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要想在小提琴上凑出好听的音乐,就必须达到大脑和双手的密切配合,同时还要培养儿童敏锐准确的听觉和快速的反应能力。那么要如何学好小提琴?下面百文网小编整理了学好小提琴的方法,供你阅读参考。
握弓
右手握弓,拇指尖须紧靠螺旋套(弓根),其他手指执住弓杆,使手背成自然圆形。手指需要柔软的弯曲。弓杆位于食指、中指、无名指的末节中(即指端),拇指恰与中指相对,小指的指尖,轻松的放在弓杆上,使易于适应需要,向前或向后移动(上弓时向前移动,下弓时向后移动)。四指之间,略须靠拢,不可单独分开,否则显得笨拙而不雅观
运弓
优秀的演奏家能在小提琴上发出千变万化的声音,就运弓而言,取决于运弓的速度、弓在弦上的压力以及弓和弦的接触点这3种因素的不同结合。小提琴的弓法繁多,就其主要的有以下几种:①分弓:一弓演奏一个音,音要拉的干净,清楚;②连弓:一弓演奏许多音,在很多乐曲中 都会用到,是最常用的弓法之一;③顿弓:音与音之间断开;④跳弓:弓毛离开琴弦。这4类弓法是最基本的,在20世纪中期,连顿弓,即在一弓中连续快速演奏 许多音与音之间是断开的音,被人视为绝技,随后又出现了“自然跳弓”,即弓毛在琴弦上,而听起来或看起来像跳弓一样。所以人们把小提琴演奏艺术称之为“运弓的艺术”。
音准
歌唱和乐器演奏中所发的音高,能与一定律制的音高相符,称为音准。有些乐器在制造或调音时就有音准要求。歌唱和乐器演奏过程中,随时都要通过演唱者和演奏者的控制来解决音准。音准的取得,有赖于敏锐的听觉、优良的乐器、精湛的技巧与适宜的演出环境。乐器的形体结构、音孔位置、张力变化以及空气湿度,都与音准有关。就弦乐器讲, 长时间演奏及气温上升,均使弦松弛,因此弦乐器音准的突出问题是如何矫正偏低。就管乐器讲,虽然气温上升使管体略微伸长,但同时气压降低,声速提高,频率 也随之增高(据实测,气温每升10℃可使管乐器发音升高3音分),因此管乐器音准的突出问题是如何矫正偏高。歌唱及弦乐器、管乐器的音准,当有钢琴伴奏 时,都以平均律为准则;但由于平均律的许多音程听起来并不严格协和,所以在独唱、独奏、重唱、重奏时,常常需要偏离平均律而趋近纯律或五度相生律,才算达到音准要求。
揉弦
揉弦是小提琴,二胡,吉他等弦乐演奏所掌握的最具表现力的演奏技巧之一。在乐句适当的地方加上适当的揉弦,会比没有揉弦的乐句在声音上要生动的多。
揉弦是一个小提琴演奏很有表现力的技巧,用它可以来表现不同风格和特征的每一个音或每一个乐段。揉弦的要点是怎样找到手的最佳动作,用速度快慢、揉弦宽窄来演奏出每一个乐段独特的风格和特征。
肘臂揉弦和手腕揉弦,两者都要练习。以能够表现出最好的音乐特征,来选择揉弦的速度和宽窄。
有几种方法,初学者可以试试,可能会有利于学习揉弦:
1.一是做指端关节前后屈仰动作。先在桌子上练,分别练习各个手指一关节向后躺下(不是完全贴在桌子上),再立起的动作,再分别作左右晃动。由快到慢,最后五个指头一起练习。
2.首先应学会手腕揉弦。其方法可先将手臂放在大腿上或椅臂上,然后将手腕放松前后摇动,力求平均,待动作习惯自如后,再放到指板上练习。同时要注意:
在手腕前后揉动时,带动手指的关节,手指的触弦点不能随着手腕的揉动而移位。在练习手腕揉弦 时,可先从三指开始。因为用三指揉动可以使动作更为宽松,然后再练习二指和一指。而练习四指时,还可将三指紧靠四指帮助揉动。这样的练习会使颤动的效果更 为自如。在手腕揉弦练习的基础上也可逐渐学习和熟悉手臂的揉弦和手指的揉弦。目的是为了更好的丰富演奏上的表现力,适应于各种力度和情绪变化的需要。
3.还有大臂揉弦、手指揉弦。大臂揉弦多用于长的重低音,主要体现出乐曲的浑厚和伤感,手指揉弦多用于半拍的高音,可以表现出乐曲的欢快和优美,而想学好这些,前提是熟练的掌握手臂揉弦。
把位
左手手指在指板上的位置,称之为把位。靠近琴头的把位为低把,靠近琴马的为高把。从一个把位换到另一个把位,称为换把。换把位的方法有多种,例如空弦换把,同指换把,不同指以及泛音换把等。换把时产生非演奏需要的滑音,是技巧训练不足的标志。滑音可以使音与音之间的连接富于变化,增加一个优美的过度。特别是结合换把使用滑音,是一种富于表现力的演奏手段。
双音与和弦
小提琴可以同时演奏两个音甚至是3个音,也可以分奏4个音的和弦,这不仅丰富了它的表现力,并可不依赖其他乐器的伴奏进行单独演奏。小提琴的三度、六度、八度以及十度双音音阶,是演奏双音的基础,也是小提琴家必须终身练习的一项基本功。小提琴演奏中的左手颤音、泛音、拨弦等,都是一些高深的技巧。
双手技巧
小提琴的左手技巧:音阶、双弦、换把、揉弦、泛音、拨奏。
右手技巧有:连弓、分弓、顿弓、跳弓、波弓、击弓、碎弓、拨弦。
小提琴演奏
小提琴家的魅力不少在于右手神奇的运弓。
小提琴特殊奏发在总谱中的标记:
拨弦:pizz 恢复正常演奏为arco
靠近琴马:sul pont恢复正常演奏为ord
靠近指板:sul tasto恢复正常演奏为ord
弓杆击弦:col legno恢复正常演奏为arco
加弱音器:con sord摘除弱音器为senza sord
另外在管弦乐里分部为div,齐奏为unis
小提琴是很多小学生正在作为特长培养的乐器之一,初学小提琴尺寸的选择也是很重要的。今天小编就给大家介绍初学小提琴尺寸,希望对大家有帮助!
