一部自己的清唱剧,即《创世纪》。这部清唱剧脚本以弥尔顿《失乐园》为基础,并结合《圣经》“创世纪”,突出表达了更加世俗化和人性化的情感。
弥尔顿的原作主要讲的是天使拉斐尔应亚当的请求,向他叙述上帝创世的过程,并包含关于人类之美和爱情之美的内容。海顿的清唱剧以此为基础,通过对大自然——诸如对电闪雷鸣、流水潺潺、风雪雨夜、飞禽走兽的具体描写,使上帝创世的神话变得具象化,并加强了对生活之美的肯定,把爱情描写成自然和生命的最崇高者,以此作为对创世者的颂扬。
另一杰出的清唱剧《四季》,是有史以来第一部非宗教题材的世俗清唱剧,它是一幅风俗画,也是一首田园诗,它宛如《创世纪》的续篇,描写一些普通人在一年四季中的快乐生活,或许他们都是“亚当”和“夏娃”的后代,虽然失去了上帝赐予的“伊甸园”,然而在生活中却找到了真正属于自己的“乐园”。
海顿的弥撒曲是古典主义声乐的经典,充满了和谐与美妙的旋律,最著名的有《管风琴大弥撒曲》、《战争弥撒曲》、《纳尔逊弥撒曲》和《管乐队弥撒曲》。他的歌剧在今天演出的机会虽不是很多,但也不乏优秀之作,比如《哲学家的灵魂》一剧,洋溢着乐观的古典主义精神。
海顿的音乐洋溢着对生命的热爱,充满了纯净而高贵的情愫,呈现出富于幽默感的睿智,他的音乐告诉我们:快乐来自于生命,来自于心灵,来自于爱。
26-衔接古典与浪漫的莫扎特(上)
称莫扎特(Mozart,1756-1791)为“音乐神童”,并非仅仅因为他岁数很小就开始创作音乐,还由于他最早的那些作品已经相当成熟。他6岁时创作了第一小提琴奏鸣曲,8岁谱写了第一部交响曲,11岁写了第一首钢琴协奏曲,12岁又完成了一部可爱的歌剧《巴斯蒂安与巴斯蒂安娜》。
莫扎特与以往作曲家不同,他不愿受宫廷或贵族庇护的束缚,他的音乐也变得更加自由,但这也使他的生活总是不断陷入贫困的境地。他一生的创作遍及各种音乐形式,并都取得非凡的成就。
27首钢琴协奏曲在莫扎特音乐中有着极高的地位,这些作品继承了巴洛克的优雅之美,同时又增加了个性鲜明的情感力量,二者的结合使得音乐异常动人。譬如著名的第21号协奏曲,将庄严、浪漫、活泼融合在三个乐章当中;第26号“加冕”将一首浪漫曲与快乐和华丽的首尾乐章联系在一起。晶莹剔透的琴声,与优美的弦乐,共同构造了莫扎特最动人心扉的乐音。
除了钢琴,莫扎特还为小提琴、长笛、圆号等多种乐器创作了协奏曲,这里仅举两例:《长笛与竖琴协奏曲》,其音乐恬静而明亮,具有田园牧歌风格,可谓仙乐飘飘;《单簧管协奏曲》,一部有着单纯之美的作品,展示了单簧管天鹅绒般的音色,其中的柔板包含了世所罕见的绝美旋律。
在室内乐方面,所作六首《海顿四重奏》,是对“海顿爸爸”表示敬意的纯粹古典式的弦乐四重奏;珍贵的《单簧管五重奏》,是用单簧管深沉而柔美的音色所编制出的一个美丽的梦幻。在《e小调小提琴奏鸣曲》中,莫扎特表达了失去母亲的悲痛,音乐是阴郁和幽暗的,宛如心灵的哭泣。
莫扎特在器乐方面的创作极其广泛,他的交响曲也具有很高地位,其中最后一首就是以古罗马神话中诸神之王命名的《“朱庇特”交响曲》;所作“弦乐小夜曲”和“嬉游曲”等管弦乐作品,颇受现代人的喜爱;所作大量的钢琴奏鸣曲,将这一形式与贝多芬衔接在一起。
27-衔接古典与浪漫的莫扎特(下)
在莫扎特的一生中,爱情经历对他的创作也产生了很大影响。22岁时,他爱上了15岁的美丽女孩阿劳希娅•韦伯,并计划为她创作一部歌剧,这令他的父亲利奥波德大为光火;后来,他又不顾父亲反对,与韦伯家另一女儿康斯坦采•韦伯结了婚。
对于莫扎特来说,歌剧是最能展示其个性的一种形式,他一生创作了20多部歌剧,《费加罗结婚》、《唐璜》、《女人心》、《魔笛》以及《伊多梅纽》和《后宫诱逃》代表了最高成就。其中《费加罗结婚》是古典时期意大利喜歌剧的典范——后来罗西尼的《塞维利亚的理发师》的剧情发生在此剧之前;《唐璜》开创了悲喜剧风格,内容上完全超越了当时的道德准则,人物刻画充满矛盾和多面性;《魔笛》被称为第一部德国浪漫主义歌剧,然而在体裁上的多样化使得它几乎无法分类。
莫扎特的艺术歌曲常常被忽视,其实它们当中包含了舒伯特之前最出色的一些艺术歌曲,例如《秘密爱情》、《鸟儿,如果整整一年》、《来吧,亲爱的齐特尔琴》、《紫罗兰》、《自由之歌》、《离别之歌》。他在生命最后一年创作的《渴望春天》充满童趣,是真情流露的佳作,主题旋律与这之前创作的《第27钢琴协奏曲》的晴朗闪亮的末乐章十分相似。
在宗教音乐方面,莫扎特创作了不少弥撒曲和康塔塔等形式的作品,其中未完成的《C小调弥撒曲》属于优美迷人的极品之作,最后的《安魂曲》完全超越了宗教,将宗教形式转变为他表达个人情感的一种方式。有记载说,莫扎特去世的前一天,曾在床上与几位朋友试唱《安魂曲》中的“那时哭泣的一天”,几小节过后,他力不能胜,不禁潸然泪下。
通观莫扎特的音乐,非一两句话可以概括,或许用“点石成金”四个字可以形容他超人的创作能力。而他音乐中的浪漫主义倾向,又使他不仅仅是海顿的继承者,同时还是贝多芬的先声。
28-浪漫主义的开拓者贝多芬(上)
贝多芬(Beethoven,1770-1827)这个名字,恐怕人们熟悉得不能再熟悉了,但你知道他为何在音乐史上享有至高无上的地位吗?因为他开创了一个时代——浪漫主义。尽管在他之前,莫扎特某些作品已具备浪漫主义特征,而真正将音乐引向新时代的,就是贝多芬。
在写下深受海顿和莫扎特风格影响的前两首交响曲及小提琴奏鸣曲《春天》后,贝多芬开始创作出挥洒个人情感的作品,其中最具划时代意义的即《第3交响曲“英雄”》,它完全冲破了古典主义束缚,将法国大革命的影响融入其中,是献给自由精神的颂歌。后来因拿破仑的称帝而使贝多芬心灵备受打击,他便在一怒之下划掉了扉页上给拿破仑的题献。
耳疾的痛苦叩响贝多芬生命的大门,是在《第2交响曲》创作之前,正值他充满青春活力之时,钢琴奏鸣曲《悲怆》记录下了他那无以言表的痛苦。对爱情的追求在贝多芬一生中同样重要,被他自己称为“幻想奏鸣曲”的《月光》,是献给所爱慕的朱丽叶塔•朱奇阿蒂的;传说中的“永恒的情人”,据推测可能是钢琴家多诺提娅•冯•厄特曼,她是贝多芬钢琴作品最有力的诠释者。
《第4交响曲》更是贝多芬身陷热恋的产物,一部记录爱情感受的杰作。当时贝多芬与来自匈牙利的显赫的布鲁斯维克家族的女孩特丽莎相爱,并订立了婚约。《升F大调钢琴奏鸣曲》是献给特丽莎的,而特丽莎则在送给他的一幅自己的肖像上刻下了“献给旷世天才、伟大的艺术家和善良的人,T.B.赠”。
歌剧《费岱里奥》也体现了贝多芬对完美女性的追求,剧中的莱昂诺拉是一位充满高贵情操和人性完美的女性,她将丈夫从断头台上拯救了出来,使之重获自由。与命运决斗的《第5交响曲“命运”》,和生机勃勃的《第6交响曲“田园”》,是另两部旷世之作,前者告诉人们,战胜命运是为了抵达生命的完美,而后者则告诉人们,大自然是包容一切的最完美的实体。
