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五线谱是目前世界上通用的记谱法,是指在5根等距离的平行横线上,标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐的一种方法。下面就让百文网小编给大家介绍一下五线谱的相关乐理知识吧!
相对于简谱,五线谱的优势是在视觉上音的高低有明白的显示。比如那些复杂的和声(在一个位置上有几个音同时出现)很容易识别,视觉非常清楚;在表示旋律方面尤其是高高低低的众多音的形态更是一目了然,因此在国际上广为使用的基本都是五线谱。可以说五线谱是音乐中的“世界语”。 但除基本谱表的五条线外,上、下方常会出现繁杂的临时加线,谱号后面及谱中,还有密密麻麻的调号或临时升降记号,不同音组的同一音处于不同的位置,缺乏规律性,初学者使用起来十分困难,需要长时间反复练习。
乐理中的五线谱 (Musical Notation)是目前世界上通用的记谱法,是在5根等距离的平行横线上,标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐的一种方法。下面就让百文网小编给大家介绍一下五线谱的基本乐理知识吧!
用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
在五线谱上音的位置愈高,音也愈高,反之音的位置愈低,音也愈低,但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低,必须用谱号来标明。谱号记在五线谱的某一条线上,便使这条线具有了固定的音级名称和高度,同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。
乐理内容包括很多,,我们弹琴的时候是用心来弹,这样才能做到琴人和一。而我们练习或学习的时候要用头脑来弹,这样你才能快速的成长。以下是小编为你整理的初级乐理知识学习方法资料。
学好乐理的第二个要点是:多听,多看,多记.多听音乐作品,多看作品分析,多记曲谱.其中最重要的是多记. 要是只学基础乐理部分话,单旋律作品记的多了就可以.要是学配器指挥的话,那就要多记多声部乐曲,比如说一些经典的成品管弦乐和合唱曲,有几个声部就背过几个声部,最好能默写下来.那样的话,和声,曲调.乐器法等也就有了基本的了解,学起来也容易的多.但是要想记谱最好的办法还是咱说的第一条:会一种乐器,自己去演奏,当然就记的快.所以说学乐理的最好办法还是离不开乐器.我想如果这里谁能把贝多芬的九个交响曲的总谱倒背如流的话那他一定在音乐界是个大师了.
比如说吉他乐理:
首先,找一些简单的歌或曲子,时下里现在的流行歌曲大部分都很简单,你可以找一个自己喜欢的,然后做以下准备。
1、歌曲CD
2、一把调到标准音的吉他
3、一个质量好的耳机
4、纸、笔
准备工作做好后,我们就开始今天的工作了。
一、先为歌曲定调
在大多数歌或曲子中,在歌曲末尾处的贝斯最后一个音阶往往都是这首歌的调式音阶的主音,然后就找到你听到的音阶的音高在吉他的指板相应位置,这就是这首歌曲的调。
二、为歌曲扒旋律
仔细听这首歌的旋律,用吉他对应相应的音高,一句一句的听,一句一句的记,需要你不断的确认,没什么多说的。只要认真的听,基本上没什么差错。
三、为歌曲扒和弦
对一个没有系统的学过乐理的人来说,这是最难的地方,因为他不象旋律那样只有一个音组成,这就需要你有很好的耳力,很多的积累。但是,对于一个初学者要达到这样的水平是不可能的,但是用已下的方法也能基本做到。这就需要在有歌曲的旋律的前提下,按照旋律为歌曲编和弦,然后在听歌曲中的和弦是不是和你的一样,按照相应的和弦走向一点点的边编边扒。
四、完成后找的这首歌曲的谱子,对照你扒的谱子,看一看有什么不同,为什么不同,这样你就会不断的成长。
钢琴五线谱入门,本文从最基本的钢琴五线谱的构成说起,帮助初学钢琴的琴友来认识钢琴五线谱。钢琴五线谱乐理知识你知道哪些?下面是百文网小编为你整理有关于的钢琴五线谱乐理的相关知识,希望能对你有用!
钢琴五线谱入门,本文从最基本的钢琴五线谱的构成说起,帮助初学钢琴的琴友来认识钢琴五线谱,快速实现钢琴五线谱入门。
钢琴五线谱的构成
用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。
假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
连谱号:包括起线(连结数行五线谱的垂直线)和括线(连结数行五线谱的括弧)两个组成部分。括线分花的和直的两种。
音符和休止符
用以记录不同长短的音的进行的符号叫做音符。
用以记录不同长短的音的间断的符号叫做休止符。
音值的基本相互关系是:每个较大的音值和它最近的较小的音值的比例是2与1之比。
例如:全音符等于两个二分音符,一个二分音符等于两个四分音符;全休止符等于两个二分休止符等。
拍号
在一段音乐进行过程中,乐音通常会以一定的力度強弱來反复进行,如一般常见的华尔兹舞曲就是以"澎-恰-恰"(強-弱-弱)的三拍子形式來进行,这就是拍号。
谱号在五线谱上音的位置愈高,音也愈高,反之音的位置愈低,音也愈低,但到底高多少?低多少?却无法确定。
在五线谱上要确定音的高低,必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上,便使这条线具有了固定的音级名称和高度,同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。
通常用的谱号有三种:
G谱号 表示小字一组的g,记在五线谱的第二线上,叫高音谱号;
另外有记在第一线上的,叫古法国式高音谱号。
F谱号 表示小字组的f,记在五线谱的第四线上,叫低音谱号;另外还有记在第五线上的,叫倍低音谱号。
C谱号 表示小字一组的c,可记在五线谱的任何一线上。
目前被采用的C谱号有C三线谱号(中音谱号)为中音提琴所用,有时也长号所用。C四线谱号(次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线,以使写谱和读谱更加方便。各种谱号可以单独使用,也可以连接起来使用,如高、低音谱号所组成的大谱表便是。
附点
附点是记在音符符头右边的小圆点儿,用以增长音符的时值。
如果一个音符的右边带有一个附点,那么就表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加1/2;
如果是带有两个附点的音符,则表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加3/4。
例如:同样,附点一样适用于休止符,它所表示的意义和用在音符后面时是一样的。
延长记号延长号
延长号的形状是在一个半圆形的中间加上一个圆点,在单声部音乐中,它写在音符或休止符的上面,表示按作品的风格、演奏者的意图可以自由的增长音符或休止符的时值。
在多声部音乐中,延长号也可以记在音符或休止符的下面。此外,延长号还可以记在小节线上,表示小节间片刻的休止。当延长号记在双纵线小节线上时,代表音乐的结束或告一段落。
延音线
延音线是一条向上或向下弯曲的弧线,其作用是:将两个或两个以上具有相同音高的音符相连,在演唱或演奏时作为一个音符,它的长度等于所有这些音符的总和。在单声部音乐中,连线永远写在和符干相反的方向。
如果是双声部音乐,则高声部的连线朝上弯,低声部的连线朝下弯。如果多于两个声部,连线则分别记在两边。
变音记号
用来表示升高或降低基本音级的记号,一共有五种。
1.升记号(#)
表示将基本音级的音高升高半音;
2.降记号(b)
表示将基本音级的音高降低半音;
3.重升记号(※)
表示将基本音级的音高升高两个半音(一个全音);
4.重降记号(bb)
表示将基本音级的音高降低两个半音(一个全音);
5.还原记号
表示把已经升高或降低的音还原。
学习钢琴就是要从最基础的五线谱开始学习,那么你知道钢琴五线谱乐理的知识有哪些?下面是百文网!让小编我来给大家整理这一些相关知识,希望能对你们有用!