1.音响,包括声音和音色。要求音色纯净,清晰,悦耳,音量大,高银明亮,低银深厚而不闷,四条弦声音匀衡,共鸣时间长。
2.颜色,这没有统一标准。多为红色,红棕色,金黄色,黄色等,但均应要求美观悦目而不褪颜色。
3.表面光滑清洁,不含杂质。
4.琴头,琴身要正,直,不偏歪,左右匀称,则还是选购小提琴的方法之一。
5.面板要求文理正直,左右弧度一致。
6.背板要求花纹美观,密度适宜,纹理对称;整板或两板合起的都可以;左右弧度对称。
7.两“f”孔要求大小一致,长短相同,中间尖口一样;两孔左右对称。
8.黑白线要求曲线自然,不折断,接头看不出来;琴角黑白线要有蜂针。
9.琴头要和背板花纹相同。
10.指板要求与琴头胶合得好而且平直,这个也是选购小提琴的方法。
11.弦轴孔要求与弦轴倾斜一致,吻合。
12.马子要求纹理好,雕刻细致,左右对称;马脚与面板弧度吻合。
以上内容是对选购小提琴的方法的介绍,希望各位家长能够掌握好方法,在选择的时候重视以上几点的考察,选购出优质的小提琴,让孩子更好的进行小提琴的学习。
有些朋友小时候不喜欢小提琴,到了十八岁才喜欢上它,这时候就会问是否来得及。下面就让小编来告诉你十八岁开始学小提琴是否合适,欢迎大家阅读!
提琴是小提琴演奏中的一个环节,虽然看起来并不是重要环节,往往正是演奏中许多毛病的来源。正确的姿势是把小提琴放在锁骨上,用左下鄂将它夹住,尾板对准喉咙中间,琴身与人的肩膀构成45度角,但是在演奏中,有些人对持琴不太重视,往往用下鄂夹琴,这样会使演奏者感到不舒适,会产生僵硬的感觉。还有琴头过于偏低,琴头过低就会给左手增加重量,弓子也容易滑向指板。关于演奏时琴头的高度问题,高一点比低一点好。
高的琴头可以把提琴的重量倒向脖子和户膀,演奏高把位时还比较容易。就持琴而言,切记不要使用蛮劲和任何强制性的力量来破坏自然环境、连续的平衡关系和平衡系统。对于一些脖子长的人来讲,使用肩垫是解决问题的办法,但一定要注意肩垫的形状,形状要正确,在演奏中不是所有的人都采用肩垫,对于脖子短的人来说不用肩垫效果更好。
小提琴在器乐中占有极重要的位置,初学小提琴的时候要注意各种事项。下面小编为大家介绍小提琴初学注意事项,感兴趣的朋友们一起来看看吧!
如果是想好好学,长远来说,还是买一把音色好一点的小提琴,价格在 3000-5000,以后基本不用换琴了,买好一点的琴对你整个学琴过程有很大的帮助,尽管在初学的几年里,听不出音色的好坏,但是对你整体的乐感、学琴的信心、练习高难度技巧等方面都有好处。
一般选择小提琴初学者也可以选择便宜一些的,500元左右的就可以了,万一以后不想学了也不至于太浪费。一般选择红棉小提琴,民间艺人小提琴,百灵小提琴都不错的。音准比较好一些。音准对学习小提琴有很大帮助。
下面小编为大家介绍一下小提琴独奏乐曲形式,欢迎大家阅读参考。
随想曲(caprice)
18世纪为独立形成的一种音乐体裁,结构形式较为自由,篇幅长短大小不等,音乐复原幻想,具有明显的即兴风格。《帕格尼尼24首随想曲》是小提琴随想曲作品中的典型代表。具有浓郁的即兴风格和浪漫色彩,技巧性强、形式多样,风格华丽而奔放。充分发挥了小提琴卓越的表现技巧。
狂想曲(Rhapsody
)狂想曲源于希腊语“rhapsodia”,只具有英雄史诗板的气概和民族精神的器乐曲。狂想曲善于表现奔放热烈的音乐情绪,并具有鲜明的民族特色与叙事性,演奏技巧通常也具有相当的难度,对比性强,表现手法多样。
回旋曲(Rondo
)起源于欧洲一种古老的轮舞曲,盛行于17世纪。音乐创作形式与舞蹈密切相关,音乐主题常常会反复出现,多个副题穿插其中。曲风优美明快,跳跃而富有生机。善于表现快热烈的音乐情绪。
小夜曲(Serenade)
晨歌的对称。起源于中世纪欧洲吟唱诗人和年轻恋人所唱的情歌。许多年轻人在夜幕降临时,带着吉他或曼陀铃来到心中恋人的窗前,吟唱着表达爱慕的情歌。近代的小夜曲既有声乐作品,也有器乐作品。小夜曲以情歌吟唱为主,器乐作品承袭了这一音乐特点,旋律大多婉转悠长,深情优美。18世纪末,小夜曲又演变成为多乐章的重奏或合奏的器乐作品,属于室内乐体裁。
浪漫曲(Romance)
18世纪以爱情为要内容的世俗声乐曲。许多作曲家后将其改变为各种器乐体裁的浪漫曲,属室内乐体裁。曲式比较自由,旋律优美,追求质朴优美的音乐形象。代表作贝多芬的《F大调浪漫曲》,以其他作品。
谐谑曲(scherzo)
源于世纪和18世纪上半叶。最初的谐谑曲仅仅是一种轻松活泼的声乐曲或乐器曲。18世纪后半叶起,谐谑曲因其更轻快活泼的3派系特性,越来越多的被作曲家放在奏鸣曲套曲(奏鸣曲、室内乐、交响曲等)中第三乐章,逐步取代了原来更为常用的小步舞曲形式。此后,贝多芬有进一步发展了谐谑曲这一体裁形式,使它能够表现多方面的形象和意境,或欢腾雀跃如在《第六交响曲》中,或幽默风趣。
十九世纪华丽且灿斓技巧的比法学派,与坚持纯音乐传统原则的德国学派,这两种演奏风格,到了二十世纪仍持续发挥其影响力。下面小编为大家介绍一下。
随着地域性与演奏理念的不同,因而形成三个主要的学派:俄国学派、比法学派与德奥学派。