29-浪漫主义的开拓者贝多芬(下)
贝多芬在1802年写下的“海利根斯塔特遗书”,是耳聋日益加剧与爱情打击的双重结果,不过幸好后来他改变了自杀的主意。面对命运,贝多芬说:“我永不会卑躬屈膝。——我的世界即宇宙”。这样的悲壮有如偷盗天火的普罗米修斯,有如逐日的法厄同。
在写下那个著名遗嘱之后,贝多芬忍受着双重痛苦创作了大量作品,包括《热情》、《华尔斯坦》和《告别》等奏鸣曲,第7至第15弦乐四重奏,第3至5钢琴协奏曲,《D大调小提琴协奏曲》,第7至第9交响曲,和《庄严弥撒》等。
《第5钢琴协奏曲“皇帝”》的伟大与高贵恰如其名,唯一的小提琴协奏曲被看作同类体裁中最杰出者,《庄严弥撒》则被贝多芬看作是自己最完美的作品,《第9交响曲“合唱”》将席勒的《欢乐颂》以重唱与合唱的方式引入其中,开创了交响曲的新纪元。
贝多芬对弦乐四重奏的重要贡献同样不能忽视,尤其那些晚期四重奏,情感之丰富,结构之多变,是前所未有的。如《第13四重奏》,多达6个乐章,情感的起伏变化极大,从冥想到激昂,从婉转到坚定。关于令人心碎的第5乐章“卡伐蒂那”,贝多芬曾这样说过:“在我笔下从来没有一首旋律在我身上产生过如此的效果,并使我自己深为感动。”
《第15四重奏》被看作贝多芬的音乐遗嘱,其末乐章有这样的标题:“有份量的决心”。据说一个叫德门伯斯彻的人订购了一首四重奏却久未付款,贝多芬便前去催讨,那人问道:“非如此不可吗?”作曲家高傲地答道:“非如此不可!是的、是的、是的、是的!掏出你的钱夹来!”后来他把这些话及其音调记了下来,用作了最后的四重奏末乐章的基本动机。这个末乐章包含了一个坚定的旋律,和随之引出的一个飘逸洒脱的恬美旋律,二者多次交替出现,最终达到异乎寻常的超脱与安详,于宁静中孕育出欢乐。
——这就是贝多芬,一个浪漫主义者的伟大创作。
聊到音乐不就得不提到西方音乐。西方音乐的两千年历史悠远而古雅,今天百文网小编就为大家稍作介绍。
1-古希腊和古罗马时代的音乐
如果提出这样一个问题:“你听过的最古老的音乐是什么?”恐怕不少人的答案十有八九会是维瓦尔第(1678-1741)的《四季》。其实从维瓦尔第诞生时算起到今天,音乐历史不过三百多年,而在他之前的有完整乐谱流传至今的音乐历史已经超过了一千五百年。从本期开始,本栏目将引领大家从最古老的音乐开始,做一次有趣的历史漫游。
可以说有了人类就有了音乐,但是保留至今的最早的音乐来自古希腊和古罗马。据记载,欧里庇德斯(Euripide,约公元前485-前406年)的戏剧就含有许多音乐段落,且他以善于谱曲而闻名,其戏剧音乐许多很可能是他自己所作,例如《俄瑞斯忒斯》中的合唱曲。只是那一时代的乐谱多记于纸莎草上,流传至今已成残片。
通过文献我们可了解到,那时的音乐在礼拜仪式和重大场合上表演——不论奥林匹克运动会上,还是酒神节上,都拥有重要地位,并构成古希腊人生活整体的一部分。现在流传下来的古希腊和古罗马时代的音乐残片主要有:古希腊抒情诗人平达(Pindare,公元前522-前446)的《比尤蒂颂》、《欧里庇德斯纸莎草写本》、《奥斯罗纸莎草写本》等,其中最著名的是公元一世纪前后塞基洛斯(de Seikilos)所作的、被刻在墓碑上的歌曲《塞基洛斯墓志铭》,它是为数稀少的最完整的作品之一。
指挥家帕尼瓜(Paniagua)曾与马德里古乐团制作过一张古代希腊和古罗马音乐唱片,为了演奏这些音乐,他们研究了数不胜数的纸莎草碎片,运用丰富的想象,将这些碎片衔接起来,并制作了古希腊的乐器——里拉琴、阿夫洛斯管、齐萨拉琴,甚至一台水利风琴,这些乐器都曾在古希腊和古罗马时代的花瓶、浮雕和绘画中被大量描绘。
在今天听来,古希腊和古罗马时代的音乐大都与民间音乐类似,但给人的感觉却异常神秘,甚至具有一种诡异的色彩,这或许源于它所蕴含的远古的氛围;不过熟悉现代音乐的人又会觉得,它与当代最前卫的音乐很相像,似乎又在将人们引向不可预知的未来。这就是这些古老音乐的魅力,也是我们音乐历史之旅的开篇。
2-中世纪早期的宗教音乐
395年,罗马帝国分裂为东西罗马帝国;476年,西罗马帝国灭亡,这是欧洲进入中世纪的重要标志。
由于东罗马帝国还没有强有力的中央集权,因此便发展出自己独特的教会礼仪,宗教音乐风格也不同于西部欧洲。东罗马帝国最有特色的音乐是赞美诗,即拜占廷圣咏,康塔基昂(Kontakion)是其重要的形式之一。赞美诗的音乐诗意盎然,东方特色浓郁,具有强烈伊斯兰风格,内容出自《圣经》,使用希腊语或阿拉伯语演唱。康塔基昂著名的作曲者是6世 纪前半君士坦丁堡的圣罗曼努斯。
在西罗马帝国灭亡之前和之初,西部欧洲各地的教会还未得到统一,于是各地产生了风格各异的圣咏。按地域划分有:米兰的米兰圣咏(安布罗斯圣咏)、罗马的古罗马圣咏、意大利南部的贝内文托圣咏、法国的高卢圣咏和西班牙的莫扎拉布圣咏等,其中除高卢圣咏已失传,其余大都流传了下来。这些圣咏的形式和风格与拜占廷圣咏有着一定联系,但却显得比较刻板。
590年,罗马教皇格里高利一世(Gregorian I,约540-604)加冕,从此教皇权在欧洲确立。这位教皇在位期间统一各地宗教音乐,共收集圣咏三千余首,即“格里高利圣咏”。圣咏采用中世纪教堂调式,是一种单声部无伴奏合唱,没有和声与对位,全部由男声演唱。圣咏给人们带来的是没有肉体的纯精神的世界,在那里自我是不存在的,唯有圣灵在闪光,这一特点体现了当时____会对人们思想的钳制。聆听这些圣咏,有如置身于古罗马帝国晚期的城堡之中,让人仿佛见到那神秘而阴森的堡垒,厚厚的墙壁,小小的窗户,和恐惧的心灵……
直到哥特时代,格里高利圣咏始终都是中世纪音乐的主要形式,被用于宗教礼仪。这些圣咏采用的记谱法是公元七世纪的“纽姆谱”,一种四条线的古老乐谱,更为精确的记谱法产生于公元十世纪。
3-中世纪的世俗音乐
进入中世纪后,____会一直试图用教义控制人们的思想,但这并不能扼杀人类的天性,于是,在格里高利圣咏之外,便出现了与之相对立的吟唱诗人和世俗歌曲。
吟唱诗人是中世纪活跃于法国南部普罗旺斯地区的诗人和作曲者,约12世纪中期得到广泛发展。流传至今的吟唱诗人歌曲总共4730余首,多以爱情和纵欲为题材,也有关于政治、道德及宗教的。吟唱诗人歌曲听来很像民间歌曲,有着悠长的旋律,或清唱、或有简单乐器伴奏。最著名的吟唱诗人有文塔多恩(Ventadorn,约1125-1195)、马卡勃鲁(Marcabru)、迪亚伯爵夫人(Beatriz de Dia)等。文塔多恩的《我看见云雀扑打着翅膀》是吟唱诗人最出色的歌曲之一。
