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比较容易入门是古筝好学的一大因素,入门需要学习很多手法。小编在此整理了古筝教学入门基础手法,供大家参阅,希望大家在阅读过程中有所收获!
1、松开旧琴弦
2、抽出旧琴弦
3、抽出旧琴弦
4、从筝尾抽出旧琴弦
5、打开新琴弦
6、从S岳山穿新弦
7、从面板上抽出
8、从面板抽出
9、穿入调音盒
10、穿过弦钉孔
11、超出10mm
12、压住琴弦
13、逆时针缠绕
14、逆时针缠绕
15、一手提弦一手压住
16、安装筝码
17、调整筝码与弦距保证2端穿弦孔与筝码顶部三点一线相邻弦距均匀。
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一:姿势
1.身体要直 2.重心要稳 3.上胸要开 4.双肩要松 5.面部自然 6.精神振奋
二:呼吸...(呼吸方法有多种...我们应曲风而异)
1.锁骨呼吸法 2.胸式呼吸法 3.腹式呼吸法 4.胸腹式联合呼吸法
(一般我国的美声唱法多才用与第4种:胸腹失联合呼吸法....通俗就较为随意点了)
练习呼吸的方法:
(一)可分无声呼吸练习:1.快吸快呼 2.快吸慢呼 3.慢吸慢呼
(二)发声呼吸练习..顿音.连音或连顿结合的练习
再说下唱歌时应该如何起音;
第一,要防止用过多和过猛的气息去冲击声带.
第二.要防止声带过于松垮,不积极*拢闭合去挡气
第三,要防止起音时喉头挤,卡,压,使喉头失去弹性.
起音时,一定要做到发生自然,气息柔和,打开喉咙,稳定喉头,声音流动,并将打哈欠,放下喉头,空气通过声门而吹的三个动作,在同一时间完成.同时还要掌握好气息,声带.共鸣的协调配合速度
闭合哼鸣的练习方法:
1.正确站立的歌唱姿势和积极兴奋的歌唱状态
2.用口鼻垂直吸气,鼻孔兴奋张开.哼唱时,要有流鼻涕的感觉,要均匀.柔和地从鼻腔向外叹气,一定要有叹气感.通畅感.横膈膜有各显的支持点.
3.哼唱时,嘴似闭非闭,上下齿不要咬死,舌头平放,舌头舔在下牙床上,喉头下沉轻轻提气.
4.哼唱时,声音是从上口盖以上发出的,眉心和鼻深处有轻微的振动感,而且每个音都是从同一位置上哼出来的.
大家知道学习唱歌的最基础的是什么那么就让小编我给大家说一说唱歌基础教学的一些基本条件吧希望能对你有用!
1,找准唱歌时发声的部位
最简单的测试方法就是平时走路的时候可以小声哼鸣“嗯”,一边走一边训练,这样省时,而且也不费力,对,没错,就是那个音。
2,正确的呼吸方法
吸气—呼气—再吸气—张开—张开再张开!然后深呼一口气,把腔体(是腹腔,不是胸腔)打开,再慢慢的把气呼出,可以吐“咝”慢慢吐出气来,要有一定的规律,节奏要一致,而且身体要保持住,不能放松,直到把你肺部里所有的气吐完了为止,最后再放松!还要训练快呼快出的方法,方法和以上相同,只是节奏加快而已。初学者如果每天都这样训练,肺活量也会跟着提升很多,这也是为今后的唱功打下的非常重要的基础。
3,保持正确的发声方法
也就是将刚才提到的两点技巧相结合起来!每天也要训练张嘴的姿势,如果不会,可以去啃苹果,或者你打哈欠的时候,对,没错,记住那个动作,然后练习。
刚学习唱歌的人不知道怎样学唱歌?那么就让小编我来教你们一些唱歌入门的基本教学方法吧!希望能对你有帮助!