俄国学派:雷欧波特·奥尔(Leopold Auer,1845-1930)、海飞茨(Jascha Heifetz,1901-1987)、米尔斯坦(Nathan Milstein,1904-1992)与艾尔曼(Mischa Elman,1891-1967)。
比法学派:易沙意(Eugne Ysay,1858-1931)葛拉米安(Ivan Galarnian,1903-1981)与金戈尔德(Josef Gingold,1909-1995)。
德奧学派:弗萊什(Carl Flesch,1873-1944)、谢霖 (Henryk Szeryng,1918-1988)等世界頂尖的演奏家。
弗莱什(Flesch)是沿袭姚阿幸(Joachim)之后,德奥学派着名的小提琴教师之一。他的重要著作除有《基本练习)(Basic Studies)《小提琴演奏的音色问题》(The Problems of Tone Production)和《音阶系统》(Scales System)外,还有《小提琴演奏之艺术》(The Art of Violin Playing)。《小提琴演奏之艺术》此著作被赛夫契克(Otakar Sevcik,1852-1934)誉为「小提琴家的圣经」,克莱斯勒(Kriesler)认为是「小提琴演奏领域内最重要的著作,每个小提琴家皆应人手一册」。
弗莱什(Flesch)认为,小提琴的艺术是由一般技巧、应用技巧与艺术表现三者密切关联组合而成。因此,将其论述撰写成《小提琴演奏之艺术》一书,此书分为两卷,第一卷主要是论述一般技巧和应用技巧二部分,1923年出版于德国;第二卷则论述艺术表现,出版于1928年。此书弗莱什(Flesch)是由教学的角度而写的,强调小提琴教师应依据技巧方面的最新方法,有效地训练学生,以及引导学生推理、思考,和培奏他面对技巧方面问题时,应具备分析研究的能力。从书中可明显看出,弗莱什(Flesch)以严谨且透彻的方式对各项技巧做具体的分析,并针对演奏中常见的毛病提出切实可行的纠正方法,做为此部论述的研究重心。
在一般技巧部分,一开始便对小提琴的结构、试琴与提琴的保养等议题作陈述;其次是针对演奏提琴时的站姿、持琴与左手技巧做论述;再者则对右手握弓、运弓、各弓法的拉奏技巧,以及大篇幅的论述发音等问题。而应用技巧部分则针对练习方法、音阶与练习曲材料,以及指法选择等主要论述的内容。而对于一般技巧部分,弗莱什(Flesch)提出三种演奏小提琴时的站姿。对于站姿,弗莱什(Flesch)提出三种站法,而他最赞同双腿分开跨立的站姿,因为此种站姿最具稳定性与自由度;并从音响学探讨音准问题,并认为没有人可将音拉得绝对的准确,只能训练敏锐的听觉,在演奏当下用最短的时间将音调整为准确,所以慢练是练习困难技巧的根本。关于握弓姿势,弗莱什(Flesch)提出德奥学派、比法学派与俄国学派三种握弓的方式,而本身最肯定并推崇的是俄国学派的握弓,因它是既省力又能演奏出极优美音色的握弓。他认为运弓时,上手臂的动作必须自如且不受枸束,解开了百年来上臂应尽可能放低运弓的魔咒;利用图解详尽地说明各种弓法的运弓位置与练习方法,以呈现该弓法应有的音色,并建立学习者演奏时弓配置的概念。并且提出弓接触琴弦的接触点不同、运弓的快。慢、压弓力量的大小和左手把位的高低都是影响发音关键因素的论点,更大幅度扩充了雷欧波特·莫札特(L.Mozart)首先指出弓靠近指板,音量较微弱,弓靠近琴桥音量较为宏亮而影响誊音的论点。
弗莱什(Flesch)所著的《小提琴演奏之艺术》初版年代为1924年,而后分别在1939年由马尔坦斯(Frederick H.Martens)译为英文版。本书曾先后被翻译成多国文字,各国音乐界对此书评价甚高。根据弗莱什(Flesch)自己表示,本书尝试将小提琴演奏艺术中未经整理的经验,提炼成为合乎逻辑的经验,也就是运用科学分析方法对小提琴的技巧,作全面性的分析并提出实例,还对演奏当中一般人常犯的毛病,提出切实可行的改正方法,对于小提琴的教学与练习贡献极大。
小提琴是一种极具艺术魅力的乐器,但其演奏技术极具难度。在小提琴演奏过程中,除艺术技巧外,还涉及到众多的科学性问题,对其进行一定程度的科学探索,能更好的提升小提琴演奏的整体技术水平与艺术价值。下面小编为大家介绍一下。
(一)音乐情感与理智的平衡
一个优秀的小提琴演奏者应同时具备感受音乐与表达音乐的能力。在演奏过程中,感情是一项较为活跃的因素,感情过于激动,演奏就容易失去控制,导致音准偏高、速度与节拍过快等现象;而理智与冷静之间有着紧密的联系,过于理智,过于重视技巧的表达,演奏过程缺乏自身的想象与理解,观众就很难体会到音乐所要表达的情感。因此,一个优秀的小提琴演奏者,应同时具备“火热的心”与“冷静的头脑”,以达到音乐情感与理智的平衡。小提琴演奏并不仅仅是对乐曲的重复表达,演奏者应该以乐曲诠释者与再造者的身份进行演奏,同时,作为乐曲的享受者,演奏者应与观众共同体验自己的艺术创造。演奏者的音乐情感与理智达到平衡,能够应用头脑的控制力对演奏过程中遇到的技术与心理问题进行及时
解决,并通过乐器将其内心情感尽情的抒发出来,满足听众的欣赏要求。
(二)复调作品双音与和弦演奏的平衡