吟唱诗人所崇尚的人性与宗教所宣扬的神性是相背离的,其自由的个性也是与教会的专制反其道而行之的,当时的世俗歌曲也是如此。“卡尔米纳•布拉那(Carmina Burana)”是12和13世纪之间世俗歌曲集,一部拉丁文、古德语和古法语的诗篇手抄本,总共两百多首作品,包括表现放纵情欲的爱情歌曲、表现暴食狂饮和赌博的谐谑歌曲、关于道德和讽刺现实的歌曲、流浪学者的韵律诗和宗教剧等,通常有简单的乐器伴奏。
中世纪另一种世俗气息浓厚的音乐形式是神秘剧,其特点是将中世纪各种音乐形式——世俗歌曲和舞曲、吟唱诗人作品、教堂圣咏等集中于一体。最著名的神秘剧《但以理神秘剧》,出自《圣经》的《但以理书》,讲述但以理指责迦勒底的伯沙撒王狂傲和崇拜偶像,被投入狮坑后因上帝佑护而毫发无伤的故事。德国12世纪著名修女希德嘉•冯•宾艮(Hildegard von Bingen,1098-1179)所作神秘剧《美德神秘剧》,包含各种抽象的角色:美德、兽性、灵魂等。
随着世俗音乐的繁荣,欧洲进入了中世纪的鼎盛时期——哥特时代,复调音乐开始登上了历史的舞台。
4-哥特时代的法国古艺术和新艺术
1163年,哥特式教堂巴黎圣母院开始兴建,历史上最早的流派——巴黎圣母院乐派随之形成。此乐派开创了早期复调形式孔杜克图斯(Conductus),并将更早的复调形式奥尔加农(Organum)的结构加以完善。两种复调形式很简单,前者以世俗歌曲或者作曲家自创旋律为基础,加一个声部,后者以格里高利圣咏为基础,加一到三个声部。
圣母院乐派最重要人物是莱昂南(Leonin,约1159-约1201)和佩罗坦(Perotin,约1160-1240),所作奥尔加农和孔杜克图斯带有中世纪所特有的世俗味道,有些以钟铃或固定式管风琴做简单伴奏。14世纪初的音乐著述家通常将包括圣母院乐派在内的13世纪复调风格称为“古艺术”,以此来与新时代复调风格相区别。
马肖(Machaut,约1300-1377)是“新艺术”的代表人物,他生活在封建体制开始解体的变革时代,新的艺术观和美学概念对他产生了深刻影响,造就了其简朴而直率的风格。马肖是历史上第一位写出完整常规弥撒曲的作曲家,所作《“圣母”弥撒曲》以四声部写成,完整地包括了相互关联的慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经和羔羊经几个部分,音乐古朴迷人,闪烁光辉。马肖去世后,“新艺术”宣告结束。
15世纪初,伯艮第(Bourgone)宫廷中的音乐家们形成了著名的伯艮第乐派,并开始尝试抛开复杂对位技巧,采用明确的旋律和鲜明的节奏,倾力于世俗音乐,为文艺复兴时代的佛兰芒乐派奠定了基础。班舒瓦(Binchois,约1400-1460)是这一乐派的重要成员,他创作了许多世俗尚松(Chanson),曲调优美,词句巧妙,往往以竖笛和琉特琴伴奏。
与之同时代的迪费(Dufay,约1400-1474)成为佛兰芒乐派的先驱者,他是一位抒情大师,发展了一种美妙柔和的音乐语言。《“面色苍白”弥撒曲》是他最杰出的作品,采用叙事歌《如果我的面色是苍白的》作为弥撒曲的基础,其音乐洋溢着生机,丰满而富于变化,充满人性的光辉。通过这一作品,迪费完成了音乐风格从哥特到文艺复兴的转变。
5-哥特时代英国音乐风格的确立和发展
谁也不曾料想到,一首欢快而谐谑的世俗歌曲确立了英国音乐的风格。——《夏天到来了》,大约创作于1240年的六声部轮唱歌曲,其手稿发现于雷丁修道院,所以又称《雷丁轮唱曲》。这首只有两分钟左右的歌曲具有重要历史意义,不仅由于它是历史上第一部具有典型英国风格的作品,还在于它作为合唱曲被认为是现存最早的六声部卡农作品。
一直到14世纪六七十年代,英国音乐始终是无名氏作曲家的天下,直到14世纪下半叶出现了哥特时代英国最重要的宗教曲集《古厅手稿》,才结束了这一局面。这一手抄本收藏于奥尔德霍尔的圣埃德蒙学院,故又称《奥尔德霍尔藏稿》,其中收录了约从1370年至1420年间的英国宗教音乐,包括鲍尔(Power,?-1445)和邓斯塔布尔(Dunstable,约1385-1453)的作品。鲍尔是历史留名的第一位重要的英国作曲家,其重要贡献在于尝试在弥撒曲的五个乐章之间建立某种关系,并注重和声声部的谱写,使之与主旋律声部分量相当。
邓斯塔布尔是文艺复兴之前最伟大的英国作曲家,其音乐已完全具备了独特的英国风格。在当时,邓斯塔布尔通过伯艮第的公爵将英国风格注入到欧洲音乐之中,以至于他在法国伯艮第宫廷中也受到很高评价。邓斯塔布尔流传至今的作品约70部,主要是经文歌、弥撒曲和少量世俗歌曲等,其经文歌的艺术水准极高,被看作是此类作品中的最伟大者,其中最负盛誉的是一首把赞美诗《来吧生命的创造者》与继叙咏《来吧圣灵》相结合的四声部经文歌,这部作品古朴而洋溢着活力,旋律感人肺腑。
邓斯塔布尔所开创的英国音乐风格,拥有甜美的质感和迷人的抒情性,这一风格一直延续到文艺复兴时代的塔弗纳(Taverner,约1495-1545)和巴洛克时代的珀塞尔(Purcell,1659-1695)。
6-文艺复兴时代的法国佛兰芒乐派
进入文艺复兴时代,欧洲音乐得到空前发展。15世纪20年代中期,法国北部、比利时和荷兰南部,出现了那一时代最重要的音乐流派——佛兰芒乐派。这一乐派后来以法国为中心,遍及整个欧洲,持续一百五十多年之久。
佛兰芒乐派经历了三代作曲家,每一代在音乐风格上都不尽相同。第一代的贡献在于将哥特时代的复调发展到顶峰,奥克冈(Ockeghem,约1410-约1497)是其中最杰出的一位,被称为真正的佛兰芒人。他的《Mi-Mi弥撒曲》和《安魂曲》等作品,比哥特晚期风格在织体上要更丰满厚实,在声音上要更丰富而均匀。
随着人文主义思想的深入,第二代佛兰芒作曲家的音乐变得更加人性化,这一时期的若斯坎•德普雷(Josquin Despres,约1440-1521),被看作音乐史上第一位个性完满的作曲家。他曾从师奥克冈,音乐风格明晰和谐,旋律恬静优美,名作包括《“唱吧,我的舌”弥撒曲》、《“武士歌”弥撒曲》、为他的老师而作的《献给奥克冈的挽歌》。
在文艺复兴鼎盛时期,拉絮斯(Lassuso,1532-1594)成为第三代佛兰芒作曲家中最有个性的一位,他融合当时法、意、德等各地音乐风格,将激情与柔情,辉煌的色彩与优美的恬静,神秘感与幽默感糅合于一体。《“圣坛钟声”弥撒曲》最能代表其风格,堪称最迷人的佛兰芒弥撒曲,而所作《七首忏悔诗篇》及《耶利米哀歌》也皆为精品之作。
除宗教作品,拉絮斯还创作了大量世俗音乐,其中包括著名的牧歌《可爱的女士玛托娜》,它实际上是一首意大利牧歌,歌中辛辣讽刺了16世纪占领意大利领土的德国士兵。而法国牧歌现在通常翻译作“尚松”,最著名的一首是雅内坎(Jannequin,约1475-1560)创作的《鸟之歌》,歌中要求歌者以嗓音模仿多种鸟鸣,活泼俏皮,妙趣横生。