①音的高低②音的强弱③音的长短④音色
⑴音有高低、强弱、长短、音色四种主要性质,在音乐表现中非常重要,其中以音的高低和长短最为重要。不知道您是否有这样的体会:对于一首歌,不管您人声演唱还是乐器演奏,唱的声音是小是大,也不管您演唱或演奏时用什么调,音的强弱及音色有了变化,但这支歌的旋律依旧。可是,如果这首歌的音高或音的长短有改变的话,则音乐的感受就会受到严重的影响。可见,对一段旋律来说,音高和音长短的重要性。
⑵音的高低决定于物体在一定时间的振动次数(频率)。振动次数越多,音越高;振动次数越少,音越低。音的强弱决定于振幅(声音波形的振动幅度)的大小。振幅越大,音越强;反之,振幅越小,音越弱。音的长短决定于音的延续时间的不同。音的延续时间越长,音越长;音的延续时间越短,音越短。而音色由发音体的性质、形状及泛音的多少等多种因素决定。
⑶那什么是音色呢?音色是指音的感觉特性,是音乐中极为吸引人、能直接触动感官的重要表现手段。发音体的振动是由多种谐音组成的,其中有基音和泛音,泛音的多少及泛音之间的相对强度决定了特定的音色。人们区分音色的能力是天生的,音色分为人声音色和器乐音色。人声的音色有高、中、低音,并且有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器,各种打击乐器的音色也是各不相同的。
五线谱是学习钢琴乐理中最难的一项,也是必要的一项,那么你们知道钢琴乐理五线谱有哪些具体的知识呢?下面和百文网小编一起去了解一下吧,希望对你有帮助!
自然音程
纯音程包括:纯一度、纯四度、纯五度、纯八度。
大音程包括:大二度、大三度、大六度、大七度。
小音程包括:小二度、小三度、小六度、小七度。
增四度、减五度也叫“自然音程”。
变化音程 变化音程是由自然音程变化而来的。
大小音程是可以互相转换的。举一个例子:大六度音程,如果把把冠音降低半个音,或者将根音升高半个音,那末这个音程就从大六度变成了小六度。由此可以看得出,音程的度数是由两个音之间的距离来决定的,音程的性质(大、小、纯、增、减)是由它所含的音数决定的,这就是变化音程。
协和音程和不协和音程 音乐在人听起来由舒服和不舒服的区分。这是由于同时出现的音(也就是和声音程)有协和与不协和之分。协和的音程人们听起来就悦耳,而不协和的音程人们听起来就刺耳、很难听,有一种压迫感。听起来悦耳的音程是协和音程,听起来是刺耳的、不融和的音程就叫做不协和音程。
下面我们先谈谈协和音程:协和音程一共有三种效果:
1 .极完全协和音程:纯一度、纯八度。
2. 完全协和音程:纯四度 、 纯五度。
3. 不完全协和协和音程:小三度、大三度、小六度、大六度。 以上这三种音程的音响效果各有不同: 极完全协和的音程,听起来是一个音,或者是几乎是一个音的效果。(纯八度有一点空洞的感觉)。完全协和音程,听起来是互相包容的,很舒服的感觉. (不完全协和音程,听起来有一点跳的感觉,虽然如此却还可以容忍,所以也算在协和音程之内)。
4. 不协和音程听起来就十分刺耳了,这种音程包括大二度、小二度、大七度、小七度、以及增减音程。不协和音程使人的听觉受到刺激。但是在特定的情绪和条件时经常使用到这种不协和音程的,我们在音乐作品会常常听到它们。
单音程和复音程 单音程比较简单些,它是指在一个八度之内的音程,叫做单音程。超过一个八度之外的音程叫复音程。
单音程的称呼比较容易一些,是几度就可以直接称呼。比如大三度、纯八度、增二度、小七度等等。
复音程相对来讲就比较复杂一些。简单的办法可以用“加七”或“减七”的办法来算。
用“加七”的办法算是这样的:把现有的度数加上七度,然后一共是几度就直接称呼它的度数。(请看谱例1里的1、3、5、6)
用“减七”的办法算是这样的:减去八度但是要称为“隔八度的多少度。
音程的转位 音程的转位:就是把音程上下两个音的位置颠倒过来(根音和冠音互相倒置)上方音成为下方音,下方音成为上方音。这就是音程的换位。
音程转位可以在一个八度之内,也可以超过一个八度。
音程的转位可以单独移动根音和冠音,也可以将根音和冠音同时移位。
谱例1:
音程转位以后出现的现象:
音程通过转位以后,除了改变它们之间的度数以外,还改变了它们之间的关系和种类。 1. 首先是大音程经过转位以后,都变成了小音程,而小音程却成为了大音程。 2. 增音程和倍增音程经过转位都变成了减音程和倍减音程。下面我们看一个图表:
音程转位以后改变了度数,计算的方法如下:原位音程的度数和转位音程的度数的总和相加起来是九度。要计算转位音程的度数只要在九度里将原位音程的度数减掉,就是转位音程的度数。
还有一个办法是反过来。将原位的度数与转位的度数相加等于九,也是可以的。
依次类推。(三) 音程转位以后不改变它们的性质,也就是说:协和音程经过转位仍然是协和音程,不协和音程还是不协和音程,不完全协和音程同样也是依旧。(四)音程经过转位以后,单音程变成了复音程,而复音程则变成了单音程。
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工尺谱历史悠久,它的乐理知识是学习音乐的人必须知道的知识。下面百文网小编给大家带来工尺谱的相关乐理知识,欢迎阅读!
工尺谱是为中国所特有的记谱方法。在民间流传甚广。直到今天许多老艺人还是习惯用工尺谱来演唱或记谱。在研究整理民族音乐遗产、向民间音乐学习方面,它仍有着积极的特殊的意义。
工尺谱系何时开始创用,已很难考查。根据历史记载,古代对工尺谱各音的写法与今天通用的写法也颇不一致。中国各地所流行的工尺谱,在写法上和读法上也仍然大不相同。
详尽地、系统地研究工尺谱,是个专门的学问,也是一件艰巨而复杂的工作。这里所介绍的仅是这方面的一般常识。
工尺谱在传统写法上是由右而左作直行书写的,也有以简谱的形式横行书写的。
在工尺谱中,音的高低是用“上尺工凡六五乙”七个汉字及其变体来标记的。根据一般的唱法,它的音高关系与简谱的1 2 3 4 5 6 7相同。即工凡、乙(亻上)之间为半音,其他相邻两音之间为全音。
工尺谱中音的长短是用板眼符号(记在每拍的第一个音的右侧。、或×代表板,·或о代表眼。)、每拍中所包含的字数、字体的大小、字与字之间的距离来表示的。
如果一个音的时值超过一拍以上时,那末就在这个字的下面加一直线。直线所占的时间根据音的长短标记的总原则。
在工尺谱的直行书写中,除了以上所讲的音值标记外,往往还在字的左侧或右侧加用纵线来表示。纵线的记写和意义与简谱音符下的横线相同。
一拍内包括六七个以上的字或节奏较复杂时,大都用加赠板(拍的细分)的方法来记写。
在工尺谱中,乐句与乐句之间常留有一定空隙,以表示乐句的划分。乐段的标记则有两种方法:一种是段与段之间留有较大的空隙,一种是分段记写。
在工尺谱中,音的休止叫做歇板和歇眼。歇板和歇眼的记法有两种:一种是在歇板或歇眼处写一“勺”字,而在这个“勺”字的右侧注明板或眼的符号;一种是在歇板或歇眼处留出一定的空隙,在这个空隙的右侧,即记板眼符号的地方,记以歇板或歇眼符号。歇板符号用“棥被颉啊痢崩幢硎荆鄯庞谩皲”或“△”来标记。