小提琴乐曲中的复调作品的和弦与双音在演奏过程中都包含了两个以上部分的音乐线条,若单单从纵向关系对其音准问题进行把握,难以将复调作品中的声部层次、乐句以及音准的走向进行完整表达,就如巴赫的G小调无伴奏鸣曲中的赋格 。巴赫的作品具有极其强烈的古典风格,演奏时需要充分考虑乐曲创作时代的特点,在演奏技巧上,下弓和弦与上弓和弦的演奏力度存在一定差异,低声部的旋律走向就会发生偏差,这种演奏过程中声部的不平衡性虽容易被忽视,但还是会在一定程度上影响整个乐曲的演奏效果,需要演奏者对每一个乐句进行细致的安排。
(二)复调作品双音与和弦演奏的平衡
小提琴乐曲中的复调作品的和弦与双音在演奏过程中都包含了两个以上部分的音乐线条,若单单从纵向关系对其音准问题进行把握,难以将复调作品中的声部层次、乐句以及音准的走向进行完整表达,就如巴赫的G小调无伴奏鸣曲中的赋格 。巴赫的作品具有极其强烈的古典风格,演奏时需要充分考虑乐曲创作时代的特点,在演奏技巧上,下弓和弦与上弓和弦的演奏力度存在一定差异,低声部的旋律走向就会发生偏差,这种演奏过程中声部的不平衡性虽容易被忽视,但还是会在一定程度上影响整个乐曲的演奏效果,需要演奏者对每一个乐句进行细致的安排。
综上所述,对基于平衡原理的小提琴演奏的相关研究,能够为提升小提琴演奏教学与训练水平的提升提供更多的理论参考。通过平衡原理的有效应用,能够使小提琴演奏的过程更加流畅,使乐曲表达更具感染力。因此,在未来的小提琴演奏训练与教学服务当中,应重视平衡原理的应用与推广,从而培养更多优秀的小提琴演奏者。
选择一个自己满意的乐器声音,是选择提琴的基本条件。下面小编建议可以从以下四个方向去探讨。
<1>产地与学派作者,这个条件几乎也是提琴售价的关键。从欧洲的德国琴,法国琴,英国琴,意大利琴,东欧琴;到新大陆的美国琴,阿根廷琴;到近来亚洲的日本琴,韩国琴,中国琴,几乎这就是提琴好坏的分水岭了。其实不然,还是要看师承与作者本身的制作条件和工艺水准。
<2>年代,提琴需要长期演奏的滋养,来稳定与提升到完美的琴声,这过程通常需要50-100年。但是新琴经过3-5年的使用,已经可以感受到声音的改变了。
<3>保存状态,受潮或使用不当导致提琴声音走下坡,也是常见的情况。琴桥变形或音柱位置移位有时提琴身体托胶甚至低音梁托胶都是有可能的。有些人将琴置入干燥箱或除湿过当,而导致干裂也是要注意的。
所有弓弦乐器,演奏上最重要、最复杂而难以掌握的,应该不单只是左手的音准问题,右手发声的种种问题,困难度、复杂度比起左手,只会更多,不会更少。下面小编来详细介绍一下。
比如演奏钢琴时,演奏者在按下一个琴键的同时,就可以完成:音量、音高、音色三个乐音的基本要素。弦乐器演奏者在发出每一个具备这三个基本要件的乐音时,其实是靠着双手的复杂协调来完成。这个原因也正是弦乐器之所以既难以入门、更难以深入的主因。
显而易见的,乐音的三个要素中,音高是靠左手按弦改变弦长来决定的。而音量、音色这两项,则是右手弓法的重责大任。当然,左手的抖音可以修饰、增色情绪上的感染力,但是没有右手弓法的适时配合,再漂亮的抖音也是枉然。简单的说,没有左手,你可以演奏出只有四个音的声音。没有右手,什么都没有。
很可惜的是,长期的观察下,大部分人只注意、强调左手的技术、音准、音符的正确,却极少有人意识到,右手弓法影响演奏水准的程度有多深。俄国大师米尔斯坦 (Nathan Milstein) 常说:小提琴的演奏艺术,百分之七十来自右手。假使不能参透右手弓法的基本原理,除非你是极为幸运地、碰巧用对方法,或是万中选一、不须指引的天才,否则,要想掌握演奏上最最复杂的变化,根本是痴心妄想。
试着用三张简单的图解,从 “理” 的角度来说明右手弓法最基本的必要变数。
先谈过前两个要素后,第三个必然的要素『接触点 Sounding Point』再加进来讨论,比较容易理解。琴弦固定在两个端点:小马nut、琴桥Bridge,他的摆动幅度在中心点最大、两端最小,也就是说:
越靠近中心点,越容易驱动。
越靠近两个端点,越难驱动。
记住这个道理,回头看看前面提到的,所以:
重量大的弓速慢、能量大,适合较难驱动的 -> 靠琴桥 -> 位置C
重量轻的弓速快、能量小,适合较易驱动的 -> 靠指板 -> 位置A
位置B当然就是最普遍的发声点。过去曾有老师说,大师Fritz Kreisler 克莱斯勒最喜欢用这个位置演奏,所以称这个位置是 『Kreisler Highway』。我想,除了让我们加深这个位置所发生的特性外 – 温暖、饱满,没有特别的意义。毕竟,没有人会用这个位置演奏所有音乐。而大部分人,也多是最常在这个位置发生的,不是吗?点与点之间,当然并无任何明确分段。此处的标记,只是做为引导之用而已。
如此一来,我们就建立起弦乐器发声的基本模型了。有了这个模型当基础,练习起来也才有个确切依循的根据。必须记得的是,上面所说的各种重量、速度、发声点,都可以有各种各样的变数搭配,用以形成不同的结果。譬如,固定重量、发声点,增加或减少弓的速度当然可以改变音量、音色,但是在一个极限以外,一定必须配合其他变数的微调,才有可能拉奏出最有质感的好声音。也就是说,当掌握了基本的道理后,如何运用、运用的结果就是个人的功力与造诣了。要强调的是,没有认识基本的道理,要真实掌握扎实的演奏技术,似乎只是空想。