7-英国音乐的黄金时代
在文艺复兴时期,英国音乐也迎来最辉煌的时代。15和16世纪之交,一部重要的音乐作品集——《伊顿合唱曲集》出现,它是当年供伊顿教堂各种仪式使用的,其中科尼什(Cornyshe,约1465-1523)的作品最为重要。这位跨哥特和文艺复兴两个时代的作曲家,创作了飘逸迷人的音乐,他的《圣母悼歌》和《圣母颂》等经文歌,体现了英式的甜美风格。
到16世纪上半叶,英国最杰出的复调大师塔弗纳(Taverner,约1495-1545)登上历史舞台。他共作有8首优美的弥撒曲,多以16世纪早期丰满华丽的英国风格写成,最著名的《圣三位一体弥撒曲》,绝美而精致,所营造的共鸣效果异常丰润,极高的女高音声部直抵天籁,达到感天动地的效果。他所作《西风颂弥撒曲》,还将世俗歌曲引入宗教音乐。
16世纪中期,泰利斯(Tallis,约1505-1585)进一步发展了英国风格。他是一位个人特质和品位相当突出的作曲家,以对位富有新意和技巧精湛灵活而闻名。他的经文歌《寄希望于他人》竟然使用了40个声部,是一部结构复杂的宏伟之作。而所作12首《英国赞美诗》,直到20世纪仍被沃恩•威廉斯的《泰利斯主题幻想曲》所引用。
进入文艺复兴全盛期,泰利斯的弟子伯德(Byrd,1543-1623)又创作了三部杰出的弥撒曲,分别以三、四和五声部写成。它们所呈现的复调结构在当时几乎独一无二,所表达的情绪也十分多样化;在谱曲时,伯德只挑选自己感兴趣的文字,以求音乐充分与歌词相符合。伯德的弦乐曲《幻想曲》与《圣名曲》,还开创了英国器乐风格。
伯德之后,吉本斯(Gibbons,1583-1625)延续了前辈开创的英国风格,写下了诸多华美的教堂音乐,其中特别是赞美歌,如《这是约翰所记》和《献给大卫之子的和撒那》等,都散发着迷人的芬芳。吉本斯还是杰出的牧歌作曲家,所作《银天鹅》乃是英国牧歌精品中的精品。
8-意大利和英国的世俗牧歌
当法国和英国在音乐领域已享誉世界时,作为文艺复兴发源地的意大利,似乎并未达到与前二者同等的地位。不过,文艺复兴时代盛行欧洲各国的牧歌,却源于意大利。
牧歌是文艺复兴最重要的世俗音乐形式,最早出现于13世纪意大利小型宫廷。牧歌一般是多声部,无伴奏或有简单器乐伴奏,内容多含幽默、讽刺、情欲和政治等内容,词句优美,情感细腻,被称为配上音乐的诗篇。
16世纪,牧歌发展到顶峰,杰苏阿尔多(Gesualdo,1560-1613)是意大利牧歌最杰出的创作者,其音乐个性十足,极富想象力,极度半音化的风格,远超他所在时代,令同代诸作曲家望尘莫及。他极善描写相对立两方面的冲突,诸如渴望与绝望、快乐与死亡,例如五声部牧歌《清澈的、闪亮的双眸》,突出体现了他所独有的两种对立情感的强烈矛盾。另一牧歌作曲家马伦齐奥(Marenzio,1553-1599),则富于抒情性,讲究文学趣味,诗意盎然,敏感动人,尤其注重对情绪和气氛的把握。
牧歌传到英国,莫利(Morley,1557-1602)将 “芭蕾歌”发展为英国牧歌的重要形式,其最显著特征是有“发啦啦”的副歌。他的“芭蕾歌”风格清新、节奏轻快,如《独自歌唱》,以质朴自然曲风,真切表现了男欢女爱。威尔拜伊(Wilbye,1574-1638)和威尔克斯(Weelkes,1575-1623)被誉为最杰出的英国牧歌作者,前者和声大胆,想象力丰富,后者则吸收马伦齐奥的意大利风格,将细腻与激情融为一体。还有吉本斯所作《银天鹅》,绝美而伤感,描写一只天鹅将死时的悲痛,以此映射命运的残酷。
17世纪初,英国出现以琉特琴伴奏的歌曲,道兰德(Dowland,1563-1626)是琉特歌曲最重要的作曲家,一生共出版87首歌曲,包括著名的《仕女雅玩》和《潸然泪下》等;在一首《时间停住脚步》的歌中,道兰德营造出了时间静止的意境,有一种超凡脱俗之美。
9-意大利罗马乐派和威尼斯乐派
16世纪下半叶,意大利形成了显赫的罗马乐派和威尼斯乐派,前者对从哥特到文艺复兴的复调艺术进行了全面总结,后者则成为新时代风格的开创者。
罗马乐派致力于宗教音乐,延续并发展了佛兰芒乐派“复调无伴奏合唱风格”,重要代表人物帕莱斯特里纳(Palestrina,约1525-1595),将声乐的复调传统发展到顶峰,故史上有“帕莱斯特里纳风格”之称。
帕莱斯特里纳的音乐古朴澄澈,旋律线流畅,音响丰富,效果美妙迷人。他最著名作品之一《马尔采鲁斯教皇弥撒曲》,具有一种柔和纯净之美,令人清心愉悦。他最独特的经文歌作品,是为《圣经》中的艺术珍品《雅歌》所配的29首歌曲,这些歌曲宗教情感浓厚,柔美清澈,将纯洁的爱情与神圣的宗教融为了一体。
如果将罗马乐派的音乐比作宏伟的教堂,那么威尼斯乐派的音乐就是华丽的宫殿。在16世纪,威尼斯已经成为沟通东西方的重要通商港口,它所独具的世界性和开放性,成为威尼斯乐派产生的重要条件。
威尼斯乐派富于开创精神,不断尝试冲破束缚,发展个性化的新风格,其音乐绚丽灿烂,丰满多变。在经文歌创作中,他们一反传统的“复调无伴奏合唱风格”,加进明亮辉煌的铜管乐器,使合唱显示出前所未有的生机。他们还将器乐发展成完全独立的形式,从根本上结束了声乐的统治地位。威尼斯乐派的革命性创新,为管弦乐的发展奠定了基础。
乔万尼•加布里埃利(G. Gabrieli,约1557-1612)是这一乐派的杰出人物,所作经文歌《哦,拍响你的双手》、《向天主欢呼》、《天主俯听我等》、《牧羊人,你看见了谁?》等,织体饱满丰富,色彩明亮辉煌。他的两套《神圣交响曲》,是早期器乐作品的杰作,其中《四度低音弱声与强声奏鸣曲》,首次使用了力度指示。他还对乐器的运用进行改进,因而被称为“配器法之父”。
10-歌剧的诞生和发展
1597年,佛洛伦萨,一种被称为“歌剧”的、集演唱和表演于一身的艺术形式诞生了。尽管中世纪神秘剧和宗教剧被认为是其先驱,但第一部真正意义上的歌剧是佩里(Peri,1561-1633)的《达夫妮》,然此作现已佚失,因而他作于1600年的《尤丽狄茜》,便成为流传下来的最早歌剧。
《尤丽狄茜》讲述的是奥菲欧赴地狱寻找不幸死去的爱妻尤丽狄茜的故事,歌剧已形成独唱、重唱和合唱的模式,但还没有咏叹调,全部是歌唱性的宣叙调。1602年,卡契尼(Caccini,约1548-1618)的牧歌与小坎佐纳作品集《新音乐》,发展了与复调对立的单旋律音乐风格,对刚诞生的歌剧产生了重大影响。
音乐史上第一位伟大的歌剧作曲家是蒙特威尔第(Monteverdi,1567-1643),他跨越文艺复兴和巴洛克两个时期,以传统为出发点,发展出个性鲜明的新风格,并强调以真实为基础,描写人的心灵世界。完成于1607年的《奥菲欧》,是历史上第一部成熟的歌剧,其戏剧效果得到进一步加强,大胆运用不和谐音和弦乐器震音,以增强音乐的表现力。