上面所讲的歇板和歇眼的写法,都是表示一拍开始时的休止,但在旋律进行中,往往不是在一拍的开始处休止,在这种情况下,比较清楚的写法是在休止的地方写上一个“勺”字。
如果要在一拍半的音后面休止半拍时,一般都用歇眼符号“△”写在板的符号“×”的下面来表示。
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具备一定的乐理知识也是很必要的,它是扒带的前提,一个对乐理一窍不通的乐手充其量是个中级水平!小编为大家整理了乐理知识,希望对你们有帮助。
音高相同而意义和记法不同的音,叫做等音。如:#G=BA
等音是根据十二平均律而来的,因为只有在半音相等的情况下才有可能产生等音。
架子鼓基本乐理知识你知道多少?今天小编就给大家整理了一些关于架子鼓的乐理知识分享给大家,希望对你你们有帮助。
对初学者:
1.不要急着追求速度,不管做什么样的练习,放松和稳定的节奏是最主要的。
误区:新手在做单跳练习时,喜欢由慢至快的击打,达到最大速度时,往往是通过手臂肌肉的痉挛而实现的,这是一个恶习。
正确的方法:无论是单跳、双跳、复合跳、滚奏、压奏。都需要在节拍器的配合下练习。培养按照节拍演奏的良好习惯。
注意:如何找到一个合适的练习速度。
当你作一个练习时,能够击打30分钟而不感到疲劳,这就是你的最大极限速度。如果练习几分钟之后感到手臂手腕疲劳,就降低速度练习,直到找到这个极限速度。持续一周之后,你会发现:你的极限速度提高了。
鼓手,不是体力劳动者。只有业余的鼓手,才会在一场演唱会之后手臂痉挛。
2.力度不等于力量。
有些初学者,与乐队合奏时,观众基本上听不到其他乐器的声音。鼓本身的质量有一定因素,主要原因还在于鼓手本身。
抽出1/5的练习时间,用你能达到的,最弱的声音作练习。持续一段时间之后,你会发现,你的重音更加清晰,有颗粒了。持续下去,你会脱离“噪音鼓手”
3.初学者需要达到的标准。
120拍 32分音符 单跳 ,120拍 64分音符双跳 ,30分钟不疲劳。
按照节拍器作节奏练习,中途关闭节拍器音量。3-5分钟后再打开。基本能够合拍。
4.初学者需要记住的:
鼓是乐器,不是噪音工具。
成熟的鼓手,能够领导乐队,而不是跟着别人走。
到目前为止,你不是一个重金属鼓手或者爵士鼓手。到目前为止,你没有思想,你无法正确的用鼓表达你的构思。你是初学者。你需要学习所有的基本功,熟悉所有的音乐流派。对中级鼓手:
1.节奏型和华彩(solo)
一个鼓手,在脱离了初学者的队伍之后,开始与乐队合作。这时,不要急于把你所学过的一切技巧用于演奏。把自己定位于乐队中的“打拍者”而不是独奏演员。
当乐队按照总谱演奏时,请尊重编曲者的思想,即使编曲者为你留下4小节自由发挥的solo,也不要急于定型,你需要认真考虑前后节奏型的衔接和整体的韵律。哪怕是简单而贴切的几个重音,也比漫无目地的桶鼓轮奏强。
当乐队排练自己的作品时,你不妨在头几次排练的过程中,仅仅使用军鼓击打4分音符。仔细聆听其他乐手的演奏。找到作品的律动,然后再确定节奏型。因为:作为一个领导者,你首先需要熟悉其他乐手的动机,要做到知己知彼。
没有人规定,每隔4小节就是鼓手的solo。当你在乐曲开始后的第4小节加上一段可有可无的轮奏,并且在第5小节第一拍击打吊镲时,往往会发现:第二个4小节和第三个4小节变得难以处理了。
2.左手
作为一个“右撇子”,左手的力度和敏捷不够,是困扰许多鼓手的问题。有人建议你把军鼓和采镲的位置放于右侧,不要听他的!训练左手不是要让你变成左撇子。
专业的左手练习:
训练力度-----左手使用轻一些的鼓槌。
是否和你平时的左手训练截然相反呢?没错。使用重鼓槌训练左手,只能获得力量,而且你会发现左手变得更迟钝。用我的方法试验一下,如果无效,你可以用弹弓来打我家的玻璃。
训练敏捷和速度------首先解放你的右手。
练习时,右手不要击打军鼓,可以预先在旁边放一块胶皮垫供右手使用。这样可以强迫你把注意力放在左手。
作完上面的准备工作,开始你的单跳和双跳练习吧!以左手为起始。
注意:完全放松,不感到疲劳才是正确的。一开始练习不可能能达到右手起始时的速度,适当减慢。
3.进一步的技巧练习
变换练习:开启节拍器。第一拍右手单手击打16分音符,第二拍左手击打5连音,逐渐递增。(例:右手5连音之后,左手6连音)
注意:要准确,不要速度。音量平均,没有重音。
增强的变换练习:x表示重音,第一小节右手,第二小节左手。
|xooo|xoooo|
|oxoo|oxooo|
|ooxo|ooxoo|依此类推。
双跳的变换练习:R表示右手,L表示左手。
普通的双跳是这样的:R1 R2 L1 L2。
现在变换一下:R1 L1 R2 L2。休息一拍,重复。
这不是单跳吗?我说过了,这不是单跳。需要用双跳的感觉去打。这个练习很重要!!
作以上练习时,底鼓和节拍器同步,踩镲为偶数拍。
4.康加鼓和手鼓
爵士鼓音色的颗粒感,来源于手腕的控制和爆发力。所以,康加鼓和手鼓的训练是必不可少的。去找一本教材,认真地练习。我在这里就不多说了。
5.人品
鼓手,是一个胸怀宽广的人。是一个沉稳、踏实、有内涵的人。一个鼓手的真实水平。和他的人品是密切相关的。如果一个鼓手在现实生活中喜欢哗众取宠,那么他在演奏时,肯定每隔4小节都要表演SOLO。
不要在手指上玩弄鼓槌,不小心飞出去会砸到花花草草,即使砸不到花花草草,砸到主音吉他的眼睛也是不好的。
鼓手是一个时间感很强的人,也是一个生活很有条理的人。一条内裤能将就着穿半个月,我不相信你能耐心的处理好乐曲中的每一个小节,而不是将就着混过去。杂七碎八:
1.四肢分开和节奏感:
我不想打击大家,但四肢分开和节奏感确实有70%因素是天生的。当你发现,你无论怎样努力也做不到左手16分音符的同时,右手平稳的击打三连音,那么,把爵士鼓作为你的业余爱好吧。
不要认为四肢分开需要一心四用,爱因斯坦的大脑也不可能同时演算2道数学题。四肢分开,其实是指四肢的配合。(注意这句话)
四肢分开的前提是------熟练、良好的基本功、平稳的心板和一点点聪明才智。
哪怕是爵士鼓的天才,也不可能不经过练习而按照陌生的总谱直接演奏拉丁舞曲。
彼得。马加蒂尼的《爵士鼓教材》(北京迷笛音乐学校出版)中的桑巴示范,是绝好的四肢分开的基础练习。
节奏感是一个笼统的概念,其中包含你对音乐的理解和你的乐理知识。只沉迷于一种音乐风格,是无法培养节奏感的。
2.配合。
我见过一些鼓手,独自练习的时候没有问题,一旦与乐队合作,就狼狈不堪。
原因:虽然你可以和节拍器丝毫不差,但并不能说明你富有节奏感。独自练习时,全部的注意力都在自己手上,与乐队合作时,需要转移部分注意力在其他人身上,就容易乱套了。
解决方案:
(1)写一些简单的总谱。排练时完全按照乐谱演奏,一周左右可以有所改善。
(2)击打你最熟悉的节奏型。让乐队根据你的节奏型即兴演奏。
(3)独自练习时,按照节拍唱歌,大声的唱。
3.文化内涵。
如果让一个老外学二胡,估计就算是玩儿了命,也拉不出二泉映月的韵味。
那么,你演奏布鲁斯、爵士乐的时候,能带出那缕黑人的乡愁吗?