1、吸气
用口、鼻垂直向下吸气,将气吸到肺的底部,注意不可抬肩,吸入气息时使下肋骨附近扩张起来,腹部方面,横膈膜逐渐扩张,使腹部向前及左右两侧膨胀,小腹则要用力收缩,不扩张。背部要挺立,脊柱几乎是不动的,但它的两侧却是可以动的,而且也是必须向下和向左右扩张的,这时气推向两侧与背后并贮在那里,保持住然后再缓缓将气吐出。
2、吐气
唱歌用气时,仍要保持吸气状态。这点很重要,就好比给自行车打足了气,不能一下子放松了,这里还有一个保持呼吸的问题,要保持住气息,就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态,控制住气息徐徐吐出,要节省用气,均匀地吐气,这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中,要注意呼吸僵硬的感觉
3、两脚一前一后稍分开,前脚着力、身体的重量要平稳,重量落在双脚上。
4、面部,眼神要自然生动,眉、眼、嘴是五官中的重要部位,眼睛是心灵的窗户,因此在演唱中眼睛切记应当张大一些,不要眯起眼,虚着唱歌。
5、嘴巴是歌唱的喇叭,应当张得开,放得松,切记紧咬牙关。
6、还有歌唱时下颌收回,正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线,脖子和后背、腰部连成一线,这样才使气息畅通无阻。
7、演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作,但动作要简练大方,切忌矫揉造作,画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样,但要注意腰部挺直而不僵硬,也不要靠在椅背上,注意臀部不要坐满整个凳面,约坐1/3的面积,两脚稍分开,自然弯曲,不能跷腿坐,也不能两腿交叉叠起。
学习正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐,呼吸是歌唱的原动力。声乐界有“谁懂得呼吸,谁就会唱歌”之说,说明了呼吸在歌唱中的重要性,它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。
歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸是不大一样的。在日常生活中,人们通过说话交流思想感情,因为一般距离较近时所需音量就较小,气息较浅,不用很大的力度,也不用传得很远,而且我们说话连续用嗓时间长了,嗓音就容易疲劳、嘶哑,这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。唱歌是为了抒发情感,是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众,须将歌声传至每个角落,因而要求声音既要有一定的音量,又要有一定的力度变化,要有长时间歌唱的能力,并要求根据歌曲的需要,或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息,要做到这些,就不是简单的事了。所以歌唱时的呼吸作为一种艺术手段,有它自身特有的一套规律和方法,它是一项技术性问题,是后天训练出来的。
很多朋友认为自己唱歌不好,也许其实你并不是唱不好,只是不会唱。唱歌怎么入门?唱歌入门需要了解哪些知识呢?下面是百文网小编为大家整理的唱歌入门训练,希望能帮到大家。
唱歌技巧之一:
首先要选择好适合自己唱的歌曲,不要盲目的选择歌曲来唱,要清楚自己到底是适合低音还是高音,节奏快还是节奏慢,为自己选择好适合的个很重要。
唱歌技巧之二:
平时多多听歌,多多唱歌,在听歌的时候仔细的挺好每一个旋律,这样可以培养自己的乐感,能准确地找到节奏,唱歌的时候才能跟上节奏。
唱歌技巧之三:
多锻炼身体,坚持跑步来锻炼自己的肺活量,保证气足,不会在唱歌换气的时候导致气短。同时也要选择好换气的点,找不好点也会导致气跟不上。
唱歌技巧之四:
在唱歌之前要先把嗓子清好,嗓子要干净,不能有痰。还要调整好呼吸保证开唱的顺利。
唱歌技巧之五:
把握好麦克风的位置,在唱歌的过程中要随时控制麦克风和口腔的距离,在换气或者是拉长声的时候要把麦克风的位置放远。
唱歌技巧之六:
唱歌的时侯还要注意姿势,在唱一些低音的时候可以适当弯腰俯身前倾,而到高音的时候可以上仰身体或者是仰头,这样可以让气发的更顺。
唱歌注意事项
要注意保护好自己的嗓子,适当地练唱,发声练习的时间,初学时20分钟一次为宜,以后逐渐地加至半小时或一小时,坚持每天练习最重要,绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱,容易使歌唱器官受损。
在没有能力唱高音之前,切勿作高音练习,经常唱一组你最满意的音,选择曲目更要谨慎,不要唱不适合自己的曲目。
每次练习应有新鲜感,精神集中,感兴趣地练习。
练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。
声乐训练特别需要时间,奇迹是没有的。“百分之十的智慧,百分之九十的努力”。
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唱歌发声是一门学问,要想巩固好基础知识,可以看看下面小编为你写的资料!一起看看吧!
(一) 姿势:头正,眼睛平视,面部和颈部肌肉放松,下巴内收。挺胸,略向前倾。两肩、双臂、手自然下垂,放松。肩膀向下、向后展开,这样有利于胸部的扩展。背部的脊椎骨始终要有向上、下两端延伸的感觉,即脊椎要立起来,但注意整个后背不要像铁板一样,那样整个脊椎会僵硬,把用力点放在腰椎上,即把力气用在腰椎上。两脚自然分开,或一前一后站稳,脚底 要有向上充实的感觉。整个人处在即积极又放松的状态。
(二) 面部唱相:眼睛有神,不要皱眉,脸是打开的,面带微笑,脖子到头顶都是自然兴奋的。双唇自然放松,嘴型是在自己的基础上以自然的微笑状态打开就够了。
(三) 放松:是相对的,不是绝对的。就是说在歌唱状态下放松(简单的说,该放松的放松,不该放松的不要放松。) 放松并不等于松懈。(例如:塌胸、驼背、脚站不直等等。)