蒙特威尔第一生创作歌剧十余部,《阿里亚娜》——只流传下来著名的《阿里亚娜的哀歌》、《尤利西斯还乡》和《波佩阿的加冕》等也均为不朽之作。其中《波佩阿的加冕》是历史上第一部依真实历史事件创作的歌剧,讲述残暴
乱的罗马皇帝尼禄与其将领之妻波佩阿的故事。另,蒙特威尔第所作牧歌和圣乐作品,如《坦克雷迪与克洛琳达的战争》和《贞福童真女的晚祷》等,也都极富戏剧性。
歌剧随后在威尼斯和罗马继续发展,蒙特威尔第的弟子卡瓦利(Cavalli,1602-1676)扩大了戏剧的潜力,并自如运用喜剧因素,所作《卡利斯托》在结构上继承其师的特点,剧本据奥维德《变形记》中仙女卡利斯托被变成大熊后被升为星座的神话编写。到17世纪后半叶,那不勒斯乐派形成,歌剧从此发生了根本性转变。
11-德国音乐之父——许茨
德国是欧洲音乐起步最晚的国家之一,到巴洛克时期,落后的状况才得到改变。
不过,德国音乐最早可以追溯到哥特时期的希德嘉•冯•宾艮(Hildegard von Bingen),她为宗教礼仪共作有77首歌曲,汇集成《天国启示的和谐交响》。希德嘉注重以音乐本身打动人心,认为如果没有音乐,词句不过是空壳,因词句仅是身体,音乐才是精神。
出生于佛兰德的伊萨克(Isaac,约1450-1517),对德国音乐发展贡献最大,这位深受意大利风格影响的佛兰芒大师,将荷兰风格带到德国,并把这些风格与德国音乐相融,创作了独具特色的弥撒曲和最早的德国歌曲,为德国音乐屹立于欧洲之巅奠定了基础。
1585年,许茨(Schutz,1585-1672)诞生,德国音乐的兴盛随之而来,他被称为德国音乐之父。许茨最重要的贡献是将意大利声乐风格融入德国复调传统中,开创了德意志民族自己的音乐风格。他的音乐融合威尼斯乐派的宏伟与德国式的细腻,情感深邃,色彩辉煌。
讲述耶稣诞生故事的清唱剧《圣诞节故事》是他最流行的作品,全剧始终萦绕在欢快愉悦的气氛中,不论宣叙调还是合唱,都显示出盎然生机。《临终七言》是一部满怀悲伤的清唱剧,耶稣的七言以自由而表现力极强的单旋律音乐表现,通奏低音和弦乐伴奏。壮丽深沉的《马太受难乐》,乐风古朴,结合了无伴奏合唱与宣叙调独唱、重唱的形式。
著名的三卷《神圣交响曲》,共68首协奏经文歌,含许茨最具纯粹德意志民族风格的作品,独唱声部、合唱与器乐编制都得到扩充。这些作品宽广而富于戏剧性,有的已接近后来的教堂康塔塔,其中第18首《扫罗》戏剧性极强,运用了回声效果。
许茨去世13年后,J.S.巴赫诞生,这之间知名德国作曲家是以《卡农与吉格》闻名的帕赫贝尔(Pachelbel,1653-1706)。另外,丹麦的布克斯特胡德(Buxtehude,1637-1707)的管风琴音乐,对德国音乐发展也产生了很大影响。
12-英国音乐的巅峰——珀塞尔
珀塞尔(Purcell,1659-1695)在英国历史上占有特殊的地位,因为他象征着英国音乐的显赫地位。在他之前,英国音乐已进入黄金时代,而在他身上,则达到无可争议的鼎盛。
这位生活在巴洛克早、中期的作曲家,可被形象地比喻为英国音乐“金字塔”的塔尖,他虽然只活了37岁,但却将英国民族风格发展到极致。珀塞尔幼年曾在皇家教堂唱诗班当歌童,并成为著名作曲家布洛(Blow,1649-1708)的弟子,老师成为威斯敏斯特大教堂管风琴师。珀塞尔的创作涉足内容广泛,形式多样,无论是赞美诗和颂歌,还是歌剧和戏剧配乐,或者器乐合奏和键盘乐,都有很高的成就。
珀塞尔最杰出的作品是歌剧《狄朵与埃涅阿斯》,被誉为最伟大的英语歌剧,它具有强烈的抒情戏剧的风格,体现了珀塞尔所特有的激情。剧情取自维吉尔的《埃涅伊特》,讲述迦太基女王狄朵与武士埃涅阿斯的爱情悲剧,歌剧中,女巫姐妹为了破坏他们的爱情,欺骗埃涅阿斯离开迦太基去完成一项使命,狄朵误以为他背叛自己,于是自焚身死。狄朵的唱段《当我被埋葬》,是音乐历史上最著名的“哀歌”之一。
珀塞尔的合唱音乐属巴洛克中期声乐中的精品,最著名的有《感恩赞》、《D大调欢乐颂》、赞美歌《我的心正在撰文歌颂》、《圣•塞西利亚节日颂歌》、为1695年玛丽女王葬礼所作的《上帝,您了解我们心中的秘密》等。在器乐方面,所作的12首三重奏鸣曲、3首三声部《幻想曲》、8套为羽管键琴的组曲、2首《圣名曲》以及为玛丽女王葬礼所作的四支长号的《进行曲与坎佐纳》等,是当时英国纯器乐作品的经典之作。
特别有意思的是,珀塞尔去世后,英国本土竟无一人有能力将他所开创的英国民族风格传承下去,且这种状况持续了二百年之久,直到19世纪末才有所转变,但仍然未能超越前人。
13-维瓦尔第时代的意大利音乐
威尼斯乐派之后,器乐形式首先在意大利得到空前的发展,形成以维瓦尔第(Vivaldi,1678-1741)为首的“小提琴乐派”,同时,以制作提琴闻名于世的斯特拉迪瓦里家族兴盛了起来。
在当时,集小提琴大师与作曲名家于一身的科雷利(Corelli,1653-1713),创作了最出色的三重奏鸣曲(作品1至4号,共48首),这种奏鸣曲是巴洛克时期最重要的室内乐形式,通常由四件乐器演奏出三个声部。科雷利还是古组曲的确立者,也是现今非常流行的《“圣诞”大协奏曲》的作者,他的音乐有着严谨的结构和优雅的气质。
以《为管风琴与弦乐队的柔板》而知名的阿尔比诺尼(Albinoni,1671-1750),最初也以小提琴演奏家的身份出道,40岁时转向专业创作,写有《D小调双簧管协奏曲》等名作,并对初期的喜歌剧有一定贡献。
代表巴洛克中期音乐创作高峰的维瓦尔第,对小提琴风格和大协奏曲(为乐器组与乐队的协奏曲)形式的发展有着突出贡献。维瓦尔第的音乐色彩辉煌,洋溢着生命活力,体现了意大利人热情开朗的性格。他一生作品量很大,著名的《四季》含在曲集《和声与创意的尝试》中,《和谐的灵感》和《异乎寻常》涵盖了其最重要的小提琴协奏曲和大协奏曲作品。
维瓦尔第的音乐形式多姿多彩,他尝试为各种乐器创作,除小提琴和大提琴,还有爱情维奥尔琴、长笛、大管、竖笛、琉特琴等,包括著名的长笛协奏曲《金翅雀》、《双曼陀林协奏曲》和《e小调大管协奏曲》。除此,还作有五十部歌剧和不少宗教音乐,以《D大调荣耀经》最著名。电影《Shine》中主人公在蹦床上边跳边听的那首歌,出自其康塔塔《没有真正的和平》。
以维瓦尔第为伊始,器乐形式向着越来越完善的方面发展,对于J.S.巴赫等巴洛克后期作曲家的创作产生了重大的影响。
14-那不勒斯乐派的意大利歌剧
诞生于佛洛伦萨的意大利歌剧,在威尼斯和罗马的发展并未突破蒙特威尔第所开创的风格,直到17世纪下半叶在那不勒斯出现了一个新的歌剧流派,才出现了根本性的转变。