如果你是一个痴迷的音乐爱好者,你不仅要模仿他的“皮”,还要找到他的根。如果你不知道20世纪30年代以后,西方资本主义国家发生了什么,你就永远找不到Rock &Roll中蕴含的那种无奈的悠闲和金属乐中的性饥渴。
4.分解节拍。
在鼓手眼里,每个4分音符都是可以任意分解的。分解成偶数,比如2、4、6、8相对容易些,但你仍然需要分解为奇数拍,才可以游刃有余的演奏。
练习:
4/4
每一拍只打一下三连音的第二个音。
底鼓跟节拍器同步,踩镲打偶数拍。
然后再来练习三连音的第三个音。五连音和七连音以此类推。(偶数拍也需要作分解练习)
5.关于爵士乐。
很多鼓手在初次接触爵士乐时感觉摸不到头脑,找不准节奏。
首先,作上面提到的分解练习。学会用奇数分解节拍。
再来训练心板:由慢至快的练习单跳和双跳,而在心中保持稳定的节拍(可以唱拍子)。
上述两个练习熟练后,问题应该可以解决了。
6.录音。
如果有条件,不管你是练习还是和乐队排练,最好能够录制下来,这是寻找自身弱点的最佳方法。
小知识:
小步舞曲(Menuet)一种起源于西欧民间的三拍子舞曲,流行于法国宫廷中,因其舞蹈的步子较小而得名。速度中庸,能描绘许多礼仪上的动态,风格典雅。十九世纪初,小步舞曲构成交响曲奏鸣套曲的第三乐章,后又被谐谑曲所代替。
特点
法国古老的民间舞曲,17、18世纪流入宫廷,并逐渐盛行于贵族社会。三拍子、中庸速度、风格典雅优美。可以写成独立的器乐曲,也常用于古组曲或奏鸣曲的第三乐章。通常为带"三声部中段"的复三部曲式结构。
起源
原为法国土风舞,一种三拍子的舞曲。约1650年传入宫廷,逐步变成速度徐缓、风格典雅的舞曲,流行于贵族社会。十七、十八世纪常用于古钢琴组曲和管弦乐套曲中,作为一个乐章(常为第三乐章),也可作为单独的器乐曲。其结构为三段式曲体,中段常用三个声部写成,故称“三声部中段”,沿习至今。
发展
小步舞曲的历史也比较久远,在欧洲流行了差不多有两百年之久。大概是跳舞时舞步跨得很小,所以称为小步舞曲。到1650年,法国国王路易十四是一个跳舞迷,他很喜欢跳小步舞,于是在宫廷里大事提倡,没有多久就传遍了欧洲各国。小步舞曲除了作为伴舞音乐之外,还有专门用来欣赏的,常常用在一些大型乐曲里,作为一个乐章。到了19世纪,欧洲的作曲家们仍然热衷于创作小步舞曲,例如法国作曲家比才在他的《阿莱城姑娘》的配戏音乐里,就有一首很有名的小步舞曲,后来编入《第一组曲》里,原来是在都德的同名话剧第三幕里演奏的,那是一个富有的农家热闹喜庆的场面,所以在优雅之中带有一种朴实的风格。
各种特色
小步舞曲既有巴洛克时期那种古雅的风格,又有鲍凯里尼、莫扎特古典时期富有活力而又保持高度优雅的气质。贝多芬是一个创新者,他也有很温柔雅致的小步舞曲,但在交响乐里,他又把小步舞曲写成一种符合他强力性格的、戏剧性的篇章。19世纪作曲家柏辽兹 · 比才又赋予小步舞曲新的格调,可见光就是小步舞曲就有各种不同的气质和姿态。再从它们的乐器编配来说,主旋律是非常清晰的,低音声部也不难分辨,至于中间的和声声部,只要你留心,多听,也很容易发现它们的踪迹。
运用
在歌剧、芭蕾舞剧和清唱剧里,由于剧情需要,有时也会有小步舞曲出现,例如法国作曲家柏辽兹在他的清唱剧《浮士德的沉沦》第五场里,玛格丽特入睡了,魔鬼梅菲斯特闯进她的房间里,召来一群鬼火的精灵,它们在玛格丽特的周围飞舞,一闪一闪地,于是魔鬼和它们一起跳着小步舞,这就是著名的《鬼火小步舞曲》。
代表作
拉莫、莫扎特、贝多芬、巴赫等人的小步舞曲最为著名。
巴赫在他的第一首《勃兰登堡协奏曲》中,就有一首小步舞曲。其实那时所谓的协奏曲,是一种乐队合奏曲,只不过有时是一两件或三四件乐器演奏较为独立的声部而已。和巴赫同时代的德国作曲家泰勒曼也写过许多著名的小步舞曲,选自泰勒曼的《古代民族和现代民族序曲》的两首小步舞曲,从这两首同一作者而不同风格的小步舞曲可以大概地领略17世纪欧洲巴洛克时期小步舞曲的风貌。第一首在优雅之中带有严肃深沉的味道,中段用了复调音乐的写法,连速度也加快了。第二首就比较优雅抒情,风格较为接近18世纪的小步舞曲。因为这两首小步舞曲都用在“序曲”里,是其中的乐章,不是用来伴舞的,所以在写作风格上有更多的自由。
在众多的古典小步舞曲里,最常听到的是意大利作曲家鲍凯里尼的《小步舞曲》。这首乐曲原来是《E大调弦乐五重奏》里的一个乐章,不过它实在太好听了,所以就被人改编为各种乐器演奏的版本,其中以管弦乐队合奏最常听得到。鲍凯里尼生于1743年,比莫扎特大13岁,他的《小步舞曲》除了优雅的共同风格之外,还有一种摇曳生姿、仪态万千的气质,难怪一直是音乐爱好者最欢迎的曲目之一。一说起小步舞曲,自然会使人想起奥地利的音乐天才莫扎特,他一生写了六百多部的大型作品,在他的交响乐、协奏曲、管弦乐、室内乐和器乐独奏曲里,都常常有小步舞曲,而且首首不同,都非常优雅动听,真令人不明白他源源不绝的乐思到底是怎么来的。1990年荷兰飞利浦唱片公司为纪念莫扎特逝世二百周年,出版了一套庞大的《莫扎特全集》,其中第六辑是《舞曲与进行曲》,共6张CD,所收录的全是莫扎特创作的独立的舞曲和进行曲,其中小步舞曲就占了一个相当大的比例。贝多芬也写过好些小步舞曲,例如那首《G大调小步舞曲》就十分出名,但那首乐曲原来是一首钢琴独奏的作品,由于太好听了,被人们改编为小提琴独奏、大提琴独奏和管弦乐合奏的组曲。在贝多芬的交响乐、室内乐里有时也有一个乐章是小步舞曲,但在性格上和莫扎特等作曲家的小步舞曲却大不相同。贝多芬的交响乐里的小步舞曲更多一些戏剧性,甚至带有谐谑曲的味道,优雅的气质就少得多了。例如在他的《C大调第一交响乐》的第三乐章,你就能够体会到那种大胆的乐思、飞快的速度和激越的情感和情绪了。
乐理基础知识方面也是很必须掌握起来的,今天整理了几个最基本的乐理知识,把这些都掌握了,就可以再进一步深入学习了哦!