我们在学习音乐的时候都会想要知道乐理的基础知识你,那你知道乐理的基础知识点是什么吗?以下是百文网小编分享的乐理基础知识点资料,赶紧快和小编来看看吧。
音乐语言的各种要素互相配合,具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂,但其它要素起了变化,音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下,其它要素甚至可起重要作用。
1、什么叫记谱法?一首曲子一般都包含高低、长短、强弱等要素。把这些要素用各种记号、符号记录在纸面上的方法叫记谱法。古今中外使用过和正在使用中的记谱法是有很多的。拿我国来说,古今使用过的记谱法就有多种。据说早在战国时代,卫灵公手下的音乐师叫师涓的,就能用某种记谱方法记谱了。据文字记载,我国隋唐时期就产生了工尺谱、减字谱(古琴用),宋代又又产生了俗字谱。工尺谱几经沿变,至今仍有民间艺人使用。不过近、现代在我国使用比较普遍的是简谱和五线谱,尤其以使用简谱的人最多。从世界范围来看,使用最普遍的是五线谱。
2、什么是简谱?简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法,读过书的中国人几乎都认识它。这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂1665年提出来的。后来,将它加以改进和积极推广的竟然是法国著名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐,在欧洲几乎从未普及过。1882年前后,美国人梅森到日本讲学时把它传入日本,19世纪曾有一度在日本学校通用过,不过后来他们也不用了。清朝末年,简谱通过留日学生传入我国。1904年,沈心工先生编写的“学校唱歌法”一书出版,曾风行一时,从此简谱便在我国普及开来。笔者认为,简谱作为一种大众化的记录方法,在我国普及和推广音乐方面曾经而且仍在发挥很大的作用。不过由于它记谱有不少局限,而且现在世界上绝大多数国家又都不用它,我们应当创造条件推广、普及五线谱,以利于提高音乐水平及与世界各国进行音乐文化交流。
3、什么是五线谱?五线谱是世界上使用最广泛的记谱法,在目前的记谱法中,五线谱相比较而言最为严密、准确、科学。它用五条平行横线记录声音的高低,用空心(或实心)椭圆或在它一侧加竖线(有的还在竖线的一端加“尾巴”)的图形作音符,表示音的长短(实例请见本站登载的曲谱)具有立体感,便于记录多声部音乐。它17世纪末正式传入我国,在清朝康熙年间宫廷编撰的“律吕正义续编”中,对它有详细介绍,可见传入我国之久。1930年,音乐家刘天华先生将梅兰芳唱的戏曲用五线谱记录下来,出版了“梅兰芳歌曲谱”,该书是我国第一部记录戏曲音乐的专集。有些人认为五线谱比简谱难学。有这种观念是容易理解的。其实主要原因并非五线谱难,而是改变从小养成的读谱习惯难。你从小接触的乐谱都是简谱,已经习惯于简谱那一套,现在要改当然难了。如果从幼儿园开始就用五线谱,小学、中学音乐教科书也一律如此,平常所见的谱都是五线的,旷日持久,就习惯成自然了。现在有不少孩子三、四岁就开始学钢琴(学钢琴就非用五线谱不可了),由浅到深,由简到繁,读谱练琴齐头并进,所以不少孩子年纪虽小,视读线谱的能力却比许多成年人强得多。什么道理?熟能生巧嘛!
4、什么是小夜曲?文章有各种体裁,如记叙文、议论文、诗歌、散文等,都是文章的体裁。音乐也有各种体裁,如小夜曲、摇篮曲、奏鸣曲、圆舞曲、小步舞曲、波尔卡、玛祖卡……都是音乐的体裁。小夜曲是音乐体裁的一种,是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学,流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初,小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱,倾诉爱情,旋律优美、委婉、缠绵,常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展,其形式也有所发展。“中外著名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲,都在世界上流传甚广。
5、什么叫波尔卡?“波尔卡”这个标题不是起概括和提示音乐内容的作用,而是表明它的体裁属于一种男女对舞用的舞曲。起源于捷克民间,曾经风行全欧,西洋不少著名作曲家都用过这种体裁写过音乐作品。它一般为二拍子,节奏活泼、欢快。
6、什么叫玛祖卡?也是属于男女对舞用的舞曲。起源于波兰,也曾在欧洲风行一时。它与波尔卡最大的区别是前者为二拍子,而它却是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小节的第一拍,而玛祖卡却常落在第二或第三拍。比如“浅易琴谱”中所登的汤姆生《玛祖卡》,多数小节的重音就是如此。玛祖卡所表达的情绪一般都活泼热烈,演奏时需掌握这个特点。
7、什么叫小步舞曲?“浅易琴谱”里已登了两首由巴赫作曲的小步舞曲,其实巴赫写这种体裁的作品并不止两首,而且许多古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等也都写过以“小步舞曲”命名的作品。小步舞曲起源于欧洲的宫庭,曾在法国宫庭流行一时。它是一种三拍子的舞曲,速度缓慢,从容典雅,颇具贵族的风格。
8、什么叫圆舞曲?圆舞曲又名华尔滋,也是一种三拍子的舞曲。起源于奥地利的一种民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会上,十九世纪风行欧洲。以斯特劳斯的佳作《蓝色多瑙河》最为著名。它有快步和慢步两种。与同样也是三拍子的玛祖卡不同,它的重音一般都落在小节的第一拍上。也与同样是三拍子的小步舞曲不同。圆舞曲的特点是节奏鲜明,旋律流畅,不象小步舞曲那么温文尔雅。不过必须明确,音乐不是数理,不是逻辑,这种区别只是就一般情况而言,并非是绝对的。
9、什么是“学堂乐歌”?本站“近代名歌”栏目中“送别”、“国民革命歌”、“夕会歌”等中国近代早期歌曲,被称为“学堂乐歌”。这究竟是什么意思?