那不勒斯的作曲家们将宣叙调与咏叹调清晰地区分开来,并更加倾重于咏叹调,尤其强调美声演唱技巧,发展管弦乐以服务于歌唱,还固定了歌剧序曲的三个组成部分,确立了后世意大利歌剧风格的主要特点,可以认为,是那不勒斯乐派确立了19世纪意大利歌剧的民族性。
到18世纪初,那不勒斯乐派独具个性的歌剧风格达到成熟,喜歌剧由正歌剧的“幕间剧”发展出来。——“幕间剧”又叫“插剧”,是大型正歌剧中间休息时上演的短剧。亚历山大•斯卡拉蒂(A.Scarlatti,1660-1725)是那不勒斯乐派的开创者之一,随后出现的佩尔戈莱西(Pergolesi,1710-1736)、奇马罗萨(Cimarosa,1749-1801)和皮钦尼(Piccinni,1728-1800)三人,则代表了这一乐派的顶峰。
佩尔戈莱西23岁时创作的《女仆作夫人》是早期意大利喜歌剧的杰作,也是那不勒斯乐派的代表作,它是1733年上演的正歌剧《高傲的囚徒》的“插剧”,全剧长度不足五十分钟,共两幕13曲,讲的是一个女仆如何做了自己主人的夫人的故事。佩尔戈莱西一生十分短暂,只活了26岁,他去世前不久完成的《圣母悼歌》为同类作品的典范。
在《女仆作夫人》之后,奇马罗萨创作于1766年的《秘婚记》和皮钦尼创作于1760年的《好姑娘采基娜》两部喜歌剧,不论规模还是结构,都已经非常成熟了。那不勒斯乐派歌剧风格的影响此时已经遍及欧洲,并一直持续到18世纪中叶以后的二十多年间。
到19世纪上半叶,意大利歌剧传统经由罗西尼(Rossini,1792-1868)、多尼采蒂(Donizetti,1797-1848)和贝利尼(Bellini,1810-1835)等作曲家,传承到了威尔第的手中。
西方音乐是从十六世纪末开始,尤其是十七世纪到十八世纪产生的音乐,西方音乐的发展经历了很漫长的过程。下面就跟随百文网小编的步伐一起来了解一下西方音乐的发展过程吧!
文艺复兴时期约为公元1450-1600年,在中世纪“新艺术”的基础上,更加追求人性的解放与对人的内心情感的抒发与表达。这时的音乐家在人文主义思潮的推动下,对复调音乐进行了发展和变革,声乐与器乐逐渐分离而独立发展。这一时期五线谱已得到完善,印刷术也运用到曲谱上,这都使音乐的传播更加便利和广泛。这一时期有以下几个较有影响力的乐派:
尼德兰乐派
主要音乐活动在尼德兰的一批音乐家。创作内容多为弥散曲与经文歌等宗教音乐,也有世俗音乐。代表人物有迪费、若斯坎、汴舒阿、奥凯格姆等。
威尼斯乐派
在1530-1620年间的一个器乐乐派,其特点是音响气势宽广宏大、对比效果鲜明。创作内容有铜管乐与弦乐的重奏曲、管风琴的前奏曲、幻想曲与托卡塔等。代表人物有维拉特、A.加布里埃利等。
罗马乐派
此时期的一个专门创作服务于宗教作品的乐派,以无伴奏合唱的形式为主。代表人物有帕莱斯特里纳、G.M.纳尼诺、F.索里亚诺等。
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西方音乐实际上是从十六世纪末开始,尤其是十七世纪到十八世纪,这一期间,音乐史上称为巴洛克时期,这个时期的音乐发展经历了一个漫长的过程。下面就让百文网小编给大家介绍一下西方音乐的发展史吧!
浪漫音乐:浪漫主义主要用于描述1830—1850年间的文学创作,以及1830—1900年间的音乐创作。
浪漫主义音乐是古典主义音乐(维也纳古典乐派)的延续和发展,是西方音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。
浪漫主义音乐比起之前的维也纳古典乐派的音乐,更注重感情和形象的表现,相对来说看轻形式和结构方面的考虑。浪漫主义音乐往往富于想象力,相当多的浪漫主义音乐受到非现实的文学作品的影响,而有着相当大的标题音乐成分。浪漫主义的因素,则包含在从古至今的音乐创作当中,而不仅仅局限于某一个时代,因为音乐创作本身,就是想象力的一种表现,而浪漫主义恰恰是想象力的最佳体现。
贝多芬是古典主义音乐的集大成者和终结者,也是浪漫主义音乐的先行人,浪漫主义音乐抛弃了古典音乐的以旋律为主的统一性,强调多样性,发展和声的作用,对人物性格的特殊品质进行刻画,更多地运用转调手法和半音。浪漫主义歌剧的代表是韦伯,音乐的代表是舒伯特。
浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向,在法国出现了柏辽兹,意大利的罗西尼,匈牙利的李斯特,波兰的肖邦和俄罗斯的柴科夫斯基。浪漫主义音乐在瓦格纳和布拉姆斯时代逐渐走入历史。
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(5)杵歌(高山族民歌)
(6)月下情歌(白族民歌)
(7)道拉基(朝鲜族民歌)
(8)哇哈哈(新疆民歌)
生活在岷江上游高山深谷地带的羌族,是一个历史悠久、文化深厚的古老民族,由于悠久的历史和较闭塞的生活环境,羌族的传统文化里保留下许多淳朴厚重的古风遗韵。今天百文网小编为您介绍一下羌族的民间音乐,欢迎阅读。
“喔都惹木”的节奏自由、曲调优美动人,在民间流传最广,各地存在许多歌种,其中以“纳吉纳娜”最为典型。“纳吉纳娜”主要流传于南部方言区,羌语中有“我们祖先的歌”之意。它的旋律古朴深沉,自然舒畅,深受当地群众的欢迎。有一句俗语说“汉民唱歌,爱唱盘古开天地;藏民唱歌,爱唱纳里西莫;羌民唱歌,爱唱纳吉纳娜”,足见人们对它的喜爱程度。其它地区流传的山歌,还有“呀纳拉依”、“苕西”、“瓦耶纳”、“花花勒”、“纳勒谐莫”等,内容或表现世俗生活或者是爱情等。汶川县一带受到汉族民歌影响的“花花勒”,以及受藏族民歌影响较深的“纳勒谐莫”等,反映出羌族与周围汉族、藏族等民族在文化上的互动。此外,最近三十多年间才发现的二声部民歌“古纳”和“尕啰”也属于山歌。据说它们已有千年历史,多用于劳动生活及婚礼仪式和舞蹈的伴唱,唱法和音乐风格独特,因而具有较高的艺术价值和学术价值。
羌族人有歌必有酒,有酒必有歌,酒歌“西惹木”的曲目丰富、用途甚广,成为羌族特有的民歌体裁之一。每逢婚丧嫁娶、喜庆年节、修房造屋甚至宗教祭祀等聚会的场合,众人皆席地围坐,中间摆青稞酒数坛,主客轮流以细竹入坛吸饮,此谓饮咂酒。至酣时,主客乘兴唱起酒歌,内容有祝贺、劝酒助兴之类,也有的是叙述家史或赞颂古代英雄等。唱时一领众和,有时也伴以简单的舞蹈,情绪热烈、感人。