1、什么叫记谱法?一首曲子一般都包含高低、长短、强弱等要素。把这些要素用各种记号、符号记录在纸面上的方法叫记谱法。古今中外使用过和正在使用中的记谱法是有很多的。拿我国来说,古今使用过的记谱法就有多种。据说早在战国时代,卫灵公手下的音乐师叫师涓的,就能用某种记谱方法记谱了。据文字记载,我国隋唐时期就产生了工尺谱、减字谱(古琴用),宋代又又产生了俗字谱。工尺谱几经沿变,至今仍有民间艺人使用。不过近、现代在我国使用比较普遍的是简谱和五线谱,尤其以使用简谱的人最多。从世界范围来看,使用最普遍的是五线谱。
2、什么是简谱?简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法,读过书的中国人几乎都认识它。这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂1665年提出来的。后来,将它加以改进和积极推广的竟然是法国著名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐,在欧洲几乎从未普及过。1882年前后,美国人梅森到日本讲学时把它传入日本,19世纪曾有一度在日本学校通用过,不过后来他们也不用了。清朝末年,简谱通过留日学生传入我国。1904年,沈心工先生编写的“学校唱歌法”一书出版,曾风行一时,从此简谱便在我国普及开来。笔者认为,简谱作为一种大众化的记录方法,在我国普及和推广音乐方面曾经而且仍在发挥很大的作用。不过由于它记谱有不少局限,而且现在世界上绝大多数国家又都不用它,我们应当创造条件推广、普及五线谱,以利于提高音乐水平及与世界各国进行音乐文化交流。
3、什么是五线谱?五线谱是世界上使用最广泛的记谱法,在目前的记谱法中,五线谱相比较而言最为严密、准确、科学。它用五条平行横线记录声音的高低,用空心(或实心)椭圆或在它一侧加竖线(有的还在竖线的一端加“尾巴”)的图形作音符,表示音的长短(实例请见本站登载的曲谱)具有立体感,便于记录多声部音乐。它17世纪末正式传入我国,在清朝康熙年间宫廷编撰的“律吕正义续编”中,对它有详细介绍,可见传入我国之久。1930年,音乐家刘天华先生将梅兰芳唱的戏曲用五线谱记录下来,出版了“梅兰芳歌曲谱”,该书是我国第一部记录戏曲音乐的专集。有些人认为五线谱比简谱难学。有这种观念是容易理解的。其实主要原因并非五线谱难,而是改变从小养成的读谱习惯难。你从小接触的乐谱都是简谱,已经习惯于简谱那一套,现在要改当然难了。如果从幼儿园开始就用五线谱,小学、中学音乐教科书也一律如此,平常所见的谱都是五线的,旷日持久,就习惯成自然了。现在有不少孩子三、四岁就开始学钢琴(学钢琴就非用五线谱不可了),由浅到深,由简到繁,读谱练琴齐头并进,所以不少孩子年纪虽小,视读线谱的能力却比许多成年人强得多。什么道理?熟能生巧嘛!
4、什么是小夜曲?文章有各种体裁,如记叙文、议论文、诗歌、散文等,都是文章的体裁。音乐也有各种体裁,如小夜曲、摇篮曲、奏鸣曲、圆舞曲、小步舞曲、波尔卡、玛祖卡……都是音乐的体裁。小夜曲是音乐体裁的一种,是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学,流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初,小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱,倾诉爱情,旋律优美、委婉、缠绵,常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展,其形式也有所发展。“中外著名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲,都在世界上流传甚广。
5、什么叫波尔卡?“波尔卡”这个标题不是起概括和提示音乐内容的作用,而是表明它的体裁属于一种男女对舞用的舞曲。起源于捷克民间,曾经风行全欧,西洋不少著名作曲家都用过这种体裁写过音乐作品。它一般为二拍子,节奏活泼、欢快。
6、什么叫玛祖卡?也是属于男女对舞用的舞曲。起源于波兰,也曾在欧洲风行一时。它与波尔卡最大的区别是前者为二拍子,而它却是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小节的第一拍,而玛祖卡却常落在第二或第三拍。比如“浅易琴谱”中所登的汤姆生《玛祖卡》,多数小节的重音就是如此。玛祖卡所表达的情绪一般都活泼热烈,演奏时需掌握这个特点。
7、什么叫小步舞曲?“浅易琴谱”里已登了两首由巴赫作曲的小步舞曲,其实巴赫写这种体裁的作品并不止两首,而且许多古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等也都写过以“小步舞曲”命名的作品。小步舞曲起源于欧洲的宫庭,曾在法国宫庭流行一时。它是一种三拍子的舞曲,速度缓慢,从容典雅,颇具贵族的风格。
8、什么叫圆舞曲?圆舞曲又名华尔滋,也是一种三拍子的舞曲。起源于奥地利的一种民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会上,十九世纪风行欧洲。以斯特劳斯的佳作《蓝色多瑙河》最为著名。它有快步和慢步两种。与同样也是三拍子的玛祖卡不同,它的重音一般都落在小节的第一拍上。也与同样是三拍子的小步舞曲不同。圆舞曲的特点是节奏鲜明,旋律流畅,不象小步舞曲那么温文尔雅。不过必须明确,音乐不是数理,不是逻辑,这种区别只是就一般情况而言,并非是绝对的。
9、什么是“学堂乐歌”?本站“近代名歌”栏目中“送别”、“国民革命歌”、“夕会歌”等中国近代早期歌曲,被称为“学堂乐歌”。这究竟是什么意思?
清朝末年、民国初年,当时的政治改革家们主张废除科举等旧教育制度,效法欧美,建立新型学校,于是一批新型的学校逐渐建立了起来。当时把这类学校叫做“学堂”,把学校开设的音乐课叫做“乐歌”科。所以“学堂乐歌”,一般就是指出现于清朝末年、民国初年的学校歌曲(类似当今的校园歌曲)。学堂乐歌的倡导、推广者以沈心工、李叔同等启蒙音乐教育家为代表。今天的年青人可能很少人认识它们,但在我国近代音乐史上却占有很重要的地位。早期的的学堂乐歌以旧曲填新词为主,用中国民歌、小调的曲调或欧美歌曲的曲调填进创作的新词。这可以说是它们的特点之一。
10、andanteallegro.....什么意思?这是在钢琴乐谱上常见的外文字。这类外文字叫音乐表情术语,多数用意大利语。网友中使用中遇到不懂的可查看音乐词典。现将琴谱中出现频率较高的术语释义如下:
意大利文释义每分钟拍数
largo广板46
lento慢板52
adagio柔板56
andante行板66
andantino小行板69
moderato中板88
allegretto小快板108
allegro快板132
presto急板184
11、在西洋音乐史上,叫做“斯特劳斯”的著名音乐家有四个,请注意不要张冠李载。第一个大名顶鼎,他就是大家耳熟能详的《蓝色多瑙河圆舞曲》作者约翰。斯特劳斯,有圆舞曲之王的美名;第二个就是新年音乐会压轴节目《拉德斯基进行曲》的作者,也叫约翰。斯特劳斯,是前者的父亲,为表示区别,人们常在其名字的前面加一个“老”字,或者在其名字后面的括号中加一个“父”字。小约翰的音乐成就来自父亲的启蒙,后来超过老子,但老子却坚决反对儿子搞音乐,还曾为此上过法庭告过儿子呢。第三个叫弗兰兹。斯特劳斯,是十九世纪德国大音乐家瓦格尔的同代人,是当时慕尼黑宫庭乐队的首席圆号手,他在音乐上并没有可以写入史册的成就,却因多次敢于公开对瓦格尔表示鄙视而出了名。第四位是此人的儿子,叫兰兹斯特劳斯,以创作交响诗和歌剧著名。
12、以“多瑙河”命名的最著名圆舞曲有两首:一首是约翰。斯特劳斯的《蓝色多瑙河圆舞曲》,另一首叫《多瑙河之波圆舞曲》,是与斯特劳斯同时代的罗马尼亚音乐家伊凡诺维奇写的,原来是管弦乐作品,因为写得美,又适宜用人声来唱,人们便填词而使它成了声乐作品。这两首作品,堪称圆舞曲的双璧或姐妹花。
13、“哈巴涅拉”与“圆舞曲”“波尔卡”一样,都是西洋舞曲中的体裁。它起源于古巴,其音乐特点为中速,二节子。比如本站“钢琴乐谱”栏目中比才的《哈巴涅拉舞曲》所呈现的节奏型,就是这种舞曲典型的节奏型。
波洛涅兹(英语:polonaise;波兰语:polonez,chodzony;意大利语:polacca),一种音乐体裁,又被译为波洛奈兹,波洛内兹或波兰舞曲,是一种3/4拍子,中等或偏慢速度的舞曲,源于波兰。