清朝末年、民国初年,当时的政治改革家们主张废除科举等旧教育制度,效法欧美,建立新型学校,于是一批新型的学校逐渐建立了起来。当时把这类学校叫做“学堂”,把学校开设的音乐课叫做“乐歌”科。所以“学堂乐歌”,一般就是指出现于清朝末年、民国初年的学校歌曲(类似当今的校园歌曲)。学堂乐歌的倡导、推广者以沈心工、李叔同等启蒙音乐教育家为代表。今天的年青人可能很少人认识它们,但在我国近代音乐史上却占有很重要的地位。早期的的学堂乐歌以旧曲填新词为主,用中国民歌、小调的曲调或欧美歌曲的曲调填进创作的新词。这可以说是它们的特点之一。
10、andanteallegro.....什么意思?这是在钢琴乐谱上常见的外文字。这类外文字叫音乐表情术语,多数用意大利语。
11、在西洋音乐史上,叫做“斯特劳斯”的著名音乐家有四个,请注意不要张冠李载。第一个大名顶鼎,他就是大家耳熟能详的《蓝色多瑙河圆舞曲》作者约翰。斯特劳斯,有圆舞曲之王的美名;第二个就是新年音乐会压轴节目《拉德斯基进行曲》的作者,也叫约翰。斯特劳斯,是前者的父亲,为表示区别,人们常在其名字的前面加一个“老”字,或者在其名字后面的括号中加一个“父”字。小约翰的音乐成就来自父亲的启蒙,后来超过老子,但老子却坚决反对儿子搞音乐,还曾为此上过法庭告过儿子呢。第三个叫弗兰兹。斯特劳斯,是十九世纪德国大音乐家瓦格尔的同代人,是当时慕尼黑宫庭乐队的首席圆号手,他在音乐上并没有可以写入史册的成就,却因多次敢于公开对瓦格尔表示鄙视而出了名。第四位是此人的儿子,叫兰兹斯特劳斯,以创作交响诗和歌剧著名。
12、以“多瑙河”命名的最著名圆舞曲有两首:一首是约翰。斯特劳斯的《蓝色多瑙河圆舞曲》,另一首叫《多瑙河之波圆舞曲》,是与斯特劳斯同时代的罗马尼亚音乐家伊凡诺维奇写的,原来是管弦乐作品,因为写得美,又适宜用人声来唱,人们便填词而使它成了声乐作品。这两首作品,堪称圆舞曲的双璧或姐妹花。
13、“哈巴涅拉”与“圆舞曲”“波尔卡”一样,都是西洋舞曲中的体裁。它起源于古巴,其音乐特点为中速,二节子。比如本站“钢琴乐谱”栏目中比才的《哈巴涅拉舞曲》所呈现的节奏型,就是这种舞曲典型的节奏型。
交谊舞是体育与艺术、音乐与舞蹈相结合的项目,它集娱乐,运动,艺术于一体,是文明社会里的一种高雅活动。下面是百文网小编为大家交谊舞入门基础教学视频的相关资料,供大家参考!
1.情:表达感情是舞蹈的核心,舞蹈演员的舞蹈作品能否打动你,是否能看到表达出的情感,这是最重要的。
2.柔:动作柔中有刚,刚中有柔,刚柔相济,柔美却不懒散与无力。
3.美:动作美、体态美、形神兼备,叫人赏心悦目,目不暇接。
4.韵:韵律、韵味,即音乐性,有情感,有音乐感。
5.健:健美,即要有力度感,神态、体态都不是软塌塌的,该刚的时候要看到刚的一面。
6.准:动作的规范性准确,动作、舞姿、造型,不多不少,有分寸。
7.轻:体态轻盈如同一片羽毛,即使是大跳时也有如同燕子般轻盈的感觉。
8.洁:动作干净,不拖泥带水,清脆利落,使观众觉得豁然开朗,心情愉快。
9.敏:动作像燕子穿帘一样敏捷。如果手和脚的动作不敏捷,说明功夫不到家。
10.稳:稳如泰山,将技巧性动作变成舞姿,必须有一个稳定感,稳当、稳妥、稳重,中心必须有平稳感,脚跟站稳。
随着女大学生对拉丁舞喜爱度的提高,越来越多的女生加入到拉丁舞的教学中去,成为了拉丁舞教学的一大主体。下面百文网小编给大家收集拉丁舞伦巴基础入门舞步教学视频,一起来看看吧。
一个人而异,以下小编的个人看法,希望可以帮到你。
Step A:双手扶着墙壁,将右脚向左斜前方跨出站立。此时重心摆在右脚。膝盖伸直,并用力收缩臀部。
Step B:将左脚尖向右脚内侧,(滑动时,左脚不离地面,脚跟提高脚尖着地,左膝盖弯曲)。当左脚挪动时请收紧臀部。
Step C:左脚挪动后,身体顺势向右扭,左脚稍向右斜前方跨出。膝盖伸直,重心放在左脚上。
Step D:以Step B的要领将在后方的右脚拖靠到左脚内侧,并收紧臀部。 这个动作可以锻炼大腿前侧肌肉,恢复紧实,缩小大腿围,燃烧大腿多余的脂肪,提高臀部。
注意事项
1、在呼吸不畅的情况下,请先休息片刻后再决定是否继续。
2、不要过于疯狂,扭腰过猛,以至于伤了脆弱的腰部。应在感觉舒适的范围内活动腰部,否则你回家还得倒在周林频谱仪旁边烤电半小时。
3、拉丁激情强大,很多人会跳得忘我,但请注意如果感觉不适,如腿部疲劳抽筋、身体局部疼痛、眩晕、心率过快等,应停止练习。
4、关节不宜太过紧张,健身者踏步时肩关节要放松。
5、动作难度较大时,鉴于拉丁舞对上半身动作要求不高,建议先学脚下再加手臂动作。
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拉丁舞是一项艺术性非常强的技能类表现难美性运动项目,具有较高的艺术观赏价值。下面是百文网小编给大家收集了拉丁舞儿童基础入门教学视频,一起来看看吧。
一、头抬起来
大家在跳舞中,偶尔看看自己的脚型无可厚非,可是很多初学者,整首曲子从头到尾头都是低着的,看起来很不自信,教师提醒只注意一会,就又回到原来的样子,这是很不雅观的,也是不允许的.正确的方法,是把头抬起来,眼睛正视正前方,在正前方找一个目标,眼睛看着目标,不仅能保持身体的线条,而且也能给别人一种看起来很有神的感觉,自己行走的路线也会更稳定.