弓法所掌握的,包括了演奏时几乎所有的力度、表情、色彩、张力、语法、连断,加上左手抖音的润色,才能成就富有说服力的音乐。确实掌握右手运弓的基础道理,并且扎实的演练各种工法的变形,才是学习演奏能够进步的最大保证。
小提琴的音色风格可以分为三大类:其一『阳刚之美』-浓郁豪放、浑厚深沉、明亮圆润、大气浩然;其二『阴柔之美』-含蓄典雅、细腻集中、甘纯华丽、忧郁神秘;其三『中庸之美』-宽松温暖、厚亮衡度、刚柔相济、庸蕴诙谐。下面小编为大家详细介绍一下。
1、灵敏度
灵敏度是保证演奏者运用多种娴熟技巧表现乐曲的基础。在演奏时不仅要求琴弦轻触即响,还要在快速运弓中能达到运动与发音的自然同步。甚至苛求小提琴的灵敏度要达到声震、呵气即可产生共振与共鸣。只有这样才能成就演奏者的表演激情与高超技艺,当人和琴融为一体的瞬间,冲撞出绚丽夺目、令人心驰神迷的火花。
2、丰满度
丰满度是演奏家们体现艺术个性和展示不同时代不同音乐风格的关键。其表现为琴的声音宏亮,音色圆润温暖、丰富多彩而富有弹性。
3、力度
力度是音色色彩从微妙的变化——诗意画境——疾风骤雨的最好体现。一把优质的小提琴轻奏时音量能够弱下来,弱而不单,弱而不干,音色要细腻、清晰、集中,而且有根“筋脉”蕴涵在里面;强奏时,则能明显感觉到琴体有极大的承受力和响而不燥的震撼力;快奏时,每个音都能立得住、分得清、交代得明白。正像大诗人白居易在《琵琶行》中所描写的:“大弦嘈嘈如急雨,小弦切切如私语。嘈嘈切切错杂弹,大珠小珠落玉盘”。
4、亮度
亮度是小提琴作为高音乐器所具备的高亢特性,亮而酥、亮而华丽的高音有助于演奏者们施展发音技巧,演奏出光辉灿烂的乐章。
5、厚度
厚度是小提琴音质的重要成分,是多种音色的基础。厚度如同绘画中的浓墨重彩深邃浓郁,如同陈年的老酒甘烈香醇,耐人寻味。厚度能够体现出演奏者们的自身文化素质、生活阅历和音乐修养等深厚的底蕴。有了厚度,深沉稳重、苍凉悲切的乐章才能演奏得淋漓尽致、扣人心弦。
6、宽度
宽度往往能在抒情乐曲中得到充分的体现。宽度是优质小提琴音色内敛和外放的完美结合。这种结合就单音旋律而言,会让人们心旷神怡,如若体现在和声和弦上,则能让人们产生无限遐想。宽度是一种建筑式的美,更是一种空间式的美,如山峦般叠嶂起伏无边,如碧空般高远浩瀚无际。
7、纯度
纯度是指声音干净无杂音,实际上真正的纯音是不丰富的。对于优质的小提琴来说,纯度是多种音色中的升华,这种升华含有多种因素的一定沉淀,有人将纯度比作山涧缓缓流淌的小溪,山雨过后的皓月星空。
8、柔和度
柔和度在优质小提琴演绎的乐曲中,能给人一种微妙的亲切感,含蓄典雅、委婉飘逸。柔和度要做到柔而不软,柔而不散,如行云流水般连绵不断。
具体到每一根弦上则表现为: E 弦清晰,明亮, A 弦柔美如歌, D 弦优雅, G 弦浑厚深沉。
近年来音乐教育的发展呈现出普及化趋势,越来越多家长和学生的注意力被集中在小提琴教育上。集体小提琴课作为一种新的教学模式更好地满足教学改革和小提琴教育实际的需要。下面小编通过比较小提琴集体教学和个人教学的利弊,并且就此分析小提琴集体课教学的优缺点。
(一)集体课的管理困难
小提琴教学不同于其他科目的教学,学生时固定在座位上的。小题学习需要学生有动作、要发出声音。然而在集体教学中,由于学生人数的众多,怎样让学生能够整齐划一地听从老师的安排和指挥,而且互相之间不产生过大的干扰,这为小提琴集体教学管理提出了非常现实和严峻的要求。
因此,教好集体课,必须总结出一套行之有效的管理办法,将教师、学生组成一个整体,把上课、练琴、演出三个学琴的环节组成一个严密系统。上集体课的教师除了教小提琴以外,同时还需要不断提高自我养,做好众多家长、学生的表率。
(二)集体课难做到精雕细琢
小提琴演奏技能的提高,实际上就是精确到每个操作动作、乐句符号的完美重现。普通音乐学院单独的课堂教学模式,可以在实际的教学过程中根据学生不同的问题和基本功底,采取不同的教学方式,重点弥补学生的不足,提升其优势,因此比较能够培养出记忆精湛的小提琴表演者。然而集体课堂教学模式主要被应用于一些常识教学,比较难以实现教学的灵活性,更谈不上能够真正实现因材施教。因此,如果长期在集体课堂中学习而不进行一对一单独指导的话,学生积累下来的错误习惯将很难得到纠正的机会,而且对于音乐的领悟能力在众人的平均化教学中,也难以得到提高。这也就是集体教学中常常被人诟病的浑水摸鱼的情况。一方面错误难以得到改正;另一方面天赋和特长夜不容易被发现和发挥。
总的说来,不论是集体课还是一对一教学,在小提琴教学中最主要地是能够将小提琴艺术的核心内容,即:技巧和感受能力传授给学生。同时,我们也应该看到集体教学在未来一段时间里还是小提琴教学的发展趋势,这一趋势需要小提琴教育者更好地去适应,并寻找出更加有效的教学办法。
小提琴作品的艺术风格具有多种多样的类型,从美学角度讲,有抒情风格,有民间质朴风格、优美风格以及热情风格等等。一部作品所具有的或多或少非常明显的民族特性也可以称之为“风格”,如俄罗斯风格、法国风格、西班牙风格等等。下面小编从多个作曲家及其创作的小提琴作品的不同风格特点出发,分别加以论述。