在肖邦之前,波洛涅兹和瑞典的波尔斯卡舞曲(polska)很相似,有很多十六分音符组成的节奏,两种舞曲是同出一源。在巴洛克时期和古典时期,巴赫、泰勒曼、莫扎特等作曲家都曾创作过类似于波洛涅兹的舞曲,这时代的舞曲比较慢,节奏平稳。在肖邦的作品中,波洛涅兹变成一种华丽而雄壮的钢琴独奏曲。他的波洛涅兹通常是三段体或者回旋曲式。
肖邦最著名的波兰舞曲是降A大调波兰舞曲(op.53)。这首作曲被认为显示肖邦对祖国波兰的热爱,在钢琴技巧上,以高难度著称,考验弹琴者持久的臂力。
16世纪后半叶,最初是贵族们携其女伴,伴着音乐的一种有节奏的行进。1574年,波罗乃兹正式诞生于波兰国王--安茹的享利的王宫中,并在一种硬朗、尚武的气氛中茁壮成长。它成为一种政治舞蹈,还有人曾专门为它填词。关于“波罗乃兹舞曲”的起源有两种说法,一种说法是最早起源于武士凯旋的舞蹈,另一种说法最早产生于民间的家庭舞会。它大约每四分之三米一步,重音落在每小节的第二拍上,乐曲基本由二音部组成,有时也加入第三音部,所有终曲的结尾处都具有娇柔的女性特征。尽管这种舞曲总的来说充满阳刚之气,但却用了一个极为阴柔的标题“波罗乃兹”。
对于波罗乃兹这种形式,李斯特的描述最为出色:“这种舞曲形式表达了古老波兰最高贵的传统情感。波罗乃兹具有最纯正、最真切的波兰民族特征,在长达几个世纪的形成过程中,它一方面巧妙地利用了王国地跨东西的政治、地理位置来发展自己,另一方面又从整个民族难以独特天性中汲取营养。波罗乃兹中的一切都能够清楚地把波兰与其他民族国家区分开来,在传统的波兰男人身上,坚毅果敢的侠骨总是与对爱人全身心的奉献柔情紧密结合。崇高的尊严感孕育了波兰民族骑士般的英雄主义,这种民族特性与勇气无疑对波罗乃兹舞曲的风格产生了巨大影响。肖邦的波罗乃兹是在这种舞曲形式发展过程中诞生的里程碑式的作品,它们是肖邦最美妙的创造,那活力四射的节奏能使最冷漠、沉寂的人像触了电一般激动。肖邦生得太迟,又过早地离开了祖国,致使自己的创造无法被吸收到波罗乃兹的原始特点中去,否则,人们必定会按他所设计的方式来跳波罗乃兹舞。尽管如此,肖邦还是以奇特的想像为这种古老的舞蹈形式注入了新的色彩。”
最近收到了几个关于【新手要从哪学起】的问题,乐理方面也是很必须掌握起来的,今天整理了几个最基本的乐理知识,把这些都掌握了,就可以再进一步深入学习了哦!
首先,五线谱是由三个主要的部分组成的: 音符、谱号、谱表。 第一节 谱表 现在我们首先来介绍一下谱表: 用来记写音符高低的表格,就叫做谱表。 五线谱,顾名思义是由五条线组成的。的确,是由五条平行的横线和四条平行的间组成的。这就是五线谱的谱表。它们
首先,五线谱是由三个主要的部分组成的:音符、谱号、谱表。
第一节 谱表
现在我们首先来介绍一下谱表:
用来记写音符高低的表格,就叫做“谱表”。
五线谱,顾名思义是由五条线组成的。的确,是由五条平行的“横线”和四条平行的“间”组成的。这就是五线谱的谱表。它们的顺序是由下往上数的。
最下面第一条线叫做“第一线”,往上数第二条线叫“第二线”,再往上数是“第三线”、“第四线”,最上面一条线是“第五线”。
由于音符非常多,所以“线”与线之间的缝隙也绝对不能浪费的,也就是“线”与“线”之间的地方叫做“间”。这些间也是自下往上数的。同“线”一样。最下面的一间叫做“第一间”。往上数是第二间、第三间、第四间。下面请看谱例:
每一条线和每一个间都代表着一个音的高度。
然而这五条“线”和四个“间”还不够表达我们的情感心声,如果还有更高的音或者更低的音出现怎么办呢?于是就产生了更多的“线”和“间”。
这些临时多出来的“线”和“间”叫做“上加线”和“下加线”。上面多出来的线叫做“上加线”,上面多出来的“间”叫做“上加间”。下面多出来的“线”和“间”叫做“下加线”和“下加间”。这些“线”和“间”向上下两边呈放射形。“上加线”和“上加间”是自下而上,往上数的,分别叫做“上加一间”、“上加一线”、“上加二间”、“上加二线”、“上加三间”、“上加三线”…………以此类推。
在五条线下面加出的线是从上面向下数的(与上加线相反)。分别称作“下加第一间”、“下加第一线”、“下加第二间”、“下加第二线”……也是以此类推。(如下图)
这里面有一个需要注意的有两点:
1、“上加线”和“下加线”根据音符只需要画一条短线,不需要很长。够表示音符就可以了。(如下图)
2、在表示“上加间”和“下加间”的时候,不需要再把这个音符上面或下面的线画出来了。(如下图)
第二节 谱号
在五线谱上确定音高的位置---也就是音名位置的符号叫做谱号。
谱号就象男女有别一样,在五线谱上看上去是相同的音,由于谱号的不同而代表着不同的音高,这些谱号分别有高音谱号,低音谱号,C谱号三种。
在五线谱上标有高音谱号的叫高音谱表,标有低音谱号的是低音谱表,同样,标有C谱号的就是C谱表,亦叫中音谱表,或叫次中音谱表(后面要详谈)。一般用高音谱表的乐器大部分是属于高音乐器,象小提琴、二胡、高胡、长笛、小号、双簧管、笛子等等,还有包括人声的男女高音声部,通常高音谱表用得较为普遍,除了特殊乐器声部以外,大部分用高音谱表来标写。使用低音谱表的一般是一些低音乐器和人声的低音声部,比如象大提琴,大管、大号、低音黑管等等。而C谱表则多用于中音提琴等等……
谱例1:高音谱号(G谱号)
谱例2:低音谱号(F谱号)
谱例3:C谱号
同学们在学习乐器之前,要懂得基本的乐理知识,学会看懂基本的音乐符号,明白它所表示的含义,才能为弹乐器做良好的铺垫。今天小悦就来带着大家学习一下最基本的乐理。
把固定的音升高或者降低叫变化音用来表示这种变化的符号叫变音符号。 (一)变音符号共有五种。 1、#升号 2、b降号 这两种符号都表明符号后面紧跟着的音要升高半个音,或者降低半个音。 3、重升号 4、bb重降号 3、4两种符号表明紧跟在后面的那个音要升高全音
标签: 变化音
把固定的音升高或者降低叫“变化音”用来表示这种变化的符号叫“变音符号”。
(一)变音符号共有五种。
1、“#”升号
2、“b”降号
这两种符号都表明符号后面紧跟着的音要升高半个音,或者降低半个音。
3、“×”重升号
4、“bb”重降号
3、4两种符号表明紧跟在后面的那个音要升高全音或降低全音。
注释1:全音是大二度, 半音是小二度。
关于全音和半音的问题我们在以后的课时里会给大家介绍
5、“”还原号
用来表示在它后面的那个音不管前面是升高还是降低都要恢复原来的音高。
(二)变化音的位置:变音符号必须对准所要升高或者降低的音。(升号和还原号的斜方孔,降号和重降号的孔,重升号的交叉点。)
(三)变化音的用途有两种:
1、调号
一种是写在谱号后面的,这种变音记号也叫“调号”。
谱例1:
这表明在这个调(调性以后会讲到)里面标到的音,不管音的高或低,都要固定的升高或者降低。
比如: 是#F #G #C,那么在这个曲调里所有的F、G、C都要升高半个音。(如果遇到临时变音记号以临时变音记号为准)。
在乐谱中写在某一个音前面的变音记号叫做“临时变音记号”也叫临时升降号。
谱例2:
2、这是表明这个音要临时改变音高。这种临时升降号可以管一小节,在一小节之内有同样音名的音都要服从第一个变化音,也要跟着变化同样的音高。它的前面在就不需要有再画相同的符号。但是这种临时升降号只有在同一小节之内有效,这一小节之后就不再起作用了,可以说是“铁路警察,各管一段”。
3、在写变音记号时的注意事项:
a)变音记号可以记在五线谱的“线”上和“间”内。但必须对准后面所要表达的音,才能使后面的音有准确的音高。
b)升号和还原号都有两条横线,这两条横线要从左下方向右上方倾斜,并且要比两条竖线画得粗一些。
谱例3:
基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要,如果不懂乐理就不能更好的学习吉他,所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。
1.具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是:
全音符,
二分音符,
四分音符,
八分音符,
十六分音符,
三十二分音符,
八分付点音符,
十六分付点音符,
切分音符等。
想要学习好在吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习这些不同的音符及节奏在六线谱上的表示方法.