二、在开始练习自己的f花步之前,要先增加自己的稳定度
穿上舞鞋的感觉,跟穿一般的鞋子不太一样,刚穿上的时候,可能脚会很不习惯,有一种不会走路了的感觉,这时的不稳定是很正常的,适应一段时间就会好起来的.请大家先不要急着开始花步的练习,这时候练习花步显然是很不合适的.大家先多走走基本步,让自己熟悉舞鞋走舞步的感觉,要坚持练习,只要坚持有个三五个月就能稳定了.以后再练习花步就会很自如.
三、多听音乐
多听音乐对我们掌握各舞种的特性是很有帮助的.我们在跳拉丁舞的时候,要掌握舞种的特性才能把舞蹈真正的用肢体准确的表达出来.熟悉不同舞种的运律感,用身体去感觉音乐节奏还要在练习的时候数拍子,慢慢的才能适应音乐,才能准确的表达音乐感情.
四、多找同伴一起练习养成在别人面前表演的习惯
在别人面前跳舞,可能是常人不太习惯的,没关系慢慢来.其实在人多的时候表演是很有挑战性的,它会产生很强的刺激,也能增强人的表演欲.和同伴在一起练,互相之间能找毛病,进步会很快的.
五、练习拉丁舞的时候要穿上你最美的舞衣
因为舞蹈是舞者用肢体来表达语言的方式,舞衣是对舞者最好的装饰,也是对舞者舞蹈效果起关键作用的.拉丁舞和其它舞种不同的是比较强调绅士和淑女幽雅共舞的。
爵士舞作为一种国际性舞蹈在我国得到了非常快速的发展,作为一种全身的活动,爵士舞对身体的任何部位都会充分运用,这对提高运动肢体的协调性、柔韧性和爆发力都具有十分重要的意义。下面百文网小编给大家收集了爵士舞入门基本功教程,一起来看看吧。
一、左腿伸展
站立,两腿分开,两脚之间均匀地分配你的体重在第二个位置。弯腰,伸展你的右腿向下。允许上半身向右腿下降,如果可能的话接触。让左手休息,旁边的右脚踝。你的右手轻轻地在你的背上休息,让一个不错的舒展沿胸部。请确保你的膝盖保持伸直。保持伸展30秒,不强制。
二、右腿伸展
站立,两腿分开,两脚之间均匀地分配你的体重在第二个位置。弯腰,伸展左腿向下。让上半身向朝左腿下降,使得如果可能的接触。让右手休息,旁边的左脚踝。你的左手应该休息,轻声对你的背部,让一个不错的舒展沿胸部。请确保你的膝盖保持伸直。保持伸展30秒,不强制。
三、拉伸中心
在第二个位置站立,双腿分开,体重均匀分布在双腿之间。弯腰,伸手抢两条腿的脚踝。保持你的脚后跟在地板上,你的膝盖伸直。使用你的武器增加的阻力,向下伸展你的躯干你的双腿之间。让你的头自然垂下,没有紧张的颈部。保持30秒。
四、车身侧倾
从中心伸展的位置,卷起的站立姿势。铅与臀部,使背部卷起一次一个椎骨。你的头应该遵循身体的其他部位。尽量保持你的肩膀上,你的膝盖伸直。
五、侧躯干伸展
站立,双脚分开排在第二的位置,双手放在你的臀部。弯腰,伸展你的左胳膊举过头顶,伸向右侧。保持你的臀部广场,你的膝盖伸直。伸展保持30秒。左侧重复。
六、平板背部伸展
双脚并拢站立,背部挺直,肩膀放松。到达双手在头部上方。弯腰,双手向前到达。你的膝盖伸直,保持你的背部完全平坦的。保持你的手臂贴近耳朵。确保你的头部和颈部都感到放松。保持30秒。
七、平背摔伸展
从平坦的背部有伸展的位置,让你的身体伸展到地板上。让你的膝盖和手臂伸直。如果你是非常灵活的,用你的武器对你的腿拉你的躯干。保持30秒。
八、点和柔性腿伸展
躺在你的背部,双腿伸直,你的体重,你的双臂和双肘支持。抬起你的右腿到空气中。保持你的腿尽可能靠近你的头,感觉很舒服。保持你的膝盖伸直,交替指向和弯曲抬起脚的脚趾。换腿点和弯曲的左脚。
九、侧面平铺拆分拉伸
坐的骑乘位置,延伸你的腿,只要你是舒服。达到向你的左胳膊,右腿伸展右臂向你的另一条腿。保持20到30秒的伸展。左侧重复。
十、中心平铺拆分拉伸
在一个宽跨位置坐,腿伸直尽可能舒适。没有弯曲膝盖,达到的中心。你可以尽可能伸展,同时保持平背。尝试奠定你的身体在地板上,用你的双手为支撑。保持20到30秒的伸展。
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爵士舞是人们创造力与精神追求的体现。因为是美国黑人在街头展现自己个性和表达内心的一种舞蹈,所以称之为爵士舞。下面百文网小编给大家收集了单色爵士舞基础入门教学视频,一起来看看吧。
1、音节