风俗歌曲“祖惹木”,有婚恋嫁娶、满月或庆贺丰收等喜庆场合演唱的“勒鲁惹木”,以及丧葬、祭祀活动中演唱的“卡尔勒格惹木”、“纳斜日国惹木”等两类。传统的羌族婚礼仪式歌曲成套,贯穿了从议婚到结婚的整个过程。其中,以新娘出嫁前一夜与女友们演唱的伴嫁歌“花儿那姐”最具特色。此外,青年男女在每年农历五月初五的“耍寨子”活动中唱的耍山调“余曲惹木”,也是一种颇有特色的风俗歌。它全套共12首,唱时依长幼分为两队领、和,每首歌先坐唱继而歌舞,最后齐唱一遍。
民间最有特色的乐器,应首推羌笛为最。早在汉代应邵的《风俗通》中,就有对“羌笛”的记载;诗人王之涣“羌笛何须怨杨柳,春风不度玉门关”的著名诗句,更令它闻名遐迩。不过,今天流传在民间的羌笛并非文献记载的模样,而是一种由油竹制成、双管双簧、竖吹的五孔或六孔吹奏乐器,羌语称“切勒”或“咒”等。它以双管发等音,音色柔和、纤细,多为独奏,民间“鼓腮换气”的循环换气法和指法装饰等演奏技法,使羌笛有着特殊的表现力。
木雕作为中国传统雕刻技艺,其历史十分丰富。今天百文网小编就来给大家介绍一下木雕的发展历史。
至战国时期木雕工艺品已由商代用于制陶工艺中拍板的简单刻纹和雕花椁板的阴刻,国木雕艺术源远流长。早在原始社会时期就有不少初具雏形的工艺品。发展到发生立体圆雕工艺。如漆木鹿的造型既生动逼真,又简括凝练,各个部位与整体和谐;刀法爽洁、明快,确有难得的战国时期木雕工艺中立体圆雕的佳品。
秦汉时期的木雕工艺,承袭春秋战国时期木雕工艺发展的基础上,又有较大的发展和提高。汉墓出土的动物木雕作品中,更可以了解到汉代木雕工艺发展的水平。动物作品有马、牛、狗等。这些四足动物造型生动,身长分别在14-55厘米之间,都是以分部制作粘合而成的方法雕制的因为木材是由纤维细胞组成,而四足动物是由头、身、足三部分组成,三个部分的尺寸不可能一样大小,总体形状是头高、身长、足高,根据这种特定形式用整木雕制的汉代木雕工艺的一个创新,为木雕工艺创作品类众多的艺术品,发明了有意的经验。这是木雕工艺发展史上的一个重大创举。
现存于世的木雕作品“繁重木雕鸳鸯暖手”即是其中代表作。这件作品为圆雕,色呈青紫,以一丸繁重木雕刻而成,高5厘米,长8厘米,宽6.5厘米。作者构思奇妙,刀法老练,传神地刻画了鸳鸯的安定神态。湘南的木雕则代表了民间风格,题材内容广泛,大致包括以下内容:一是吉祥图案如吉庆有余、五谷丰登、平安如意、松鹤延年、龙凤呈详。二是戏曲人物、古代英雄、小说演义、神话传说、寓言故事、供人们欣赏品味;三是直接表示当地人民现实生活的题材,包括耕种、收获、桑蚕、纺线、织布、放牧、狩猎、裁缝、商贾、情爱等社会生活的各个方面;四是人们熟悉的飞禽走兽,如鸡、鸭、鹅、兔、猪、牛、马、鹿、蝙蝠、鱼、虾等以及植物花卉、蔬菜瓜果之类。
木雕是以各种木材和树根为材料雕刻而成的工艺美术品,在收藏市场上习惯于把木雕和竹、牙、角雕等划归为一类,统称“竹木牙角器”。自古以来,木雕就有着广泛的喜爱人群,也由此成为艺术品收藏市场上的一项重要门类。木雕工艺在我国流传已久,近年来随着艺术品市场的升温,特别是珍贵树种资源的稀缺以及材料价格的飞涨,使得木雕工艺品成为当前投资与收藏关注的热点。
今年以来,木雕和红木家具身价节节高升,这已经是云南乃至全国一致的行情。由于市场上大众需求愿望强烈而高档精品数量有限,故而木雕工艺精品在今后几年的上升空间被看好。专家建议收藏者和爱好者更多关注珍贵树材木雕,尤其是工艺美术大师创作的珍贵树材木雕艺术品,这样的木雕现在价格相对较高,但是其升值潜力和中长期收藏价值具有很大提升空间。
木雕收藏和其他收藏一样,也有鉴别真假优劣这个关键性问题。对于非专业收藏的爱好者而言,面对身价不菲的木雕工艺品一定要谨慎购买,同时建议到信誉度高的品牌商场选购,这样的市场往往诚信经营有保障。
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以下是百文网小编为你整理的中国集邮的历史与发展,希望能帮到你。
万事万物都在变化,集邮也在不断地变化,我们不能墨守成规,应该随着时代的变化而变化。这几年来邮市进入低潮,有些邮票甚至低于面值出售,于是有些集邮者产生了怀疑,邮票还值得收藏?我认为集邮永远是正确的,因为邮票是时代的产物。人类的历史漫长,但邮票在这个世界上才一百多年历史,随着科技日新月异的发展,电信事业日益普及,随时可以和亲友联系,谁还写信呢?可以预言,邮票在这个世界上顶多还有几十年的历史。几十年后,每一枚邮票都是非常珍贵的。你为何要舍弃这些21世纪珍贵的东西?任何事物都有发展和消亡的过程。没有万古千秋的东西,恐龙不是一下子突然消失了吧!河南西峡恐龙蛋,价值连城,请记住;即将消亡的东西永远是珍贵的。历史的陈迹,永远使你留恋,岁月的风云,永远使你怀念,集邮永远使你欢乐!
但我们不能为增值而集邮,为发财而集邮,那样将使我们走入岐途,走上邪路。我们可根据当前的情况,根据自己的工作时间、精力、财力来确定,不一定每一套新邮都买,都要收集。我认为“四个结合”将是集邮今后发展的趋势。
第一,与专题结合。即当前提倡的“专题集邮”。专题集邮是从上世纪70年代开始的,到80年代更为普遍,所谓“专题集邮”,即与个人的职业、专长、爱好、兴趣有关,因为是自己的专长或所从事的职业,收集起来,比较方便,也可以得心应手,较快取得成绩。当前主要专题有航天、体育、球类、科技、医药卫生、教育、人物、动物、花卉……等等,我们水利工作者,可以收集与水利有关的邮票。我收集的专题是《可喜的同一》,只要是海峡两岸有题材相同的邮票我都收集,现在已经收集75种相同题材的邮票,我的这部《可喜的同一》邮集,曾多次在各地展出,受到好评,在湖南第二届集邮展览上荣获银奖,以后拍成电视,1990年曾在中央电视台向全国传播。
第二、与史结合。传统集邮的方式,比较普遍,因为时间、精力、财力都较多,除了专题集邮外,就是与史结合,即取历史上某一段片断的史实,因为我们集全清代1878年大龙邮票发行到现在的邮票,已是不可能,也是不现实的,只能收集某一片断。如专收集“八年抗战”有关的邮集、封、片,或是“抗美援朝”,或是““”十年”,或是“改革开放二十多年的光辉成就”,或是“中国共产党八十年光荣历史”或是“二万五千里长征”等。还有海峡两岸的通邮史。
1989年,从6月1日开始,海峡两岸通邮,以前是由红十字会转信,台北有一个“五万号信箱”,凡寄大陆集件均由此信箱转,送交香港,盖上“香港内详”,此封现很珍贵。收集与历史题材有关的封、片是当今的趋势。因为这些邮票是历史的见证,珍贵的文献,知识的汇集,生动的记录,形象的教材。
第三,与形势结合。邮票在某种意义上来说,也是与政治结合的产物,邮票内容发行必然从属于政治,如果政治上不实行改革开放,邮票就不会就这样题材广泛,应有尽有,五彩缤纷,琳琅满目,所以,我们集邮也要与形势结合,如“神舟八号”,如“港澳回归”,如“抗击非典”,现在收集“抗击非典”有关邮集、封、片、戳的邮友很多,我就有一枚北京专治非典的小汤山医院院长签名从小汤山医院寄来的实寄封,这是比较难得的。