(1) 六线谱上音的表示方法
六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字,分别代表这根弦上相应的品上的音。
如图:最上面一条线上的0、 3、 12、18,表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符,其他线上的数字依次类推。
(2) 六线谱上节奏的表示方法
节奏技巧不同于其他的演奏技巧,他要根据不同的节奏,来扫规定和弦中六根线的不同区域,而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。
在六线谱中的扫弦方法,是用不同方向、不同长度的箭头表示,不同方向,不同长度的箭头按不同的时值来演奏,可变化多端,节奏丰富。
(3) 拍的概念
拍是时值的计算单位,我们在学习时值的时候,最重要的是掌握平稳的拍速,拍速就是在演奏乐曲时候,每分钟弹多少的音。
不同的乐曲有不同的拍速,我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏,才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候,时快时慢,别人无法与你同步演奏,所以练习好拍速对于每一位演奏者来说,是非常重要的。我们要经过严格训练,把自己变成一个极其准确的节拍器。
(4) 拍的表示方法
一拍是由前半拍加后半拍组成的,时值中最长的基本单位是全音符,他是由四个这样的一拍组成。
二分音符是由两个拍组成,四分音符是由一个拍组成,八分音符是由半拍组成,十六分音符是由四分之一拍组成,三十二分音符是由八分之一拍组成,其他更快的音符同理类推。
二、音名和唱名
音名,顾名思义,既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键,分别用英文字母:C、D、E、F、G、A、B命名,就叫做音名。
最中间的白键为C音,往右一个为D音,再往右一个为E音,依次类推,七个音重复(只限于白键)。其中,C音到D音的音程为一个全音,D到E为一个全音的音程,下面依次为:E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。
举个例子:在C调里面,1=C,意思是C调的1的音名是C,2的音名是D,那么从C音到D音在同一个八度里面,D比C升高了多少呢,我们说,D比C音升高了一度。
在音乐体系中,虽然有着一百多个音高低不同的音,但音名只有这七个基本音,又称做本位音。
升音
将基本音升高半音程,叫做升音。用在表示特定音名的字母左上角记“#”来表示。如:#C、#E(符号显示原因只能表示在前面,实际#是在左上角
降音
将基本音降低半音,叫做降音,用在表示特定音名的字母坐上角记“b”来表示。
变化音阶:变化音阶是指包含升、降记号的音阶,它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音,但不同名称。
音符和唱名
记录音乐的方式很多,如五线谱、简谱、六线谱等。
例如,在简谱中,记录音的高低和长短的符号,就叫做音符,它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。
而记录拟稿的基本符号,只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名,其读法就是该音名的唱名:
简谱 1 2 3 4 5 6 7 1
音名 C D E F G A B C
唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do
注意:在这个音阶中 3——4 相隔半音,7——1 也相隔半音,其余相邻两音都相差全音,这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上,半音是相邻两格之间的距离。
其他知识
进行曲(march)是一种富有节奏步伐的歌曲
最初它产生于军队的战斗生活,用以鼓舞战士的斗争意志,激发战士的战斗热情,后来人们在社会生活中也常采用这种体裁来表达集体的力量和共同的决心。雄劲刚健的旋律和坚定有力的节奏是进行曲的基本特点。进行曲也是一种用步伐节奏写成的声乐乐曲或器乐乐曲。它起源于16世纪西方的战乐;从17世纪起,由通常伴随队伍行进或用于世俗性的礼仪活动,逐渐进入音乐会演奏以及歌剧、舞剧音乐中,最终成为一种特定的音乐体裁。
进行曲以偶数拍作周期性反复,常用2/4 ,4/4 的拍子。进行曲原是舞曲的一种,多用于群众出场,退场的时候。现代进行曲则指十七世纪以后,用铜管乐队吹奏的乐曲。
进行曲主要可分为下列几种类型(根据用途)
1.军队进行曲
曲调激越昂扬,威武雄壮,用管弦乐队或钢管乐队演奏,并广泛使用打击乐器。
例如,舒伯特的《军队进行曲》。
奥地利作曲家舒伯特作于1818年前后。作品音乐语言朴实流畅,形象逼真生动,通俗易懂,曾被改编为钢琴独奏和管弦乐曲。该曲为复三部式。作品为活泼的快板,D大调,2/4拍。
音乐的引子形象地模拟军号的音响和小军鼓的节奏,高亢嘹亮。
第一部分为带反复的单三部曲式。在富于跳跃感的伴奏音型衬托下,A段主题描绘出士兵行进时的雄姿,颇具色彩。A段反复后经过门出现建立在小调基础上的B段主题,它与A段形成鲜明对比。随后A段再现。
第二部分的间奏与引子基本相同。该段主题由A段主题发展变化而来,柔美而富有歌唱性,调式的变化使乐曲的色彩更显得绚丽多姿。
最后是再现部。
2.婚礼进行曲
速度一般较快,表现欢乐的气氛。
(1)如瓦格纳的《婚礼进行曲》
原是三幕传奇歌剧《罗恩格林》里的一首混声四部合唱。这首婚礼进行曲是降B大调,2/4拍,中速,复三部曲式。
前面有一个短小的、庄严的引子。 A段有一个主题和一个副题。 然后是乐曲的中段,它转到了D大调,这个曲调是从A段发展而成的。 最后是主题再现A段,转原调,接尾声结束。 这首《婚礼进行曲》充满着欢乐和幸福的气氛,但我们现在听到的录音,多是用这个旋律改编的管弦乐曲。
(2)如门德尔松的《婚礼进行曲》
乐曲用复三部曲式写成,C大调,4/4拍。
第一主题从辉煌的号角开始,引出热烈而隆重的旋律.第二主题是从上面
这个主题发展而成,它仍然保持着热烈的气氛.中段旋律柔美、情意甜蜜,给 人以幸福感。
最后,第一部分的两个主题再现,接尾声。
瓦格纳和门德尔松的《婚礼进行曲》是齐名,人们习惯地把这两 首《婚礼进行曲》一并使用,瓦格纳写的作为新人入场时举行婚礼的 庆典音乐;门德尔松写作为礼成之后,新人退场,进入洞房时的音乐。
(3)丧礼进行曲
速度较慢,常用小调,情绪沉郁哀伤。
如贝多芬的《第三交响曲》第二乐章
一些知名曲目
老约翰.施特劳斯:拉德斯基进行曲
柴可夫斯基:“胡桃夹子”进行曲
弗朗克:奥林匹克鼓号曲
米查姆:巡逻兵进行曲
柏辽兹:拉科兹进行曲
赫伯特:玩具兵进行曲
苏沙:华盛顿邮政进行曲
苏沙:星条旗进行曲
裹夏:'风流寡妇'进行曲
埃尔加:威风凛凛进行曲
伯恩斯坦:万宝路进行曲
莫扎特:土耳其进行曲
舒伯特:军队进行曲
门德尔松:婚礼进行曲
瓦格纳:婚礼进行曲
罗西尼:威廉退尔序曲-第四乐章(进行曲)
肖斯塔科维奇:节日序曲
今天小编分享一份优秀的基础乐理知识笔记,建议你们收藏哦。希望对你们有帮助。
1. 旋律:用调式关系和节奏、节拍关系组合起来的,具有独立性的许多音的单声部进行。
2. 分类:声乐旋律与器乐旋律
3. 主调音乐:旋律在多声部音乐中,是以不同的方式进行组合的。以一个声部为主,其他声部为副,叫做主调音乐。
4. 复调音乐:两个以上具有独立意义的旋律,协调地结合在一起