从听音乐开始,这里听的不是纯爵士乐,而是时下流行的各类适合NEW_JAZZ的歌曲。听音乐听什么?当然是听节奏。培养乐感。一只曲子你要听出它的节奏什么时候快,什么时候慢。慢时有几个八拍,快时又有几个八拍。因为舞蹈向来是和曲子结合在一起,步子动作的快慢取决于曲子的快慢。好的乐感有利于和音乐配合默契,而且能很快适应新的曲子。
2、踩步
其实这节是要和音节课一起进行才最好,踩步课简单来说就是指跟着音乐做简单摇晃动作,这节的主旨就在于要做到踩步的快慢和音乐的快慢一致。不仅仅是脚步的动作跟的上。四肢的动作包括头部摆动都要节奏一致。培养乐感和身体的协调性。算是最基础的必修课。具体方法不再赘述。锻炼重点:乐感,身体协调性。
3、强化
如果你前两节都合格。这时候可以开始你的动作全方位强化课。一般我们把动作分为上下,前后,左右,立体的18方位。所有的动作都包括在这18方位里。女子爵士的每一步都是全身,各种方位的集合体。很少有一个方位的动作。
4、表情气质
无论你在私底下的性格是什么样。跳NEW-JAZZ就要立即必备那种爵士的感觉。总体来讲,自信,帅气,霸道,慵懒,流畅。SEXY。是大体上爵士的感觉。包括你的眼神。动作和神情都要和自己的舞步融在一起。当然气质不是光靠练习就可以的,它比较抽象。但也是JAZZ中好坏高低评价的分水岭。毕竟动作大家努力的话都可以学会,但是味道不是人人都能出的来的。
5、全面化配合课
再下来就是配合。包括与人的配合(与女女配合,与男生配合跳的步子)。与物的配合(椅子,爵士棍,丝带,瓶子,帽子等等的配合动作)。在全方位的培养下成为10项全能JAZZ达人。
爵士舞是一种外放型的舞蹈,活泼而具有生气,富有节奏而又动感。爵士舞是一种美国的流行舞蹈,它风靡世界各国。下面百文网小编给大家收集了单色爵士舞零基础入门教学视频,一起来看看吧。
爵士舞即美国现代舞,是一种急促又富动感的节奏型舞蹈,是属于一种外放性的舞蹈,不像古典芭蕾舞或现代舞所表现的一种内敛性的舞蹈。爵士舞蹈最初是非洲舞蹈的延伸,经被贩卖作为奴隶的黑人群体带到美国本土,而在美国逐渐演进形成本土化、大众化的舞蹈。
爵士舞主要是追求愉快、活泼、有生气的一种舞蹈。它的特征是可自由自在的跳,不必像传统式的古典芭蕾必须局限于一种形式与遵守固有的姿态。
随着美国流行文化的发展,伴随着芭蕾舞普及和百老汇文化的推广,特别是街舞文化体系的出现,爵士舞已经和以往的马甲、西裤、皮鞋、手杖的表演形式完全不同,在博采众家之长之后慢慢发展出属于自己的独特风格,早已不再是自由即兴的表演格式,在20世纪末期的流行音乐及舞蹈MV的发展大潮中,流行天王迈克尔杰克逊为杰出代表。为了适应现代表演的需要,之前那种完全自由化的风格已经慢慢被各种风格的规律和要求所限制,变成一种自由与规律并存的风格。
芭蕾舞起源于欧洲,最开始在欧洲皇室小范围流行,近代,随着时代的变迁,芭蕾舞已经比较普遍。下面是百文网小编给大家收集了芭蕾舞入门基础视频教学 ,一起来看看吧。
形体芭蕾,主要以其美学观念特殊而与传统艺朮相区别。它以反对历史悠久的古典芭蕾舞开始,进而对一切舞蹈传统观念,乃至要求背离一切公认的舞蹈原则。
于是,不仅各个舞蹈家间在舞蹈主张和舞蹈面貌上歧杂多样,就是一个舞蹈家也常常提出几种不同的舞蹈主张,创作出面貌不同的舞蹈作品来。美国现代主义舞蹈家海伦﹒汤米尼斯在其演出宣言中曾概括过这一舞蹈流派的与众不同之处:它“不存在普遍的规律,每一个艺朮家都在创造自己的法典。”这大约可以说明现代主义舞蹈的最主要特征。
1.舞蹈者不着芭蕾舞鞋与舞裙,不按古典芭蕾舞动作体系进行专业训练,不必顾及已经存在的任何一种舞蹈形式以及公认的舞蹈法则,也可以不受形式美规则的限制,而任意设计任何舞蹈样式﹔
2.舞蹈中不必塑造人物形象,不必表现故事情节,不必表现生活场景,总之,舞蹈要排除“再现性”,而强化“表现性”,表现抽象的观念,表现“自我”,表现内心的冲动,表现本能,表现潜意识,表现直觉、幻觉和梦境﹔
3.舞蹈也可以不表现“自我”,而只是一种“纯动作性”的表演,有了动作就有了一切,不要求动作体现什幺内容﹔
4.尽量排除舞蹈创作人员在创作中的主观作用,使创作不受意识的支配,而具有最大限度的任意性﹔
5.舞蹈以内容失去客观性为高,含义模糊,观赏者认为表现了什幺就表现了什幺﹔