小提琴作为一件全手工弓弦乐器,它的科技含量之高、文化底蕴之深,再加之小提琴的音色如此优美,表现力丰富多彩,受到了广大音乐爱好者的喜爱。由于作曲家及演奏者的不同、历史的沿革、地区和地域的差别,从而各自都形成了独特的演奏特点及音乐风格,对各种演奏特点和音乐风格进行研究与比较,有助于我们更好的学习和掌握小提琴演奏技法,对于提高我们的小提琴演奏水平有着非常重要的意义。
① 西班牙音乐风格及其代表作品-萨拉萨蒂《流浪者之歌》
西班牙风格的传统主要是萨拉萨蒂带给我们的。自他于1906年去世后,这些传统已逐渐为人忘记。当代小提琴家把那些西班牙节奏、那个表示“伟大”的洪亮的景象奏得感伤化。尽管西班牙节奏充满激情,但依然保持它的总是那样崇高和庄严的特色。显示技巧的乐章,一般总是奏得过快。演奏这种主题应该永远保持其独特的、有点不受约束的懒散的梦幻般的摩尔人风格。
其代表作品《萨拉萨蒂流浪者之歌》,又名《吉普赛之歌》,小提琴独奏曲中不朽的名篇。萨拉萨蒂的作品自始至终十分讲究效果和技巧,都是纯粹的小提琴作品。这一首乐曲是萨拉萨蒂所有作品中最为世人所熟悉的名作,它那回肠荡气的伤感色彩与艰涩深奥的小提琴技巧所交织出来的绚烂效果,任何人听后都会心荡神驰不已。
吉普赛民族在世界上分布广泛,但都是从不定居的流浪民族,世世代代过着清苦而又饱受歧视的生活,但这个民族活泼、乐观、能歌善舞。作者萨拉萨蒂运用十分恰当的手笔描写了这一民族性格的几个侧面,并使小提琴的旋律性与技巧性得到相当完美的结合。本曲中的管弦乐伴奏部分,也是作者亲自编配的。
② 法国音乐风格及其代表作品―圣桑《引子与回旋随想曲》
法国作曲家(如比才、夏布里埃、拉罗、圣桑)一向喜欢西班牙地方色彩。他们把西班牙地方色彩与他们自己的法国性格融合在一起,从而产生了一系列最有名的法国小提琴作品。在确定这些作品中的纯民族万分时要非常小心,因为创作这些作品的许多明显是法国籍的作曲家曾经是瓦隆人或弗兰德人(如贝里奥、莱昂纳、维厄当、依萨依)。在小提琴作品中,首先是圣-桑的作品最明显具有法国风格。在音乐解释方面,法国风格避免任何沉重感,并不追求玄奥的思索。它表现为轻快、清澈和易于理解,像法语一样流畅和优美。它主要靠悦耳的音质产生效果。
其代表作品《圣桑的引子与回旋随想曲》创作于1863年,是作者题献给小提琴大师萨拉萨蒂而创作的。圣桑对这位西班牙小提琴大师的高超演奏技艺十分赞赏,于是花了很多心思研究了小提琴的演奏技巧和西班牙音乐的风格与特色。1865年,在圣桑的亲自指挥下,由萨拉萨蒂首演这部作品。小提琴教育的一代宗师奥波得・奥尔曾对其学生说过:切分音是这首乐曲的“脊柱”。
③ 俄罗斯音乐风格及其代表作品-柴科夫斯基《D大调小提琴协奏曲》
关于俄罗斯音乐的风格特点,可以概述如下。这些特点合在一起典范地代表着这样一些特质,这些特质,对其民族来讲,一般一个民族只具有其中一种;激情狂热和梦幻伤感、粗暴和雅致、对生活的厌倦和对生活的热爱――这些对立情绪的突然交替变换给俄罗斯音乐带来特殊魅力。这种魅力,使那些熟悉俄罗斯音乐弱点的人们也不得不承认。最能表现这种魅力的首先是柴科夫斯基的作品。柴科夫斯基的小提琴协奏曲是俄国作曲家写的小提琴曲中最受欢迎的作品。打个比喻说,如果演奏家,在孩童时代生活的环境中不包含这些要素,而他又缺乏这些要素的薰陶――总之,如果他本人不是俄国人,则他必须具有很大的改造自己的能力和适应能力才能胜任对其作品的演奏,因此我们很少听到非俄国籍的小提琴家――即使是著名的小提琴家――能把这部作品演奏得令人满意。但是对俄国小提琴家来说,就连不太出名者也能够很容易地“把它奏得很不错”。
世界各民族的艺术,在基本原理方面是相同的,但在形式和风格上又各有自己的民族特色。音乐艺术是人民生活、思想、感情的表现,与民族的习惯特别是语言有着密切的关系。
说到演奏当然提琴的基本原理和基本技法是不应该再有什么派别之分的。虽然历史上曾经存在过几个著名的学派,如意大利诸学派、法比学派、德国学派、俄国学派等,但是这些学派的分歧随着二十世纪国际交流频繁、交通、通讯及电视传播业的发展,逐渐趋于混合――所谓世界“大同”了。但是在演奏风格上,则随着社会向前发展,呈现出越来越多样化、色彩缤纷、万紫千红的局面来。不同国家、不同民族、不同时代以至不同演奏家的文化背景都不同,擅长的方面也各有千秋。
法比学派为小提琴教学提供了系统科学的体系法比小提琴学派的演奏家、教育家们积极提升小提琴的演奏技术水准。下面小编为大家详细介绍一下。
以巴黎音乐学院为中心的小提琴演奏家创作了大量音乐作品,编写了许多优秀的教材和论著,形成了一整套集小提琴演奏、教育、理论研究成果的科学、先进的教材体系,涵盖了从初级到中高级阶段的系统性教材,其中许多教材是当今全世界每所音乐学院小提琴教学不可或缺的经典教材。
如,初级:马扎斯《75 首练习曲》第一集《特殊练习曲》;中级:克莱采尔《42 首练习曲》、马扎斯《75 首练习曲》第二集《华丽练习曲》、罗威里《12 首随想曲》;高级:罗德《24 首随想曲》、丹克拉《20 首练习曲》、加维涅《24首日常练习曲》、维尼亚夫斯基《现代教程》和为两把小提琴而作的《练习随想曲》,等等。