5. 旋律进行的方向及高潮分为上行、下行和平行,可以呈直线型或曲线型。发展中,情绪不断高涨所达到的顶点,叫高潮。
6. 旋律的分段:和语言一样,根据呼吸、停顿,分成许多个相互联系的部分,这每一部分就叫做一个段落。段落有大有小。段落与段落之间,往往带有休止符或长音。
7. 终止:用来结束段落的某几个音或和弦,叫做终止。终止总是位于停顿之前。
8. 完全终止:旋律结束在主和弦的根音上。
9. 半终止:旋律结束在主和弦的三音或五音上。
10. 一段体、两段体和三段体。
在音乐中单靠音符来记录音乐是远远不够的,还要用许多的记号来加以补充。常用的记号可以分为演奏法记号、省略记号、变音记号、装饰音记号、速度记号、力度记号、表情记号……等等。下面就分别来讲解各类记号。
反复记号是为了节省乐谱的记写而采取的一种省略方法。
4.3.1段落反复记号
段落反复记号是指两段或两段以上的音乐完全相同,或者是当音乐中的某一片段的重复时,为了节省乐谱的记写而采取的一种省略方法。它用前反复记号和后反复记号来表示。
如果是从头反复,一般只在最后写上标记即可。
如果是乐曲中间的重复片段,则要在其前后标记出段落反复记号。
4.3.2D.C.记号
D.C.记号是外语Da Capo 的缩写,意思是“从头反复”或“再来一次”。在乐谱中见到D.C.的标记时就要从头开始演奏,,或或直到乐曲的结束、或到Fine处或结束。它一般写在段落结束处。
4.3.3D.S.记号
D.S.记号是外语Da Segno的缩写,意思是“从有记号处反复”。在乐谱中见到D.S.标记时就要从有记号处开始演奏,直到乐曲的结束。有时D.S.记号也可用记号来代替。
该记号一般写在段落结束处。或标记写在谱表的正文。而前面的记号一般写在谱表的上方。
4.3.4反复跳越记号
反复跳越记号是段落反复记号的一种补充。当音乐中两段音乐不同时,就要用反复跳越记号来标记出不同的段落,并在演奏第二段时跨过标记有第一段的那部分,而直接演奏第二段的那部分音乐。
如:
草原之夜
在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的,但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。音乐中所使用的音并不是杂乱无章的,它们是人们在长期的音乐实践中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出来的。这些音被组成为一个固定的体系,用来表现音乐思想和塑造音乐形象。
声音有高低,强弱,长短,音色等四种性质。音的四种性质,在音乐表现中都是非常重要的,但音的高低和长短则具有更为重大的意义。一首歌,不管你用人声演唱或用乐器来演奏(音色),用小声唱或是大声唱(强弱),虽然音的强弱及音色都有了变化,仍然很容易辨认出歌曲的旋律。但是,假如将这首歌(相对之间)的音高或音值加以改变的话,则音乐形象就会立即受到严重的破坏。因此,不管创作也好,演奏演唱也好,对音高和音值应加以特别的注意。同样,不同的音色和不同的强弱对于音乐的表现作用也是不容忽视的,音色对于音乐形象的性格描绘十分重要;强弱是表现乐感的极其重要因素。
下面分别对这四个方面加以介绍。
1.2.1音色
音色是由于发音体的材料性质、结构形状、发声方式、及其泛音的多少等不同方面来决定的。
如:铜做的锣、镲与木制的梆子、木鱼所鼔击发出的声音就截然不同;
铜做的号与木管吹奏所发出的声音也是截然不同的……
如:同为铜制的乐器,锣与小号的声音却不相同,这是由于发声方式不同所造成的;
如:同为木制的大管与双簧管吹出来的声音也不相同,这是由于乐器的内部结构不同而引起的;
如:同为铜管乐器的小号与大号,音色却有极大的差异,是由于乐器的何种大小不同引起不同的共鸣,泛音的多少也对音色有很大的影响。
……
在乐队中常常要把不同的音色混合在一起使用,形成复合音色,但由于每一个个别的乐器(或人声)有着各自不同的音色特点,我们仍能够从复合音色中分辨出不同的旋律来。在音乐中,不同的音色有不同的音乐表现特性,把握好音色的运用,对于更好地表现音乐有着十分重要的作用。
1.2.2音的长短
发声体振动保持延续时间的长短就是声音的长短。延续时间长,发声的时间就长;延续时间短,发声的时间也就短。音的长短也叫做音的时值。
不同长短的音相互结合起来,就产生了音乐的节奏、节拍,被称为旋律的骨架。所以说音的长短在音乐中是十分重要的。在演唱、演奏音乐时一定要掌握好音的时值。
1.2.3音的高低
声音的高低是由发声体振动的频率所决定的,不同的频率就决定了不同的音高。振动次数(赫兹)多,声音就高,反之亦然。音的高低简称为音高。
在音乐中所使用的音一般在16Hz——7042Hz之间,要比一般钢琴所包含的音域稍宽一些,而再比这些音高或低的音就失去审美意义了,所以不予使用。
在音乐中音的高低是整个音乐的灵魂,,音高的变化往往会带来音乐的形象的改变;如果在演唱、演奏中有音不准,就会扰乱整个音乐的进行。
1.2.4音的强弱
音的强弱是由发声体振动的大小范围(振幅)来决定的。一般来说,发声时用于振动的力量大,发声体振动的振幅就大,于是音就强,反之亦然。
基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要,如果不懂乐理就不能更好的学习吉他,所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。小编为大家整理的一些入门乐理,希望你们喜欢。
音名,顾名思义,既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键,分别用英文字母:C、D、E、F、G、A、B命名,就叫做音名,最中间的白键为C音,往右一个为D音,再往右一个为E音,依次类推,七个音重复(只限于白键)。其中,C音到D音的音程为一个全音,D到E为一个全音的音程,下面依次为:E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。举个例子:在C调里面,1=C,意思是C调的1的音名是C,2的音名是D,那么从C音到D音在同一个八度里面,D比C升高了多少呢,我们说,D比C音升高了一度。
在音乐体系中,虽然有着一百多个音高低不同的音,但音名只有这七个基本音,又称做本位音。
升音
将基本音升高半音程,叫做升音(声音?汗!: )。用在表示特定音名的字母左上角记“#”来表示。如:#C、#E。。。。。这里只能表示在前面,不能表示在左上面,汗!
降音
将基本音降低半音,叫做降音,用在表示特定音名的字母坐上角记“b”来表示。
变化音阶:变化音阶是指包含升、降记号的音阶,它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音,但不同名称。
音符和唱名
记录音乐的方式很多,如五线谱、简谱、六线谱等。
例如,在简谱中,记录音的高低和长短的符号,就叫做音符,它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。
而记录拟稿的基本符号,只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名,其读法就是该音名的唱名:
简谱 1 2 3 4 5 6 7 1 。
音名 C D E F G A B C。
唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do。
注意:在这个音阶中 3——4 相隔半音,7——1 也相隔半音,其余相邻两音都相差全音,这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上,半音是相邻两格之间的距离。