6.舞蹈走向非舞蹈化,把人们生活中任何的动作都视为舞蹈﹔
许多现代主义舞蹈家倡导创新,倡导舞蹈充分表现人们的真情实感,并为之在技朮上刻苦钻研,丰富人体的表情手段,开发了人体表演新区,对于舞蹈艺朮的发展起到了积极推动作动﹔但是,现代主义舞蹈在理论上和实践上的唯心主义、形而上学和违反艺朮规律的表现也往往是十分突出的。
在中外文化频繁交流的今天,现代舞这种源于西方的舞蹈形式逐步被我国的观众接受和欣赏。观众对于这一艺术形式的探求变得更加急切。下面百文网小编给大家收集了现代舞基础入门视频教学,一起来看看吧。
(1)现代舞的生活观是宽容大度,乐观向上,随遇而安;它的艺术观是求同存异,“八仙过海,各显神通”。美国现代舞第三代大师默斯-堪宁汉曾说过:“如果你不喜欢别人的作品,那就编一个自己喜欢的好了。”
(2)量的概念在现代舞中是第一位的。格莱姆的“巨匠”桂冠应该说是由无人匹敌的180部舞剧和舞蹈构筑起来的。她的同窗也曾指出:“你想编一个出色的舞蹈吗?那么,先编出100个糟糕的再说吧!”
(3)美的概念在现代舞中早已不是唯一的追求;而在现代美学中,美更不是至高无上的概念。因此,美或者不美,不应是衡量现代舞作品高低的唯一标尺;格莱姆初出茅庐时,她那带棱带角,更带着对即将到来的新时代之敏感的抽搐动作,曾被当时报界辱骂成“要么是癫痫突然发作,要么是分娩迫在眉睫”。但是几十年之后,当整个世界都在运用她那痉挛性的表情方式之时,她的“收缩-放松”(Constraction-Release)动作原理则被当做是新时代的号角和新美学的代表了。
(4)新与旧的概念在现代舞中不是绝对的是非关系。尽管新的不一定总比旧的好,但新的每每比旧的更有趣,更能唤起人们的注意。
(5)对现代舞作品,应该尽力避免是非曲直的判断,尤其是在看远离传统观念的后现代舞时更应如此。舞蹈是离经济基础和意识形态距离较远的审美学,而不是伦理学。
(6)对现代舞作品,尤其是对那种以实验为目的的新作品,包括学生的习作,最好不做价值高低的判断,而应以竭力挖掘其创造的潜力,理解其创造的动机为根本宗旨。
(7)一切舞蹈创作归根结底,都是在有意无意地探索“舞蹈是什么?”这样一个哲学和美学命题。
(8)可舞性这个在古典舞中地严重问题,在现代舞中完全不成立,因为现代舞的概念如此宽泛,因为大自然在现代舞者的眼里无一不是在跳舞,因为人的每种行为和每个动作无一不是在跳舞。美国现代舞第三代大师保罗-泰勒说:“我们缺少的不是动作,而是发现那些能为自己的目的出色服务的动作的眼睛。”
(9)思想性和哲理性一直是现代舞蹈家的重要特征之一。而不再是那种只会模仿,而不思创造的艺人和匠人。
(10)有必要弄清现代舞的宗旨是大胆的实验和严肃的探索,而不是廉价的讨好或技术的炫耀。
现代舞是与生命最直接、最多元化、最开放、最自由、最基本又最高级的艺术语言。下面是百文网小编为大家整理现代舞基础入门教学视频的相关资料,供大家参考!
现代舞和古典芭蕾对舞者的要求有什么区别呢?古典芭蕾要求“三长一小一个高,八字要领最重要”(长胳膊、长腿儿、长脖子,小脑袋加高脚背儿,以及“开、绷、直、立”的肢体条件,“轻、高、快、稳”的动作要领)而现代舞遵循“因人而宜、因地制宜、灵活机动、小型多变、身心并用、大脑领先”的原则。
一、修长美腿,瘦手臂
STEP1:站姿,右脚屈膝向上抬起,绷直脚背,左手伸直向前抬起,右手向右后方抬起,保持身体站稳;
STEP2:恢复站姿;
STEP3:同理,左脚屈膝向上抬起,绷直脚背,右手伸直向前抬起,左手向右后方抬起,保持身体站稳;
STEP4:恢复站姿。
TIPS:完成本动作,注意呼吸,保持身体稳定,多练习,不久就可拥有修长的美腿,还可以瘦手臂喔!
现代舞简单美丽易学可轻松减肥
二、准备动作:两腿贴紧,脚尖打开向外;
STEP1:绷紧脚背,屈右膝,右腿慢慢在右侧抬起,双手伸直抬至与肩膀平行,上身在腰背的带动下向左侧倾,眼睛看向左侧地面;
STEP2:恢复站姿;
STEP3:同样做反方向动作,绷紧脚背,屈左膝,左腿慢慢在左侧抬起,双手伸直抬至与肩膀平行,上身在腰背的带动下向右侧倾,眼睛看向右侧地面;
TIPS:完成本动作,注意呼吸,保持身体稳定,头部的摆动,可增加动作的美感,多加练习,对瘦腿纤腰很有效喔!