这其中,克莱采尔的《42 首练习曲》堪称小提琴基础性演奏技术的百科全书,同时也是小提琴教程由中级通向高级阶段不可替代的优秀教材,在小提琴教材体系中具有无可争辩的地位,被海菲兹誉为“小提琴演奏的圣经”。这本练习曲技术内容全面,练习形式丰富系统,包含多种左右手技术训练,对右手运弓的控制力和调节能力训练、颤音练习、双音练习等。
罗德的《24 首随想曲》作品 22,两百多年来一直被奉为小提琴教学的经典教材,在小提琴教学史上占据着有十分重要的位置,该练习曲与帕格尼尼、克莱采尔的作品一起被一致认可为是最好练习曲之一。
加维涅的《24 首日常练习曲》,堪称在帕格尼尼小提琴《24 首随想曲》之前技术最难最艰深的练习曲,达到了18世纪小提琴演奏技术的巅峰。
马扎斯的《75 首练习曲》作品36号,是一套艺术性很强的练习教材,除左右手的各种技巧外,还包括很多歌唱风格的音质、音色、揉音的练习。它摈弃了练习曲教材枯燥乏味的机械式练习,巧妙地将各种类型的技巧融合在优美的旋律之中,从问世之初就深受广大教师和学生的喜爱。
法比学派的演奏家、教育家们的这些教材不仅为小提琴演奏教学的规范化、系统化专业教学提供了基石,以科学系统的训练方法大大提高了小提琴教学水准,快速提高学生的技术能力,还为以后其他小提琴学派教材编写提供了范本。
陪着你演奏的小提琴不管等级高低,没有好的小提琴保养就展现不出他完美的音色喔~所以不管是专业的小提琴演奏者或是学生,让乐器保持在最佳状况是非常重要的,想要长期做好小提琴保养,除了让湿度保持稳定是第一个基本条件外,其他日常的小提琴保养的也相当重要。下面小编来详细介绍一下。
小提琴是由70多块不同的木片所组成的,制作小提琴的木料在砍伐之后,需要自然干燥几年到几十年不等,木料自然干燥期越长,音色就越好,但木头本身有吸水性,每个国家的湿度不同,所以从国外进口的制作木材,都要再存放个5~8年,确认木头的水分是否稳定后,才能开始制琴。
提琴乐器是精密制作完成的艺术品,请参照以下使用须知:
因为提琴材质是木头,琴本身最怕潮湿,请保持适当湿度(60%~40%)不仅要放在较干燥的地方更要常常除湿,若常使用不建议放置于防潮箱内,由于防潮箱内外湿度差异太大,反而对提琴不好。
至寒冷国家旅行时,琴盒内应放置加湿棒,避免干燥过度以致干裂。
每次拉奏完务必将汗水与松香用干纱布巾擦拭,不可用沾水或酒精的布去擦,更不建议用市售琴油之类的化学药剂擦拭小提琴,会伤害提琴上的漆导致音色变化。
琴码应与琴面保持90度直角,若有偏移,可请提琴老师或专业技师协助。
琴弦最好保持在演奏张力上,若确定长时间不会使用,则可以将琴弦松开(降低五度音左右),不建议将琴弦完全放松琴弦可能造成音柱位移或倒塌,必须注意。
若提琴音色有变化或出现杂音,常见的原因有脱胶、微调固定处未旋紧、腮托碰到止弦板、裂缝、指板松了、 弦沟不够深…等等。可请专业的师傅调整音色。
提琴弓属于易碎物品,无法承受意外掉落或碰撞。
弓尖是琴弓最脆弱的部位,不可用弓尖敲打谱架或触地当拐杖,会导致骨片龟裂,甚至弓头断裂。
弓毛对湿度非常敏感,依湿度变化松弛或缩短,非使用期间请放置于琴盒或弓盒内,弓毛务必要放松,避免弓毛弹性疲乏以及弓本身的弯曲变形。
特别注意弓毛会依使用地区、气后需要不同的长度。
提醒您在擦琴时,发现接缝处有裂痕或空隙,千万不要尝试自己动手修理,否则只会造成更大的伤害,并花掉更多的修理费。
拉小提琴,最枯燥最无聊的除了空弦,恐怕就数音阶了。今天百文网小编为大家带来小提琴练习音阶的诀窍,希望能够帮到大家。
音阶练习应该引起每个学琴者的高度重视,因为它可以固定各个把位的正确手型,培养学生严格的音准感觉,训练学生手指的机能,并使学生学会各种弓法的运用、左右手的准确配合,在练习中要强调力度的变化,从而丰富演奏的表现力。总之,在音阶练习中可以学到任何其他练习中的内容,而其他任何练习却不能代替音阶练习。
历来一些著名的小提琴演奏家都非常重视音阶练习,他们在繁忙的旅行演出中,即使时间再少,演出之前也总要静心地坚持音阶练习,以确保演奏时的良好技术状态。同样,凡是好的小提琴教师都会严格地指导学生练习音阶,这是为学生打下良好基础,引领他们进人演奏之门必不可少的、正确可行的途径。
在我们接触到的所有小提琴作品中,那些辉煌的快速经过乐句以及高难度的华彩乐段无不都是各种音阶的组合。
世界著名的小提琴大师海菲兹认为:“小提琴演奏技术的基础就是音阶,它是小提琴演奏技术最重要的方面。”由于他特别重视音阶,使他一生的演奏在音准上达到了完全无可挑剔的境地,也使他那辉煌的艺术青春保持了长达六十年之久。
目前我们经常接触到的音阶有《赫利美利》、《谢拉蒂克》、《舍夫契克》、《卡尔·弗莱什》等等。各种音阶教材都有它的长处和可取性,指导教师应根据学生的程度和需要给予恰当的选用和指导练习。音阶练习实在是学琴者最为重要的基础训练,无论专业的演奏者还是业余的学琴者,万万不可忽略与轻视。
想要演奏出美妙的小提琴曲子,首先就要调整小提琴的音色。今天小编就给大家介绍调小提琴音色方法,希望对大家有帮助!