第四,邮票与封、片、戳的结合。邮票与封片戳结合,如红花配绿叶,如小桥流水,如楼台亭阁。一部好的邮集不与封片结合会令人索然无味。
封片在邮集中至少应有1/3。因为这些封片可以说明当时的时代背景。如长沙集邮家雷通鼎老人珍藏的“文夕大火”封,这个封上的戳是1938年11月12日,此封为抗日战争时长沙大火劫后留存,证明了当时国民党不顾人民死活,放火烧城,一片焦土。
又如“香港内详”封,这是海峡两岸交往的实寄封,又是珍贵的纪录。又如笔者收藏的女排签名封。女排当时在湖南郴州训练基地,我去信袁伟民教练希望得到一枚女排签名封。他大力支持,当即请全体女排签名,有郎平、梁艳、张蓉芳……。获得四连冠,这是血与汗的结晶,这是胜利之歌,这是生命之花,这是常青之树,这是中华民族之魂。
有些封片比邮票少,很难得。如长沙市邮票公司1985年发行的元帅封、元帅明信片、大将明信片和“三湘英杰”系列封,都很受欢迎,也很宝贵,现在很难买得到。
封片题材要好,我曾于1985年10月6日写了文章介绍长沙邮票公司的“元帅与大将”封片,在《解放军报》发表后,五湖四海,天南地北,许多集邮爱发者来信来函要求购买这些封片。
其次,一框邮集和开放类邮集也是当今集邮发展趋势。一框邮集很爱欢迎,因为不受那么多条条框框的影响,对初集邮者大开方便之门。
中华茶文化发展历史悠久,下面一起来看看百文网小编为大家精心推荐的茶文化发展历史,希望能够对您有所帮助。
茶艺是一种文化,和其他的文化一样。茶文化要追溯到2000年前,历经千年的更替才有现在悠远的文化背景。通过上海茶艺课程,我更加深刻的了解了茶文化的发展以及变化的方向。东晋人常璩撰《华阳国志》,说武王克殷以后,巴人纳贡的贡品中有茶和蜂蜜等。或许古代巴蜀产茶,真的可以早到商周之际。到了两晋以后,南方产茶的规模已经不小,饮茶更加普及,所以张载在《登成都楼诗》中写出了“芳茶冠六清,溢味播九区”的句子。又有晋
茶艺是一种文化,和其他的文化一样。茶文化要追溯到2000年前,历经千年的更替才有现在悠远的文化背景。通过上海茶艺课程,我更加深刻的了解了茶文化的发展以及变化的方向。
东晋人常璩撰《华阳国志》,说武王克殷以后,巴人纳贡的贡品中有茶和蜂蜜等。或许古代巴蜀产茶,真的可以早到商周之际。
到了两晋以后,南方产茶的规模已经不小,饮茶更加普及,所以张载在《登成都楼诗》中写出了“芳茶冠六清,溢味播九区”的句子。又有晋人孙楚的《出歌》说:“姜桂茶羈出巴蜀,椒橘木兰出高山。”表明巴蜀故地在两晋时代仍是重要的产茶饮茶的中心。
自汉代以后,饮茶活动被人们赋予了明显的精神色彩,茶已不纯粹作为饮料而存在了。特别是魏晋以后,贵族崇尚奢靡之风,浆酒藿肉,暴殄天物,一些有识之士为表现自己清雅不俗的操守,用品茗代替酒馔,即“以茶代酒”,以扭转世风。
唐代佛教禅宗的发展,更加促进了茶饮的普及,茶禅一体,僧俗转相仿效,饮茶之风日盛。尤其是陆羽著《茶经》以后,古代茶学得以正式确立,使后代茶学著作层出不穷。唐代饮茶已普及到中原及边疆地区,茶真正成为举国之饮。茶在唐代有了专用的字和专门的著作,有了边销和税收,对社会政治、经济与文化生活产生了广泛的影响。
茶大兴于唐而盛于宋。宋代有了新的茶叶生产中心,建安所产建茶名闻天下,龙团凤饼贡茶更是品质优良。宋代出现了许多茶馆,茶饮的社会化得到充分体现。宋代还风行斗茶和分茶游戏,对茶品的优化和茶艺的精进发挥了非常重要的作用。
到了元代,茶艺一改宋人的琐细,变得简约清新起来。元人除保留少量饼茶作为贡茶以外,大量生产散茶。散茶的普及,推动了饮茶方式的简易化,也就促进了茶艺的简约化发展趋势。元代茶人更崇尚自然,返璞归真。元代的这种变化,是蒙古入主中原后传统汉文化受到冲击的结果。因为旧文化传统的分化,繁琐的茶艺也同时被摒弃了。
明清时期,茶人们对茶艺又有了刻意追求,追求茶学至精至美,茶美,水美,器美,环境气氛美,意趣也更美。茶器中的至美之器紫砂壶,备受茶人们的青睐,于是涌现出许多制壶名匠,也就有了一些研究茶器的著作。
清代以后,茶饮的大众化进入极盛时期,茶叶贸易也空前扩大。饮茶方式多种多样,表现出明显的地域特点,有盖碗冲泡法,也有大壶冲泡法,有工夫饮法,分别适合于不同的阶层和不同的地区。
文化一直都是繁衍生息的产物,茶更是与我们生活息息相关的,在茶艺培训的课程中不仅仅学习到了茶艺,更加让我了解到了茶文化的博大精深。千年之前的茶和我们现在饮的茶是否一样呢?这是我们值得去深思的一个问题。
黑茶发展已有很长一段时间的历史,那你知道黑茶的发展历史吗?今天百文网小编就为大家介绍一下黑茶的发展历史。
《史记·周本纪》载,公元前1066年,周武王伐纣,“南(四川)八部族贡武王荼(茶)”。《明史·茶法》:太祖朱元璋“诏天全六番司民,免其徭役,专令蒸乌茶易马。”乌茶即藏茶、边茶,天全即今雅安市天全县。 《西藏政教鉴附录》:“茶叶自文成公主入藏地”,即雅安所产龙团、凤饼茶,贡奉朝廷后作和蕃礼品带进藏区。之后,雅安藏茶源源不断输入西藏,至今已有1300多年历史。唐、宋以来,朝廷先后行“茶马互市”、“榷茶制”、“引岸制”等策“以茶治边”,雅安藏茶迅速发展。《明史·茶法》:宋太祖“设茶马司于秦、洮、河、雅诸州,自碉门(今天全)、黎(今汉源)、雅(今雨城)抵朵甘、乌思藏(康、藏都司),行茶之地五千余里……”,宋熙宁七年在雅设茶马司,位于今名山新店,其遗址是中国至今为止唯一可考的茶马司遗址。
雅安藏茶制作技艺,主要依靠茶号和茶厂的传统艺人、工匠在加工过程中代代口授心记,近代始有文字记载。雅安藏茶生产明朝以前为分散加工,朝廷统一收购经营。《雅安县志》(民国版)载:最早藏茶加工企业为 有“天兴”、“恒泰”、“聚成”等茶号。清朝允许民间藏茶贸易,私营藏茶企业增多,到清末,雅安、天全、 荥经、名山、邛崃等县茶号有200多家。清光绪三十二年(1907年),为抗击英国侵略,抵制印茶入藏,振兴雅安边茶在藏区的地位,川滇边务大臣赵尔丰及 四川劝业道共同主持,组织雅安、名山、天全、荥经、邛崃五县茶商集资33.5万两白银,在雅成立官督商办的“边茶股份有限公司”。辛亥革命后,公司解体。
民国初年,私营茶号恢复到100多家,接着军阀混战,强派苛捐杂税,藏商携款私逃,很多茶号倒闭,民国二十四年(1935年)仅剩30多家。1939年, 西康省成立,国民政府为垄断边茶经营,筹备在雅成立“中茶公司西康省分公司”。其后,私营茶号率先联合成立“康藏茶叶股份有限公司”,包销全部茶引,使名 山、邛崃两县茶号倒闭,仅为雅安、天全茶号收购原料,代加工成品茶。