正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐,呼吸是歌唱的原动力。以下是小编整理的唱歌零基础入门技巧,希望可以提供给大家进行参考和借鉴。
用一块木板,长度比我们的肩宽一些,宽度比我们的鞋子长度稍宽四角打一个洞,用两根绳子穿过洞,绳子的长度与我们垂下的手指处相齐(参阅图八)。我们站在木板上,吸一口气,然后将气闭住,张大口用力拉绳子,就可以感觉到什么叫对抗了。这时,我们的脚增加了与地面的对抗,同时也让体内的气息与声带的对抗,这样高音更容易出来。我们还可用可口可乐的空铝筒(空啤酒筒),剪成像邮票大小的铝片,将两片铝片合起来(用手将铝片弄得稍弯曲一些),于是合起来的铝片当中就有一个缝。再在铝片的一头夹上一片旧绸布(可叠成三根火柴那样宽),然后用铁丝将铝片绑起来,就成为一个哨子。你试吹一个低音,再吹一个高音,从这一比较中就可以感觉到唱高音的气息和姿势了。
正确发音
雄浑圆润的歌唱发音
良好的歌唱呼吸,为歌唱提供了最重要、也是最基本的条件。没有呼吸就没有歌唱。然而,有了歌唱呼吸是不是就等于有了歌唱呢?这是不能划等号的,因为声音的产生既离不开呼吸,也离不开发声器官的作用。发声器官是怎样发生的呢?
发声器官及发声原理
发声器官是由喉咙及其肌肉、软骨和声带组成。气管的上部是喉头,喉头中部有一个器官叫声带,共有一对,左右并列,性质相当于两条很强的韧带,表面很均匀的盖有一层粘膜,声带是唱歌的发音体,声音便是由声带的振动发出来的。
喉头是一个精巧的小室,在软骨和肌肉的相互作用下,能够对声带进行调节,吸气时使两条声带分离,声门打开;呼气发声时,两条声带又相互靠拢,在呼吸的作用下,能调节其长度、厚度和张力,使声音产生高低强弱的变化。
在发声开始前,声带进入发生准备状态。开始发声时,两声带达到必要的紧张度并相互靠拢或闭合,使声门关闭。
此时由于呼吸肌群的作用,储存在肺泡、支气管里的空气被排出,使声门下气压开始增高,当气压超出声带闭合紧度时,空气就会周期性地迫使声带稍向两侧分开冲出来。在冲出后的一瞬间,声带借本身的弹力以及缩小声门肌肉的作用,声带重又恢复原来闭合的状态。接着又是增高气压、冲开声带和随之闭合。由于声带有节律地冲开与闭合一系列振动,气流通过声门形成一系列"气喷"造成空气稠密和稀疏相间的动荡状态而形成声波,即声门波。此声门波再经喉腔、咽腔、口腔、鼻腔等共鸣体的放大与美化,就成为人的嗓音,即人声。
真假声和混合声
真声:音色饱满的一种声音。其发声状态为:发声时声带拉紧,两声带靠拢,作整体振动;声带张力较强,且依张力大小来调节音的高低。
真声主要是固体振动,发出的声音刚劲有力,结实,使用中、低声区方便自如,与人平时讲话的音质比较接近。真声发出的声音具有强烈的"个性"。
如:当我们听某人说话就知道是谁。但真声的音域不宽,音域约从g-f2,不产生换声区或换声点,在g2以上的声音变成假声,出现明显的换声痕迹。
由于歌唱有音高、时值的要求,完全用真声就不能很好的使用歌唱的要求。
假声:音色带有特殊矫揉意味的声音。其发声状态为:发生时声带振动相对放松,声带张力不强;声带在拉紧的状态下,作边缘振动;声音的组成既有气体振动的成分,也有边缘振动(固体)震动的成分。音质不同与真声。
假声的音域从c-a2/c3,在#f2 以上声音的威力得到充分发挥。但假声里泛音成分少,因而中低声区的声音不够结实。
如果高音用纯假声,就会使得音色单调、失去"个性"、无表现力。
混合声:是真声和假声两者想混合的声音。其发声状态为:从低声区开始,就使声带边缘变薄,参入少量假声,随着声音的上行,假声成分逐渐增多,但仍不失少量真声。
中声区真假声近于相半,混合共鸣较好。混合声的音域较宽,约从a-a2/a3.整个声区自下而上均为真假声混合。声音统一连贯,无明显换声区或换声点。
这种声音的效果是"真中有假,假中有真,真假难分","真声不炸,假声不虚,混在一起"。
一般说来唱高音时假声成分多些,唱低音时真声成分多些,唱中音时真假混合成分多些。
混合声使高音空灵,低音雄壮结实,由于它具有真声色彩,比较接近我们民族的语言,容易做到吐字清楚,声音上下贯通又比较方便,所以,它符合中国观众的欣赏习惯。
混合声已被越来越多的民族唱法歌唱者所采用。其实,在我国传统戏曲、曲艺、民歌中混合声早已有应用,只不过由于它们各自有着不同的剧种风格、语言和地方欣赏习惯,所使用的真假声比例不同而已。民族唱法所追求的自然混合声,必须经过科学的训练才能获得。