小提琴的基本音色特点可以分成三大类:
首先,阴柔之美。其音色含蓄典雅、细腻集中、甘醇华丽、忧郁神秘;
其次,阳刚之美。其音色浓郁豪放、浑厚深沉、圆润明亮、浩然大气;
最后,中庸之美。其音色宽松温暖、厚亮有度、刚柔相济、中庸诙谐。
其中阳刚之美,比如贝多芬《D大调小提琴协奏曲》就是一部经典的作品。这位永垂不朽的作曲家,被称为古典音乐界的“图腾”,除了他以外,恐怕再也找不到第二位作曲家能以刚烈的性情怒放点燃着自己的生命。刚毅坚强、纯粹的大气、直白、所向披靡、巍然屹立。音色刚劲有力,向往广袤宇宙的泰然。阴柔之美,其最好的诠释莫过于伟大作曲家门德尔松的《e小调协奏曲》,的“女王”,含蓄、神秘、邈逸而细致的曲风,成就了四十大小提琴协奏曲之一的地位。正如贝多芬“唯一”的独特个性一样,门德尔松亦是如此。在他的作品里,绚烂静美的执著、和谐善良的性情深深吸引着听众。在那甘醇清澈的涓流中,精致动人、隽秀婉雅,一支清新的旋律由小提琴娓娓道来。中庸之美,伟大的作曲家勃拉姆斯称得上是一位“中庸”大师。代表作《D大调小提琴协奏曲》,他的音乐风格特点具有古典音乐的骨架、浪漫的诗情,风格强劲奔放、绚丽清雅。所谓“中庸”绝非“平庸”,而是“返璞归真”。
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《一路向北》是一首英式抒情摇滚歌曲。前奏带有唯美的基调,整首歌哀伤淡淡变化不多。每当听到这首歌,就会想起电影《头文字D》中周杰伦边开车边流泪的场景。今天百文网小编给大家整理了一路向北小提琴演奏教学视频,希望对大家有所帮助。
《一路向北》由周杰伦作曲,是周杰伦为电影《头文字D》专门创作的插曲。这首歌曲也是周杰伦继《断了的弦》之后,再度为电影创作插曲。
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《平凡之路》是非常有名的歌曲,那么我们应该如何欣赏《平凡之路》这首歌呢?下面是百文网小编给大家带来的《平凡之路》音乐鉴赏,欢迎阅读!
《平凡之路》的作词者韩寒某一次去朴树家,朴树在创作《平凡之路》,韩寒听完表示想用在他的电影《后会无期》里,于是韩寒为《平凡之路》填词,并把两句词“我不过像你像他像那野草野花,冥冥中这是我唯一要走的路啊!”放进了歌曲结尾。
《平凡之路》的创作出自朴树准备发行专辑的需要,也来源于韩寒的相邀。一首尚未完成的样本带,韩寒与朴树共同担任歌曲制作人,工作室里反复调整、录音棚中数次修正,最终在交歌时间,创作出这首电影《后会无期》的主题曲。
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《平凡之路》是朴树演唱的歌曲,为韩寒执导电影《后会无期》的主题曲。该歌曲由朴树作曲,朴树、韩寒作词,收录于同名EP。今天百文网小编就来给大家推荐《平凡之路》这首歌曲。
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2014年11月22日《平凡之路》获得第51届台湾电影金马奖最佳原创电影歌曲。
我国茶文化从丝绸之路传播到西方,逐渐形成西方的茶文化。下面是百文网小编精心为你整理的丝绸之路对我国茶文化的影响,一起来看看。
1.说起茶的发现,人们会自然地想到神农尝百草的传说,然而把茶作为饮料、作为一种精神享受,真正有历史记载的还应该从西汉算起, 王褒《僮约》中“烹茶尽具”、武阳买茶和记载,充分证明了当时饮茶风俗的形成和茶叶市场的存在。东晋常璩在《华阳国志.巴志》中记述了巴蜀地共的很多共梧甚至把茶作为贡品。 魏晋南北朝时一些有识之士“以茶养谦”巳成风气,如晋吴兴太守 陆纳已养成只招待茶水的习惯,客来敬茶这也许是最好的例证。
2.唐代是历史上比较兴旺的朝代,陆羽《茶径》系统总结了唐代及其发前的茶叶生产、饮用的经验,也提出了精行俭德的茶道精神。陆羽及其同时代的一些文人,都非常重视饮茶的精神享受和道德规范,而且非常讲究饮茶用具和 煮茶的艺术,可以说中国的茶道、茶艺从此产生。当时比屋皆饮的民间茶俗,乃至豪华隆重的皇室宫廷茶宴,以及文人的茶诗词与茶书画,都是茶文化形成与发展的集中表现。
3.到了宋代,茶叶生产进一步发展,饮茶更加普及,作为贡品的建州龙团凤饼更是花样翻新。 宋徽宗皇帝赵佶著《大观茶论》,这是中国历史上唯一的一位亲自写茶书的皇帝。跟随其后的不少文人雅士也纷纷写诗 作茶画。同时饮茶艺术也有了进一步的发展,“ 点茶”技艺进一步规范,“ 斗茶”之风盛行,佛门茶事兴旺,饮茶技艺也随着佛教的传播而迅速走也国门传至海内外。
4.明清时代散叶茶迅速发展,多茶类的结构逐步形成,饮茶方法也从点茶发展成泡茶,而且泡茶用具也越来越讲究,工艺精巧的紫砂壶、盖碗瓷器茶具等也应运而生。客来敬茶、以茶待客风气更为普及,都市茶馆林立,利用茶馆休闲、谈生意已是平常事,茶馆文化教育得到发展。
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